La Caja de Cine de aNiTa

The nightmare before christmas

2008-11-08T12:12:00.010-02:00

Hacer una crítica de una peli tan conocida (y tantas veces vista) me resulta difícil, así que opté por la vagancia y rescaté un viejo análisis de la dirección de arte que hice cuando estudiaba publicidad:

"The nightmare before christmas", es una película con una dirección de arte muy cuidada, basada principalmente en los bosquejos que realizó el director Tim Burton. Esto se puede apreciar fácilmente en la textura en general, similar a un trazo nervioso con birome o pluma.

A grandes rasgos posee una estética mezcla entre un dibujo animado de los años ´50, el cubismo en la escenografía de El gabinete del doctor Caligari y, en sus momentos más oscuros, la iluminación heredada del expresionismo alemán. Pero esto se puede encontrar en cualquier película de Tim, así que paso a especificar un poco más.

La película abre mostrando el lugar clave de la historia, el centro del bosque donde se encuentran las puertas a las otras festividades. Todo el bosque tiene una textura de cartón corrugado, muy bueno para imitar las vetas de los árboles. El detalle se encuentra en las puertas, todas emblemáticas de cada festividad importante en Estados Unidos:

St Valentine Day tiene en la puerta un corazón y al pie una caja típica de bombones. St Patrick Day, festividad llevada por los inmigrantes irlandeses ostenta en su puerta un trébol, y al pie un grupito de hongos que puede relacionarse con los bosques de Irlanda y toda su vasta mitología feérica, por ejemplo el hecho de que un círculo de hongos fuera signo de una entrada al caprichoso mundo de las hadas, bastantes malvadas en realidad antes de que existiera Disney. Luego sigue la puerta con forma de huevo pintado, correspondiente a las Pascuas (con huevitos chiquitos al pie).
La puerta con el pavo corresponde al Thanksgiving Day, adornando el pie un sombrero típico de los protestantes llegados a América.

Por último está la puerta correspondiente a Halloween, con su calabaza de sonrisa macabra. Esta celebración también fue importada por los irlandeses. La celebración original del día de los muertos de origen céltico era llamada Samhain (no me pregunten cómo se pronuncia esto, el gaélico no es una de mis especialidades), la noche de la cacería salvaje. Los celtas adoraban las situaciones intermedias, donde no se es una cosa ni la otra, por ejemplo la medianoche, el amanecer, el atardecer, etc. El último día de Octubre era considerado importante porque allí empezaba la mitad oscura del año, para ellos éste tipo de situaciones intermedias adelgazaba la línea que divide éste mundo del otro; por ende los espíritus y criaturas afines podían vagar por ahí. Las costumbre típicas de Halloween, como las calabazas talladas, los disfraces (siniestros originalmente) y los trucos fueron heredadas de la festividad original. Toda ésta clase de historia viene a caso de explicar las costumbres en relación a la película.

Halloween town:
Me parece que su tratamiento fue planeado desde un principio no sólo para reflejar su obvia naturaleza, sino para contrastar terriblemente con Christmas town.
En Halloween town predominan ángulos absurdos donde ningún ladrillo es rectangular y las casas se sostienen de una manera imposible, todas una caricatura de la casa de bruja arquetípica. La primera vez que la vemos parece mucho más sombría de lo que resulta ser, el color dominante es el negro junto con un gris oscuro. El único color que rompe el esquema es el del moco turbio que hay en la fuente de la plaza central. Los colores de los habitantes son apagados y casi siempre fríos. Las casas del fondo sólo son siluetas de ventanas torcidas y amarillas, todo acorde con el estilo de Tim Burton. A la noche las sombras son oscuras y largas acentuando el aire tenebroso original.

De día y si hay sol (una calabaza tallada que brilla!!!) se pasa a un sepia tipo foto antigua, con más luz pero igual de desvaído; cuando el pueblo aparece en un día nublado los colores vuelven ahora al gris y la iluminación pasa a ser suave y bidimensionante, justamente como se ve todo en un día así.

Detrás del pueblo está el cementerio que sigue con la estética del lugar (tumbas de cualquier forma menos cuadradas, una estatua que parece El grito), y detrás de éste un campo sembrado de calabazas que crecen ya talladas (justamente para esos vagos que no quieren tallarlas). El pueblo en conjunto es (ya sé que es obvio) todo lo que representa Halloween y sus costumbres.

Christmas town:
La vemos de noche, con un cielo azul profundo lleno de estrellitas puntiagudas; de fondo hay unas montañas nevadas (bueno, hay nieve en todas partes). En un valle se amontonan un puñado de casitas de ladrillos rojos. Del pueblo se escapa una luz ámbar, roja y verde. Aunque los ángulos siguen siendo caricaturescos, no lo son tanto como en Halloween town, y no hay puntas, todo está redondeado. En el pueblo no faltan un tren que parece de juguete, un árbol de Navidad central al que rodean unos elfillos patinadores (¿algo que ver con el de Rockefeller Center?), más elfos rosados y pasteles en un trineo cantando villancicos, y montando un oso polar de madera a cuerda (al fin y al cabo el mito dice que están en el polo, no?). Para seguir con las costumbres, unos niños elfos se tiran nieve, mientras otros duermen con un ronquidito para que la gente diga ¡queé dulceee!!! Y el esqueleto que los mira de repente es mucho más anguloso y falto de color que lo que parecía originalmente. Tampoco faltan las guirnaldas en las puertas y la parejita que se besa debajo del muérdago (ya me empalagué). A todo esto la iluminación es mucho más cálida y suave que en el pueblo anterior. Los planos que elige el director también son más suaves en relación a la línea del horizonte.
Se entiende que la luz siempre es mucho más luminosa cuando hay oscuridad, y viceversa, así que no creo necesario explicar el efecto que causa el corte de Christmas town al de Halloween.

Los personajes:

Jack Skellington: Es justamente un esqueleto, pero estilizado hasta el absurdo, suele vestir un traje negro con unas rayas blancas torcidas. Pareciera que un dibujo de Tim hubiera cobrado vida (y tuviera tres dimensiones). Lleva un murcielaguito como moño.

Dr. Finkelstein: Es el científico loco infaltable, pareciera ser el clon resultante de los genes de todos los científicos desvariados que poblaron las películas clase B. También sufre ataques posesivos tipo madre judía con su creación (al mejor estilo "cómo me hacés esto a mí, yo que te dí la vida..")

Sally: Todo Frankenstein tiene su monstruo, aunque en éste caso las partes de gente muerta fueron reemplazadas por hojas y tela. Hay que recalcar la escena en que la mina se tira de la torre, se desmenuza toda y abre los ojos, en mejor clave ¡¡¡estaaááá vivaaaaa!!!!. Tiene un misterioso parecido físico con la mujer de Tim, misterioso digo porque fue concebida antes de que se conocieran (música de la dimensión desconocida por favor).
Update: éste texto tiene ocho años, para entonces el director Tim Burton estaba casado con una actriz llamada Lisa Marie a la que por supuesto metia en todas sus películas, luego de la espantosa remake de Planet of the Apes, conoció a Helena Bonham Carter y cambió fichas, notarán que es ella la que ahora aparece en sus películas)

El gobernador: Tiene forma de muñeco de plástico y (aplausos a la ironía) dos caras. (Frase célebre que está de más en éste trabajo: "Jack, yo sólo fui elegido oficialmente no puedo elegir por mi mismo"). Lleva una araña como moñito, y una especie de escarapela donde figura su rango que con motivo de Navidad reemplaza con una flor de Estrella Federal (otra cosa típica y van....)

Zero: Si el disfraz de fantasma más berreta es tirarse una sábana encima, acá lo hicieron con el perro (con un resultado diferente por supuesto) y creo tener una respuesta a la nariz brillante del chucho, si Santa Claus tiene su mitológico reno de nariz roja (Rudolph), Jack tenía que tener la otra cara de la moneda (además sino quién guiaba a los renos esqueleto hacia la ciudad, eh?.

The Boogie Man (o Mister Oogie Boogie): El Boogie Man no creo que tenga traducción pero es algo así como un equivalente al cuco o al hombre de la bolsa; es una especie de fantasma o un saco de papas con brazos, piernas y cabeza, relleno de bichos (bueno, es el malo) y canta como la puta madre. Pero el tipo es jugador, así que su cubil parece una cruza del tren fantasma con un casino. La escena con efecto tipo luz negra está muy bien lograda.

Los vampiros: hermanos perdidos del Drácula de Bela Lugosi, con acento y todo.

Monstruos en general: El hombre lobo, con camisa rasgada incluida; el trío de zombies bluseros, los Trick-or-treaters con sus máscaras de nada y sus caras de máscara; el monstruo que está debajo de tu cama (que resulta que diseña ropa!!)y el de debajo de la escalera (otro miedo infantil muy común)

Santa Claus: Todo lo que Jack es alto, raquítico, anguloso y falto de color, éste personaje lo tiene de redondo, con su traje rojo al igual que sus mejillas y nariz. Son absolutamente opuestos.

Wall.E

2008-07-31T13:36:00.006-03:00

El Cyberpunk según Pixar

"Los personajes del cyberpunk clásico son seres marginados, alejados, solitarios, que viven al margen de la sociedad, generalmente en futuros distópicos donde la vida diaria es impactada por el rápido cambio tecnológico, una atmósfera de información computarizada ubicua y la modificación invasiva del cuerpo humano. "
Lawrence Person

Wall.E es un robotito que vive solitario en una Tierra de un futuro lejano, devastada por la contaminación a tal punto que las torres de basura compiten con los rascacielos. Los carteles de publicidad móvil y una cucaracha son los únicos signos de movilidad en un planeta resecado y desierto.

Y ahí habita Wall.E.

El continúa con su trabajo de recolectar y compactar basura, pero no por ello es miserable, porque entre tanta porquería suelta, encuentra innumerables tesoros de notable tendencia kitsch que guarda en su guarida mientras que mira una y otra vez un segmento del musical Hello Dolly. Porque no es la soledad del planeta ni la rutina laboral lo que lo aqueja, sino una nostalgia de compañía y afecto.

Todo cambia cuando una sonda de investigación proveniente de la nave-crucero donde habita lo que queda de la humanidad llega al planeta buscando vida fotosintética: Eve

Y Wall-E se enamora.

Cuando ella encuentre una planta que él resguarda los eventos se precipitan en un inevitable encuentro con lo que queda de la raza humana.
Los hombres han abandonado la cáscara que alguna vez fue un planeta habitable y se han exiliado en una nave crucero donde setecientos años después caminar no es necesario. Ni ningún tipo de actividad física que no sea virtual, por lo que sus cuerpos se han deformado, perdiendo masa ósea y aumentando en adiposidad. Todo sucede por pantallas que limitan su campo visual y los incitan simplemente a consumir.
Y que todo sea de colores brillantes no le quita lo funesto, no es necesario caer en el negro vinílico de Matrix para que estemos ante un híbrido genial del implacable cyberpunk fusionado de forma casi increíble con la dulzura y el mensaje ecológico del mejor Hayao Miyazaki. Y como si faltara algo hay guiños al clásico 2001: Odisea en el espacio.

¿Todo esto en una película de Disney?
Por más que parezca inconcebible, si, porque antes que ser Disney es Pixar.
Wall.e es una película con una historia que es chiquita y grande a la vez, porque se anima a tocar un género más que difícil para la animación infantil y lo saca adelante con tanto mérito que logró hacerme olvidar y (casi) perdonar el vil robo que es el protagonista al robot de cortocircuito. Porque aunque Wall.E sea bidimensional y un gag caminante, Eve por ejemplo tiene desarrollo de personaje y un carácter más que definido. La aparente simpleza de la historia se esconde detras de una animación soberbia y una narrativa donde no hay un segundo desperdiciado.

En conclusión: Una verdadera joya.

Batman: El caballero de la noche (The Dark Knight)

2008-07-31T12:59:00.004-03:00

Ahora si.

Odié profundamente la Batman anterior, así que no fui con las mejores expectativas, salvo con la curiosidad de ver qué tan buen trabajo podía dar el desaparecido Heath Ledger.
La historia básicamente cuenta cómo Bruce Wayne (Christian Bale y su dolor de garganta) busca en el aparentemente intachable fiscal Harvey Dent (Aaron Eckhart) un sucesor a la luz del día y la legalidad de lo que él hace encapuchado a la noche. Al meterse con los fondos de la mafia logra sacar a la luz a un criminal totalmente loco y sin ningún tipo de conciencia que lo limite: El Guasón, que irá socavando la búsqueda de Bruce cubriéndola en un caos de lo más memorable.
En principio la película no parece larga, es larga, pero lo compensa con un guión sólido (salvando un pequeño deus ex machina) con buen desarrollo de los personajes, una cantidad sorprendente de buenos actores laburando muy bien, excelentes efectos especiales que sostienen la trama pero no son el centro de la historia, y si bien mantiene los guiños para el conocerdor, esta vez los abre para el novato.
En la historia se suman los dobles, las oposiciones, un excelente Guasón que en mi opinión no es comparable al anterior porque basicamente son muy diferentes y totalmente válidos los dos. Es una verdadera lástima lo de Ledger ya que su composición completa (en cuanto a transformación física, voz, tics faciales e incluso un caminar muy especial), hacen que a lo largo de la historia den ganas de gritarle a la pantalla: ¡por qué te moriste pibe!!!.
Creo que Nolan finalmente encontró el equilibrio entre el fan service y una la historia sólida en si misma, aunque el cameo del principio del Espantapárajos sólo sirve para que siga sosteniendo que lo de ese personaje fue un desperdicio muy feo.

Y que el Batimovil sigue siendo horrible .

En conclusión: Vale la pena

Imaginadores (ídem)

2008-03-21T10:45:00.001-03:00

Este genial documental argentino se ocupa de un género castigado y bastardeado: la historieta. Rescata para los entendidos y para los curiosos los autores y dibujantes más importantes de las decadas del cincuenta hasta el noventa; si bien algunos quedaron afuera y es entendible (al fin y al cabo está bien hecha pero a pulmón).
Como un plus se encuentran secciones animadas respetando dentro de lo posible el estilo de cada obra. Ver el eternauta caminando en la nieve da escalofríos de los lindos.
Vale la pena asomarse a las sensibilidades particulares de gente que tuvo la vocación y la valentía de dedicarse a algo que no es considerado una profesión seria para la gran mayoría de la gente. Fontanarrosa hablando de como Hugo Pratt influenció su forma de dibujar manos, Oswal con su particular manera de ver la vida, la viuda de Oesterheld que no entendía como un tipo tan culto como su marido había decidido dedicarse a las historietas y más puntos de vista interesantísimos en un compendio de talentos diversos que sirven tanto como para que el conocedor conozca más, como para que el curioso se asome a un mundo más rico de lo que puede suponer. Si tengo que criticarle algo es un poco de falta de información básica sobre las obras para aquellos que no las conocen, lo cual le daría un plus como herramienta de difusión, pero por lo demás es muy disfrutable.
Vayan a verla antes de que desaparezca de cartel. Mi opinión personal es que nosotros como espectadores tenemos que apoyar al cine argentino que vale la pena así aparecen más cosas interesantes y no tanto bodrio de opera prima pretenciosa.
Muy bien diez para la gente que sacó ésto adelante y una estrellita al costado por calentarse en hacer los créditos finales entretenidos.

Conclusión: Imperdible

Blog oficial donde se pueden ver fragmentos de las animaciones.

Elizabeth: La edad de oro (Elizabeth: The Golden Age)

2008-03-17T17:02:00.004-03:00

Algo anda podrido en Inglaterra

Hace diez añitos vi un poco desenfocada (me había olvidado los anteojos) la bonita Elizabeth. Me enamoré de Cate Blanchett, Vale fue testigo de que yo dije "tiene cara de elfo, haría tan bien de Galadriel".. finalizado el momento geek, paso al cine..
Simpática paleta cromática e impresionante vestuario aparte, "Elizabeth la edad de oro" no se mantiene ni en su tremebunda falta de coerencia histórica, capaz de ofender hasta el menos letrado en historia inglesa (como yo, por ejemplo), ni en un estado sonambulo en el que uno se imagina que es todo ficción y ya.
Como película es sosa, rimbobante, no llega a aburrida de casualidad, pero no vale la entrada... ni el alquiler en casos como el mio en que la conseguí en un video club.. e hice bien...
Cate Blanchett y Clive Owen serán muy buenos actores, pero lo tendencioso e imaginario del guión tiran para abajo cualquier buena intención... cuando una supuesta biografía tiene más imaginación metida que la obra de Tolkien tenemos problemas.
Tanto es así que ni me voy a molestar en describir la trama.
Veanla sólo si es por los actores, el vestuario y si asumen que todo es invento..

Conclusión: Imaginación mal aplicada

Matar o morir (Shoot ´em up)

2007-10-21T11:46:00.000-03:00

Una de tiros

Algo que desgraciadamente se ha vuelto una rareza en el cine de éste último año y pico es la honestidad. Ejemplo: si mi película entra en la borrosa y extensa categoría del "cine arte", será pretenciosa, cargada de alegorías, tendrá un ritmo particular y se espera que el público la siga pensando incluso cuando se volvieron a encender las luces del cine; si mi película es entretenimiento.. tiene que tener buen ritmo, una trama que lo sostenga con un mínimo de coerencia interna, pero principalmente tiene que ser divertida. Ya van varios tanques que disfrazados de sinfin de aventuras terminan siendo bodriazos de tres horas que ni los efectos logran sostener.

No es el caso de ésta película.

Con la duración justa y la insanía suficiente, "Matar o morír" es la mezcla justa de galería de tiros, estética de video game (pero sin saturar), trama mínima con frases ingeniosas tipo peli de acción de los ´80 y diversión pochoclera honesta y garantizada. Esto es lo que es y no pretende nada más.
Clive Owen personifica al misterioso y obsesionado con las zanahorias Smith, un tipo con una puntería infalible, cierta neurastenia simpática (la que lo hace perseguír y chocar a un tipo sólo porque no pone el guiño para cambiar de carril) y una capacidad de supervivencia superlativa. A los tres segundos de comenzada la película se cruza con una embarazada a punto de dar a luz y perseguida por unos matones. Las cosas se suceden rápidamente y el protagonista se ve con un bebé a cargo y perseguido por un malo bien malo personificado por Paul Giamatti quien entre tiro y tiro debe contestar los llamados de su esposa. Smith busca pronto a una amiga italiana prostituta (Monica Bellucci y el super acento) para que cuide al bebé mientras él encuentra la forma de averigüar qué pasa y descargarse con cualquier tipo que cargue una pistola.
A partír de ahí, tiros en cantidades industriales y en las situaciones más inverosímiles, pero es justamente ésto lo que hace que sea una película honesta, porque nunca se toma en serio a si misma. La trama está hecha para que las situaciones absurdas causen risa y finalmente uno salga del cine con la sonrisa de haber visto entretenimiento puro que no pide ni otorga nada más de lo que es: diversión.

Conclusión: Pochoclo balístico de primera calidad

BAFICI 07: Big Bang Love: Juvenile A

2007-05-13T20:09:00.000-03:00

X Japan

Con halos de futurismo, esta historia plantea el encuentro entre dos jóvenes criminales. Uno, Sin, que ha matado a un cliente gay en un oscuro hotel; el otro, Kun, autor de una violación y homicidio. De esta tremenda oposición entre un personaje casi tierno y un violento sin remedio, surge un relato que intenta reconstruir el homicidio de Kun del cual Sin se confiesa culpable.
Takashi Miike, un director que ha mostrado ya su versatilidad en productos tan disímiles como la perturbadora Audition (1999) hasta la bizarra The Happiness of the Katakuris (2001), toma a su cargo un trabajo que pretende ser más un ejercicio de narración que un film en sí. El recurso alegórico excesivo y la superposición casi irreflexiva de metáforas comunes sobrecargan el relato ¿Puede el lenguaje ser profundo en sí más allá del contenido del relato? Así como lo resuelve Miike la respuesta es negativa. Termina siendo un pastiche listo para hacer aplaudir el público snobista que cree que un recurso alegórico basta a para hacer profunda una trama.

Conclusión: la prisión snobista

BAFICI 07: Going to Pieces: The Rise and Fall of the Slasher Films

2007-05-13T20:05:00.000-03:00

Salpicando…

Una de las políticas de los organizadores del BAFICI fue no sólo traer películas de cine independiente nacionales y extranjeras, sino traer también películas que difícilmente se puedan ver en otros circuitos. Tal es el caso de una serie de documentales. En este caso toca a Going to Pieces: The rise and Fall of the Slasher Films.
Se trata de un documental escrito y dirigido por Adam Rockoff que trata sobre un tipo de subgénero de películas de terror llamado Slasher Movies en donde asesinos psicópatas de este u otro mundo persiguen a dulces colegialas y demás gente joven preferentemente con objetos filosos. Este sub-género, que incluye joyas como Nightmare on Elm Street, Friday 13th, Prom Night y Halloween entre otras, se hizo famosos por su escenas cuasi gore de sangre que chorrea hasta por fuera de la pantalla. Rockoff investiga su dudosa prehistoria con filmes como Psicosis (1960) hasta las nuevas producciones a cargo de Rob Zombie (House of 1,000 Corpses ; The Devil Reject) y se detiene con entrevistas a los sospechosos de siempre (Carpenter, Craven, Cunningham) y , en especial, a Tom Savini , nombre desconocido pero obligado del género ya que fue el responsable de make-up y efectos especiales de la gran mayoría de estas películas. La visión artística del grotesco de Savini es clave para entender este género.
Ahora bien, el documental es ameno. La música es genial y la edición es trepidante. Un buen cóctel, pero en pantalla chica. El ritmo con que se desarrolla parece surgido de una suerte de cruza entre E! True Hollywood Story y algún documental de VH1. Muy efectivo cuando hay un corte comercial para que uno vaya a buscar más pochoclos, pero que se pierde en la pantalla grande.

Conclusión: la sangre en el ojo…. equivocado

BAFICI 07: Marriage Stories

2007-05-13T20:02:00.000-03:00

Primer ensayo de reality de Europa Oriental

La realizadora checa Helena Trestikova toma y fusiona dos documentales de la misma pareja de Praga. La primera, cuando recién se casan en la década de los 80 con el final del comunismo. La segunda parte es la misma pareja, 15 años después. Este ejercicio de panel produce un relato notable, la pareja aparece primero como dos enamorados que le ponen el pecho a los problemas de vivienda y abastecimiento de bienes, mientras luchan por finalizar sus estudios en la tambaleante Praga antes de la revolución del terciopelo. En esos primeros años tiene dos hijos pequeños. Más tarde la misma pareja aparece con ya cinco hijos, con un marido que lucha por ajustarse a los cánones de pequeño entrepeneur del neoliberalismo, una esposa sobrecargada de trabajo que se vuelve depresiva, un hijo que ha fracasado en sus ingreso a la universidad y que no dura en sus empleos (por lo que tiene que trabajar con el padre); otro rebelde y díscolo cuya conducta violenta (y probablemente adictiva a las drogas) sólo puede encontrar refugio en la milicia…
Un relato soberbio, con un dramatismo que va creciendo y que invita a la reflexión macro y micro. Macro al retratar de forma concisa el impacto de las reformas neoliberales sobre las sociedades de Europa del Este. Frente a tal desamparo al que se ven sometidos los protagonistas, el fracaso de las iniciativas cuenta propia de ambos, el peligro de las drogas para sus hijos y otros adversidades que hacen inconscientemente de este un film propagandístico de vuelta al comunismo. BJ no cree que esa sea la intención, pero al menos hay un fuerte contenido crítico del camino tomado.
A nivel micro, la crisis de la madurez, la mirada retrospectiva, el choque de valores entre diferentes generaciones es retrato de forma vívida y perturbadora. El auditorio es atrapado por la inmensa angustia del traspaso de la madurez a la vejez de esta pareja checa.

Conclusión: buena, pero deprimente

La Antena (ídem)

2007-05-03T18:14:00.000-03:00

Fantástica fábula muda

El cine arte es una frase fácilmente utilizada y multiplemente bastardeada, achacada a cualquier bodrio con pretensiones de cine francés que asome la cabeza por ahí. Pero el concepto de arte se suele perder entre silencios matadores de ritmo y sinsentidos sostenidos en alegorías que sólo el director realmente entiende.
Muy pocas veces el término es bien utilizado.
Esta es una de ellas.
En la misteriosa Ciudad sin Voz, sumergida en eterna nieve y silencio, sólo una cantante sin rostro pero con voz propia rompe la única forma de comunicación de sus habitantes: la palabra escrita. Los diálogos flotan como subtítulos con protagonismo y llevan a un nivel mayor la situación muda de la población. El Señor TV, dueño y monopólico líder de los medios de comunicación y subsistencia, planea un maquiavélico complot para adueñarse definitivamente del poco libre albedrío que queda en su ciudad. Ello es descubierto por un técnico reparador de televisores, que entre otras cosas, busca reparar la relación con su ex-mujer y su hija, quienes al vivir al lado de la casa de la cantante y su pequeño hijo sin ojos (literalmente), se verán arrastrados por la situación.
Como buena película muda, la trama es simple, pero radica en la forma impresionante en que está contada. Esteban Sapir vio mucho cine mudo, mucho realmente, y logra sacar adelante el género con mano certera, mientras que construye una fábula fantástica con ingredientes de "Metrópolis", "El gabinete del Dr. Caligari", un poco de "Brasil", otro de "Ciudad en tinieblas" y algo del cine surrealista. La mezcla sale adelante en un auténtico ejemplar del mejor arte en el cine, una película que dentro de lo posible hay que ver cómo fue concebida, es decir, en la pantalla grande. Si bien se siente un poco lenta, incluso en eso es coerente, el ritmo es fiel al cine que homenajea, pero bien vale la pena lo que da a cambio.

Conclusión: Imperdible

sitio oficial
trailer

BAFICI 07: Upa!, una película argentina

2007-04-17T13:34:00.000-03:00

El quehacer imposible del cine nacional

Muy justamente ganadora de los premios "Mejor película selección oficial argentina" y "Mejor película de la Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos", Upa! es una parodia ácida y honesta de las dificultades del cine nacional actual. Comienza con Santiago, quien recibe un premio por un corto en un festival de cine europeo y decide invertír el dinero ganado en la tan ansiada ópera prima. Junto con su amiga y productora Ailén, comenzará el largo y dificultoso camino de la filmación, donde lo propio del filmar independiente nacional (bajo presupuesto, aparente profesionalidad que se derrumba ante lo personal, una seguridad ficticia que cede ante los improvistos) comienza a tomar relevancia y a dificultar cada vez más la posibilidad de que el film llegue a existír. Como recordando "La noche americana" de Truffaut, en la filmación los egos chocan, los puteríos surgen y más de una escena graciosa y cruel se suceden en una película pequeña en su factura y grande en el concepto.
Si con el dinero de los premios logran que llegue a los cines, la recomiendo mucho.

Conclusión: Pequeño manual divertido de la realización a pulmón.

trailer
sitio oficial

(buenísimos los chupetines en la entrada a la función)

BAFICI 07: Princess Raccoon (Operetta tanuki goten)

2007-04-17T13:06:00.000-03:00

Jugando con animales míticos

El Tanuki en Japón es tanto un tipo de mapache como un espíritu travieso con la capacidad de cambiar su forma, en ésta particular película nos encontramos en algún momento del Japón medieval donde se cuenta que un humano jamás debería enamorarse de un Tanuki, ni el Tanuki debería amarlo a él. En una montaña misteriosa habita el narcicista Rey Azuchi Momoyama en el Castillo Gracia. Al mejor modo de la reina del cuento "Blancanieves" se pregunta quién es el más bello, pero en vez de un espejo hechizado cuenta con una virgen y anciana bruja ironicamente católica. La anciana en cuestión dispara la trama cuando le avisa al Rey que pronto su hijo Amechiyo será más bello que él. El padre no encuentra mejor solución que encargar a un cazador para que lo mate. Amechiyo sin embargo logra escapar del cazador y es encontrado por una misteriosa joven que no es otra que la Princesa de los Tanuki en figura humana, interpretada por la muy vista Zhang Ziyi. Siendo una actriz china, tiene a lo largo de la película algunas lineas en japonés, hablando el resto en mandarín, lengua que Amechiyo por supuesto no entiende, lo que no impide que se enamoren mutuamente.
Lo que sigue es un descontrol de colores, canciones de múltiples géneros (tap, rap, melódico, ópera), animación, ambientación teatral y escenas que parecen sacadas por momentos del teatro Kabuki, por momentos de las series Super Sentai (tipo Power Rangers).
A pesar de que la mezcla así enumerada parece imposible, el octogenario director Seijun Suzuki se las ingenia para sostener y cohesionar una disparidad de elementos como sólo puede encontrarse en cierto cine oriental.

Conclusión: Colorido bizarro nipón

Si alguien recuerda el cuelgue total que es la escena final de Zatoichi, esta película se siente así en todo momento

BAFICI 07: The SCI Fi Boys

2007-04-16T11:49:00.000-03:00

Cuando lo atábamos con alambre…

Al ver el programa, esta película pareciera aparecer como una historia de la ciencia ficción y el cine. En realidad, este documental retrata la historia de los efectos especiales en el cine fantástico. Esta dirigida por Paul Davids, uno de los guionistas de Transformers, una de las series de animación más grandes de todos los tiempos.
En los 80 minutos que dura este documental, Davids parte de revisar la influencia de la revista Famous Monster of Hollywood editada por Forrest Ackerman, quien revisaba el diseño de los primeros monstruos de las películas fantásticas desde Obrien y sus diseños para la primera King Kong (no confundir con la desastrosa versión de Peter Jackson) El documental prosigue destacando la influencia de esta revista y de los trabajos del gran icono de los diseños y efectos especiales de este tipo de películas: Ray Harryhausen. A su vez, interpela a grandes directores del género desde Roger Corman hasta Stephen Sommers y Peter Jackson, y especialistas en make–up, stop motion, maquetas y otras técnicas que promovían la imaginación del público. El documental despliega esta magia mostrando el origen amateur de este arte. Y culmina con el dramático surgimiento del CGI. Nada más adecuado para describirlo que la voz de George Lucas, uno de los peores asesinos del arte cinematográfico cada vez que el CGI cae en sus manos. Un repaso bien completo, aunque a juicio de BJ faltó uno de los monstruos que más inspiró en los `80: Alien.
Un cuidadoso trabajo de compilación, que incluye filmes amateurs de la infancia y adolescencia de los grandes realizadores del género. Un muy buen documental que nos deja pensando sobre como se podrá volver a lograr toda esa magia ahora que toda una nueva camada de directores, con Lucas a la cabeza, usa todo el potencial del CGI para ocupar el lugar del guión y el arte.

Conclusión: It conquered the World.

BAFICI 01: Retrospectiva de Piotr Duamala

2007-04-05T13:25:00.000-03:00

Animador polaco que nos muestra doce años de trabajo en ochenta minutos, lo que habla de una obra muy artesanal y sufrida en ciertos aspectos, dado que por la técnica que utiliza, (animación en yeso, con la pintura húmeda), debe destruír su obra para continuar animando.
De esta retrospectiva pasamos de la línea simple del blanco y negro e incluso razgos infantiles (como en su personal versión de "La caperucita roja"), a una animación más lenta y fluida con temáticas densas (la vida de Kafka) acompañados de una estética acorde.
Para recordar las mejores épocas de "Caloi en su tinta".

BAFICI 07: Fimfarum 2

2007-04-05T13:14:00.000-03:00

Película de animación checa que consta de cuatro cortos realizados por cuatro directores diferentes. Stop motion muy amigable y computadora para poyar tan sutilmente que ni se nota. Los primeros dos cortos son los que se sostienen mejor a nivel de ritmo cinetmatográfico, relantizándose por alguna razón en los últimos.

¿El mar, tío, por qué es salado? (MOŘE, STRÝČKU, PROČ JE SLANÉ?)

Un divertida fábula que toma lugar en una típica aldea checa, donde conviven dos hermanos: Marek adinerado con esposa e hija a las que no presta mucha atención, y Kouba no tan bien posicionado ya que tiene ocho bocas que alimentar (más una novena en camino), pero feliz de tenerlas. Este último, luego de un bizarro encuentro con un ex-demonio con un asunto personal que resolver con Lucifer, es enviado al infierno como parte de un plan para hacerlo rabiar. El mundilo infernal es burocratico y, por una extraña razón, jugador. Lucifer pierde y Kouba gana un molinillo mágico que le permite "moler" (o crear desde la nada) cualquier cosa que desee, la única cuestión a tener en cuenta es que el molinillo sólo deja de moler al pronunciarse una frase mágica. Siendo un tipo generoso, comparte su buena fortuna con todo el pueblo, y así la aldea entera prospera. Marek, envidioso, roba el molinillo a su hermano y huye al mar, con el plan de hacer riqueza en tierras lejanas, pero al querer vernder sal a la tripulación y no saber la frase mágica, el molinillo produce sal hasta hundír el barco (Marek con él) y sigue produciendo sal en el mar.

Tres hermanas y un anillo (TŘI SESTRY A JEDEN PRSTEN)

Tres hermanas, casadas con tres hermanos, se gastan el dinero ganado por la venta de huevos de pascua, en cerveza. Ya borrachas y desesperadas porque no saben qué excusa darles a sus maridos, encuentran en el camino un anillo muy valioso. Como no se animan a venderlo deciden jugarlo en una apuesta entre las tres para ver cuál se lo queda. Comienza un juego cruel (y altamente hilarante) en donde ganará quien logre hacer quedar más como estúpido a su esposo. De ahí un marido comunista es convencido de ser el próximo obispo, otro de sacarse dientes para curar un dolor inexistente en su mujer, y el tercero (en una escena de antología) simplemente de estar muerto, con funeral y todo.

Los jorobados de Damasco (HRBÁČI Z DAMAŠKU)

Seguimos en una historia lenta y un poco errática, la historia de tres hermanos herreros, jorobados, tuertos, feos e idénticos. Al ser expulsados de su ciudad natal se separan y buscan fortuna. Uno logrará riqueza y ahí comenzarán los problemas, envidias, celos, esposas asesinas y matones torpes. Desgraciadamente no es tan entretenido como mi resumen parece indicar. La historia es tediosa y los personajes son grotescos.

Pulgarcito (TOM THUMBS)

Seguimos la historia de Pulgarcito desde su nacimiento dentro de una familia que deseaba tener hijos, pero no lo conseguía, hasta su juventud, donde será comprado por un hombre adinderado, robado por ladornes inescrupulosos, se enfrentará a monstruos de las nieves y viajará con las conocidas botas de siete leguas. Pulgarcito logra salir adelante siempre usando ingenio contra fuerza, sin importar su tamaño o el de sus contrincantes. Es un poco más entretenida que la historia anterior, pero igual pierde ritmo por momentos, explayandose en escenas que deberían ser más breves, o contadas de otra manera.

Conquistadores (Pathfinders)

2007-04-05T12:17:00.000-03:00

La picadora de carne hollywoodense

Allá en mi lejana infancia, alquile un VHS que se titulaba “Pathfinder, el guía del desfiladero de la muerte”. Resultó ser una joyita noruega de la que después especificare más. Cuando vi la gráfica de la remake hollywoodense del 2007, un frío me recorrió el espinazo. Y tenía razón. Harto de robar a diestra y siniestra a clásicos del cine japonés, italiano o de cualquier otra parte, este film noruego se vuelve una nueva víctima de Hollywood.
En el film original noruego, llamado Ofelas (1987), un muchacho lapón llamado Aigin presencia el asesinato de su familia por un grupo de vikingos llamados “Tjuders” y busca refugio entre otros lapones. Estos temiendo que él no haya cubierto bien sus huellas, lo abandonan y huyen hacia las costas. Aigin es atrapado y forzado a guiar a los tjuders hacia el resto de las poblaciones lapones. Aigin se prepara entonces para perpetrar la venganza de los suyos. El film noruego tiene ribetes épicos, un arte considerable y el mérito de, muchos años antes de Mel Gibson, estar hablado en dialecto vikingo antiguo y en Saami (antiguo lapón). La atmósfera del film es cautivante, y lo épico y dramático se funden muy bien.
Todo lo anterior no es válido para Pathfinders 2007, excepto que hay vikingos. Aquí la escena se traslada a Norteamérica. Una buena idea en principio. Un muchacho vikingo es rescatado de un naufragio por un grupo de aborígenes norteamericanos que lo crían como propio. Años después, vuelven los vikingos para conquistar sus tierras. El muchacho, ahora bautizado como Ghost (Karl Urban) comprende rápidamente que los vikingos no pueden ser derrotados abiertamente e intenta diezmar sus fuerzas mediante estratagemas. Estas fallan y él es capturado y obligado a servir de guía dado su carácter mestizo. Ah, y en el medio hay una historia de amor entre Ghost y una chica.
El guión estaba bien intencionado al principio. Luego se derrumba hasta ser una épica hollywoodense. O sea que el espíritu de sacrificio de la original se vuelve un clásico retrato del héroe y su grandiosidad torturada. El director Nigel supone que donde quiera que haya espadas hay que filmar como Gladiador de Riddley Scott. Cierto es que este film marcó época, pero los abusos conducen a esto. Una película que no se acaba de definir. Como épica y/o dramática es vacía. O peor, una mala copia de un muy buen original. Nada se plantea del choque entre culturas, o las nuevas interpretaciones de los pueblos originarios. Queda bien claro que los vikingos son superiores porque son europeos. Los indígenas son inocentes y primitivos, y la única esperanza es Ghost precisamente porque es un “europeo” criado en Norteamérica. Todo muy WASP. Como película de acción es lenta. Y como película sola es aburrida. Tiene serios problemas de ritmo.
Como en el film, director y guionista debieron escoger entre el sendero del oeste y el del este. Uno lleva a una película dramática y profunda, y el otro a un par de horas de golpes y sangre. O viceversa. En cualquier caso, no se opta por nada. Se sigue por el medio, sin escoger sendero alguno, y el film choca con piedras y arbustos y se tropieza. Y se llega a llevar por delante una montaña que no puede superar y que se llama: captar la atención del público.

Conclusión: Giro equivocado.

300 (ídem)

2007-04-03T14:46:00.000-03:00

Arrrrr

En el 480 a.C. un grupo de sólo trescientos espartanos liderados por su rey Leónidas, puso resistencia al implacable avance del rey persa Jerjes y su voluminoso ejército. Frank Miller, creador de entre varias novelas gráficas la recientemente adaptada "Sin City", tomó ésta historia para contarla a su manera. Nueve años después y colgándose del tremendo éxito de la película "Sin City", nos encontramos con una nueva adaptación de una obra de Frank Miller, con la salvedad de que esta vez no se encuentran en conjunto el autor y un conocido director detrás, sino un grupete de escritores que hicieron lo que pudieron y un director (Zack Snyder), que hace sus primeros intentos de superproducción, preparándose para el próximo comic en cine: Watchmen.
Donde todo parece estar puesto para funcionar, comienza a girar en falso mucho antes de lo que se espera. La película usa y abusa de recursos ya vistos, particularmente en Matrix, sin tener en cuenta las consecuencias. El ya conocido y gastado efecto de cámara lenta hiperfluida metida dentro de cualquier escena sin mucho criterio lo único que logra es ralentizar escenas de acción que deberían tener otro ritmo completamente diferente. La muy cuidada calidad de imagen y tratamiento de color, cae en un vacío al ser el tratamiento por el tratamiento mismo, sin ningún sentido aparente. Y lo más grotesco es, entre tanto presupuesto y puesta cuidada, un malísimo rinoceronte en cgi cuya textura semiplástica y falta de articulaciones reconocibles hace que la platea comience a reír en la sala (hecho real), cuando debería estar preocupado por el personaje en peligro.
Mucho grito, mucha testosterona, no tanta acción y entretenimiento.
Los espartanos eran jodidos.. lo entendimos.
Tenían todo para perder.. lo entendimos también.
Jerjes es afeminado... a niveles un poco caricaturescos, ¿no?. ¿Es necesario llevar la caracterización a niveles tan ridículos que quien debería presentarse como contrafigura del protagonista termina pareciendo un malvado tipo muñequito sacado de "Power Rangers: lo que sea"?
Donde se espera acción y entretenimiento puramente pochoclero encontramos desgraciadamente una puesta con aires de algo que no es (ni "Sin City", ni "Gladiador", de la que roba descaradamente) y un ritmo que no se sostiene, aunque no llega aburrir del todo.

Conclusión: Machaca pretensiosa

Me pregunto si el acento forzado con el que hablan, particularmente el protagonista, los habrá hecho escupir mucho. Por momentos tuve recuerdos de un capítulo de Friends...

María Antonieta, la reina adolescente (Marie Antoinette)

2007-01-31T13:02:00.000-03:00

La tercera es la vencida.

No me gusta Sofía Coppola.
La considero una directora menor, pretenciosa, inflada por su apellido y por la prensa.

A pesar de que me decepcionó con "Las vírgenes suicidas" y odié profundamente "Perdidos en Tokio", decidí darle una última oportunidad. Dado que las primeras dos habían sido amadas por la prensa especializada y no habían sido de mi agrado, admito que la curiosidad se me despertó ante la idea de una película de época con una banda sonora actual (nada que Baz Luhrmann no haya hecho antes, pero cierto, es Luhrmann no Coppola), el retrato de adolescentes en situaciones de poder y responsabilidad que no pueden terminar de manejar y un publicitado abucheo en Cannes.
Intentémoslo otra vez, me dije.
Quizás si a la prensa especializada no le gustó esta vez me guste a mí, pensé ante la posibilidad de una situación reversa.
Ah, pero aunque fue recibida con relativa frialdad, por alguna razón la prensa local la amó...

Yo no tanto.

A los catorce años María Antonieta es entregada por su madre María Teresa de Austria a la corte francesa a fin de casarla con Luís XVI y sellar una alianza. La joven delfina es dulce y cándida, parece no entender la complejidad de la corte de Versalles. Las intrigas parecen superarla, si bien logra encontrar aliados. Pero no todo es sufrimiento, ya que pronto encontrará aliento en el encargo de vestidos y las largas partidas de cartas donde las apuestas hacen tambalear el presupuesto del futuro Rey.
Luís XVI es cándido también, torpe y por alguna razón no parece tener ninguna curiosidad acerca de lo que puede llegar a hacer durante la noche con su joven esposa. El tiempo pasa, el matrimonio no se consuma y las presiones y rumores comienzan a hacer mella en nuestra dulce heroína. Las habladurías ponen en duda la posición de María Antonieta y una madre severa escribe iracundas cartas.

María Antonieta sufre y desahoga su angustia en fiestas, vestidos y juego.

Finalmente, con ayuda de su hermano que pasea con Luís y le explica cómo se hacen las cosas, el matrimonio da frutos y nace María Teresa.

Fin de la angustia.

María Antonieta ya no sufre y desahoga su felicidad en fiestas, vestidos y juego.

Un buen trecho de película falta, el conflicto principal se resolvió, no aparece ningún otro conflicto que mantenga el interés y todas las buenas intenciones volcadas en la película de disuelven junto con la voluntad del espectador de seguir sentado en la sala.
En principio es una idea interesante el retrato de adolescentes de antaño como adolescentes contemporáneos, acompañados de música de los ochenta, considerada la década de los excesos que bien va con el comportamiento de la corte. Sin embargo la idealización de María Antonieta como una criatura prácticamente con una inocencia digna de la Heidi de Miyasaki, envuelta en la complejidad de una corte mucho mas creíble termina produciendo un resultado maniqueísta y simplista. Lo que tampoco es un retrato justo de la sociedad francesa de esa época.
Sofía Coppola fuerza situaciones para ajustarlas a su propia visión del mundo, sin dejar de bajar línea de manera un poco alarmante y casi xenófoba. Dónde se cree ver crítica social y reflexión sobre la soledad, es en mi opinión, fobia hacia lo diferente e intolerancia a las costumbres ajenas. Es interesante, por ejemplo, como muestra que la ayuda financiera a la Revolución Americana es punto inicial de la debacle económica de Francia y responsable indirecta de la Revolución Francesa. O en otras palabras, la independencia norteamericana provocó la independencia francesa.. con razón los abucheos en Cannes.
Su cámara es insípida como el mensaje que supuestamente da. No es una reflexión sobre la futilidad en lo superficial, es superficial y ya.
Papi tendría que dejar de pagar por estas películas.

Conclusión: Junta elementos, mezcla, licua y trata de que salga algo bueno. Pero no.

Deja Vu (ídem)

2007-01-04T15:57:00.000-03:00

Me suena conocido.

El término Dèjá vú proviene del francés y significa "ya visto", refiere a la sensación de algo ya vivido o repetido. En la nueva película del director Tony Scott (si, hermano de Ridley pero más taquillero) el título toma una nueva dimensión en cuanto que varios elementos de la misma disparan esa curiosa sensación. La historia comienza como una más de acción con un tufillo ochentoso en su simplicidad: en Nueva Orleans barco explota, mucha gente muere, por supuesto es un atentado terrorista (muy en boga) y aparece el investigador armado con la capacidad para ver ese detalle que a todo el mundo se le escapa y una sonrisa fácil, seguido de una lengua rápida. Nuestro héroe de turno, Doug Carlin, armado en un automático Denzel Washington (un emulador de McGregor más y van...) se encarga de rastrear el origen del atentado en busca del perpetrador. La intriga empieza cuando aparece en el río el cuerpo de una chica que parece haber muerto una hora antes de la explosión. Doug cree que la muerte de la chica puede estar conectada al terrorista y comienza a investigar, cuando es abordado por el agente Andrew Pryzwarra (un destruído Val Kilmer) que lo invita a participar de un grupo de elite que cuenta con una herramienta misteriosa para investigar el hecho: una máquina que permite ver cuatro días y seis horas en el pasado. Por qué esa determinada cantidad de tiempo es un misterio mal justificado y demasiado necesario para mantener una trama tambaleante. Acá es cuando la película pretende tocar la ciencia ficción y resbala de forma contundente. Doug comienza a espiar los pultimos días de la joven Claire y se obsesiona con ella a tal punto que por momentos pareciera que la vida de ella pesa más que los 500 muertos en el atentado.
Si es robo descarado, falta de originalidad endémica, o simplemente más de esa moda espantosa recurrente en las últimas producciones de hollywood de armar frankensteins con pedazos de otros vomitando un producto que toma por idiota al espectador, en Dèjá vú, y haciendo honor al título, la justificación del funcionamiento de la máquina, basada en la teoría de los agujeros de gusano, está calcada de la película "Event horizon"; cuando se deciden a jugar con el tiempo utilizan la explicación ya vista en "Volver al futuro 2", pero en versión light, nada de los peligros de encontrarse con uno mismo ni los problemas teoricos de causar particiones en la continuidad del tiempo-espacio.
La "maquina del tiempo" resulta una mezcla de pantallas gigantes y editora alla "Minority Report" y "A Scanner Darkly", cruzada con microondas y con una versión portatil de casquito ridículo y mochila tipo Cazafantasmas que da para una de las más absurdas, (no en el buen sentido), persecuciones que haya visto. La inclinación voyeurista de Doug parece una inspiración triste en "Vértigo" y "Vestida para matar". Juntese con mensajes en la heladera, ya visto y de forma mucho más interesante en "El Maquinista", revuélvase con un terrorista unidimensional, una historia de amor forzada, un guión endeble y una dirección espástica y tómese sólo a discresión, o acompañado en el caso de tener impulsos sádicos.

Conclusión: Repite como cena pesada de fin de año.

Nota: Si no veo una buena película o por lo menos una que no me tome por idiota pronto, me voy a deprimir. ¿Se acuerdan cuando habían buenas películas para ver?.

El Ilusionista (ídem)

2006-11-23T10:35:00.000-03:00

Poca magia y mucho chamuyo

En la Viena de principios del siglo pasado se dearrolla la historia de amor entre un adolescente carpintero y la joven duquesa Sophie Von Teschen. Obviamente por la diferencia de rangos la incipiente relación es cortada y el pequeño Edward se dedica a recorrer el mundo y perfeccionar su habilidad manual para terminar convirtiéndose en una especie de David Copperfield antiguo. Años después se rebautiza con el nombre de Eisenheim y comienza a arrasar en el público vienés con su espectáculo de magia e ilusión. El conflicto comienza cuando redescubre a su amada Condesa Von Teschen entre el público y de la mano del príncipe heredero del Imperio.
Entre CGI poco sólido, acentos poco trabajados, actuaciones menos elaboradas y personajes de cartón, "El ilusionista" peca de la ingenuidad o la soberbia de creer que su público no superó la edad infantil, ofreciendo un guión simplista, cargado de clichés, con progresión dramática forzada y giros finales tan mal construídos que sólo son superados por los espasmos lúdicos de M. Night Shyamalan y su "Dama del agua". Que tengan en común a Paul Giamatti ofreciendo trabajos poco sólidos creemos es pura coincidencia. O el principio del fin.

Conclusión: Ni se molesten.

No veia una actuación tan mala de como la de Edward Norton desde el Ewan McGregor de Episodio I.

Piratas del Caribe: El cofre de la muerte (idem)

2006-07-20T14:34:00.000-03:00

Las largas y poco creíbles aventuras del Capitán Jack Sparrow.

Con ésta ahora definida saga, me ha sucedido algo muy curioso. Cuando me asomé a lo que se dio a conocer por estos pagos como "La maldición del Perla Negra", no estaba muy convencida. Esperaba un producto pobre, predecible y que no agregaría nada a la humanidad. De hecho la vi en el cine porque había conseguido un subtepass con un descuento ridículo para la entrada y no tenía nada mejor que hacer. Lo que sucedió es que tuve que comerme mis preconceptos uno detrás del otro. La primera Piratas del Caribe resultó una película de aventuras como no se filmaba hacia años, con un ritmo que no decaía, una trama simple pero bien eficaz, un cast aceitado y el plus de Johnny Depp comiéndose la película a tarascones con la excelente interpretación con la que había dado vida al pirata Jack Sparrow. Como ya sabemos la película fue un éxito rotundo y derivó en secuela. Habiendo disfrutado enormemente la primera reconozco que albergaba ciertas esperanzas para la segunda más un pequeño atisbo de terror: el clásico temor de que se cumpla la ley cinematográfica que anuncia segundas partes nunca fueron buenas (y que como buena ley, tiene sus excepciones).
Así que me asomé a Piratas del Caribe esperando un buen producto pochoclero, de esos que entretienen y te dejan con una sensación liviana y alegre cuando salís de la sala.

Error.

Terrible error.

El Capitán Sparrow vuelve en busca de un cofre y su llave, codiciado por varios antagonistas, con el fin de sacarse de encima una deuda con el tenebroso Davy Jones. El representante de la Corporación de las Indias Orientales, quien busca obtener la misteriosa brújula de Sparrow, se las ingenia para mandar primero al cándido Will (un automático Orlando Bloom) y luego a su futura esposa Elizabeth (Keira Knightley) a fin de que se las ingenien para quitarle el susodicho objeto al Capitán. En la ensalada subsiguiente caen caníbales, una bruja adepta al vudú, el monstruo Kraken, situaciones calcadas de la película anterior pero sin gracia, Johnny Depp convertido en Willy Coyote, la aparición del presunto muerto padre de Will, supuestos cuadrados amorosos de lo menos creíbles, más gags forzados que si bien arrancan alguna risa no alcanzan en proporción al metraje.
Demostrando los peores vicios del Hollywood más taquillero, El cofre de la muerte es una película larga, incongruente, plagada de fan service en detrimento de la credibilidad de la trama y sobre todo, permítanme la reiteración: larga.
Entre la lista de errores mortales en ésta película sobresale la complejización de la trama con el oscuro fin de alargar las situaciones de tal manera que alcance para, por lo menos, una secuela más. Esto produce que haga agua por todos lados. Las mejores películas de aventuras que el buen Hollywood nos ha legado se caracterizan por una simpleza en el guión que deja lugar para las aventuras en si, el humor y las sorpresas. La saga de Indiana Jones no sobresale por su complejidad sino por lograr mantener al espectador en su butaca, entretenido y con ganas de más. Cuando en una película de aventuras uno empieza a pensar más en el baño que en la pantalla hay graves problemas.
Por otro lado la burda construcción del guión alrededor de lo que en principio fue un hallazgo actoral de Depp, es decir la sarta de mohines y manierismos del Capitán Sparrow, no alcanza para mantener el interés. De hecho produce lo contrario porque la repetición se convierte en hastío bastante rápido y es una lástima que se halla llegado al punto de quemar un personaje originalmente tan simpático, caro al público además por su carácter de antihéroe, que desgraciadamente deviene casi Superman en esta última encarnación.
Por si no fuera suficiente los guionistas de dedican sistemáticamente a destruir los lineamientos de los personajes socavando cualquier atisbo de credibilidad que pudiera tener la trama.
El resultado final es un monstruo Frankenstein de lo peores defectos del cine de entretenimiento contemporáneo: tiene los diálogos rimbombantes matadores de ritmo de "El señor de los Anillos", tiene el protagonista disfrazado de antihéroe, cuando en realidad sus debilidades son ficticias y debajo de los lentes esconde al Superman promedio alla Neo de las secuelas de "Matrix", tiene el cebamiento hasta lo ridículo en los efectos especiales digno de los peores momentos de la nueva saga de "Star Wars", y tiene la falta de construcción dramática secuencial que se ha puesto en boga últimamente, como en las "X-Men", donde las trilogías son capítulos con la secuencialidad de una telenovela diaria.

Una lástima.

Conclusión: Abandonen el barco!

Retrato de familia (Il pranzo della domenica)

2006-07-04T18:55:00.000-03:00

A la derecha de su televisor

No hay nada más tradicional como el almuerzo del Domingo en familia, título original en italiano de esta perturbadora comedia que la juega de ligera y guarda bajo el ala más de un mensaje peligroso.
En la Roma actual una familia con las aparentes disfuncionalidades promedio se juntan a almorzar los domingos en la casa de la figura matriarcal: la abuela Franca Malorni, viuda en situación acomodada que busca paliar su soledad en éstas reuniones de carácter obligatorio. Ella nuclea a sus tres hijas: Susanna, casada con el abogado trepador y con eterno tono naranja de bronceado artificial Massimo, y con una hija adolescente; la depresiva Barbara casada con el sencillo pero trabajador Maurizio; y finalmente Sofia casada con el idealista Nicola quien en su tozudez por mantener sus principios de izquierda no logra conservar un trabajo con el cual mantener a sus cuatro hijos.
Los conflictos latentes explotan cuando Franca se resbala y se rompe el fémur, las visitas al hospital sirven de disparador, más o menos forzado, para que las tres hermanas intercambien sus problemas.
Hasta ahora nada original ni destacable, no necesariamente aburrido pero tampoco llegando a los niveles de comedia promedio. El problema mayor se encuentra en la lectura entre líneas del guión. Lo que comienza como una simple chanza de carácter político deriva en una bajada de línea carente de gusto. En los arquetipos que representan los personajes se encuentra un tufillo a rancio que en el mejor de los casos preocupa y en el peor ofende. Empezando por la caricatura de setentista parado en la década en cuestión, el personaje de Nicola pasa de simpático a poco creíble en muy pocos minutos, capaz de poner en peligro la manutención de su casa si de defender un ideal a los gritos se trata, claro que cuando finalmente los compromete y gana una buena cantidad de euros en la versión italiana de "¿Quién quiere ser millonario?", exclama felíz: "Por fin me sirvió Lenin para algo", en referencia a la respuesta que le valió el premio. El abogado mujeriego se sabe de derecha pero no insiste mucho ya que no es un personaje muy querible, pero resulta que el trabajador Maurizio, quien se sabe hecho desde abajo manteniendo un vivero de cierta importancia y una mujer cuyas depresiones deberían traer mayor conflicto a la pareja (pero no porque él es casi un santo), manifiesta su apoyo a il cavaliere (apodo del ex-primer ministro Silvio Berlusconi) de una forma bastante explícita. La RAI produce la película. No queda mucho más que decír.
Los roles de las mujeres tienen su cuota. Cuando Susanna finalmente descubre los múltiples cuernos que le ha metido Massimo, no importa la vergüenza ni que él haya hecho carrera a partír de heredar el estudio jurídico de su padre. Ella lo perdona. Y decide castigar jurídicamente a las mujeres que participaron en el adulterio. Por otra parte, teniendo cuatro hijos (cinco en palabras de ella), el personaje de Sofia nunca considera la posibilidad de salir a trabajar para llenar el vacío de Nicola, hasta que la situación se vuelve desesperada, pero como él termina ganando 300.000 euros, ella vuelve feliz a su rol de ama de casa esclavizada, carrera universitaria completamente olvidada. Las depresiones de Barbara, que en principio parecen algo más que psicosomáticas, se curan milagrosamente cuando ella queda embarazada.
La famiglia unita hasta lo espantoso.
Esta película comparte con la adaptación del musical "Rent" la fachada inocente y el mensaje retrógrado por detrás. Yo apoyo el cine como entretenimiento pero en éstos casos lo defenestro como herramiente ideológico macabra. Lo que comienza como un retrato costumbrista termina siendo propaganda del gobierno de turno (la película es del año 2003). Están avisados.

Conclusión: ¿Había que reírse?

Eros

2006-05-16T15:31:00.000-03:00

En un ejercicio de trabajo comunal se reunieron los directores Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh y Wong Kar Wai para reflexionar sobre el elusivo tema del sexo y el erotismo en el cine. A partír de ahí se dan tres productos bien diferenciados que intentar abordar el tema con mayor éxito en dos de los casos y con resultados más que pobres en uno en particular. Los tres cortos están vinculados por un separador de acuarelas alusivas con un temita recurrente en italiano cantado por Caetano Veloso que invita a la transición entre una obra y la siguiente.

El filo peligroso de las cosas (Il filo pericoloso delle cose)

El sexo y el cuerpo.

Hay una verdad cruel que por cruel no deja de ser verdad: hay que saber retirarse en gloria y muy pocos saben hacerlo a tiempo. El triste caso del célebre director italiano Michelangelo Antonioni quien se animó a filmar con sus buenos noventa y siete años, se desmadra en la pantalla con un relato entre lo misógino y lo patético donde un matrimonio con su relación en decadencia evidenciada por diálogos poco menos que creíbles, busca renovarse. El anónimo marido lo logra finalmente sólo a través de una joven mujer concebida como de "espíritu libre", o bien retratada como una chica capaz de intercambiar sexo después de tres palabras con un extraño.
Filmada con códigos visuales y diálogos dignos de las películas que se pueden encontrar doppo mezzanotte en cualquier canal de cable (llegado cierto momento uno incluso tiende a buscar por reflejo el logotipo en la esquina superior de la imágen porque es lo único que falta), parte de un concepto que podría ser interesante pero no lo logra llevar a buen puerto. Si bien la historia está ambientada en Italia los protagonistas chapurrean el inglés sin mucha convicción, el desarrollo de personajes es inexistente así como la progresión dramática y el ritmo. Finalmente el resultado es pobre y sólo se ve más disminuido, si es posible, por el contraste con las obras siguientes. La intención de agregar un espasmo de trama simbólica solo termina por provocar vergüenza ajena. Es una lástima que uno de los grandes señores del cine italiano tenga que cerrar su carrera con un producto tan poco digno de su nombre.

Conclusión: Sáquenle la cámara al abuelo.

Equilibrium.

El sexo y la mente.

Steven Soderbergh no se encuentra entre mis directores favoritos, sin embargo debo rescatar el excelente trabajo que logra en "Equilibrium". Ambientado en los años cinquenta nos presenta a un neurótico publicista (Robert Downey Jr.) quien revisa un sueño erótico recurrente con su analista. La trama de aparente simpleza, se despliega en una espiral de recursos freudianos con un sorprendente conocimiento de las bases de ciertas problemáticas de origen psicológico. La percepción del espectador es puesta a prueba sin trampas mientras la verdad atrás del sueño es revelada.
La dirección lleva el sello marcado del director de Traffic con su uso de los colores y la iluminación quemada, la espiral del sueño es representada en un ritmo muy creíble y es evidente el gran trabajo de documentación que sostiene a los protagonistas del segmento. El resultado es un producto simple en la superficie y cerebral en su construcción que merece ser visto más de una vez para desentrañarlo.

Conclusión: Hablemos de Freud.

La mano.

El sexo y el sentimiento.

En el Hong Kong de 1963 un aprendíz de sastre es manipulado sexualmente por una clienta para provocar una reacción creadora en él que se refleje en los vestidos que le fabricará. A partír de ahí Wong Kar Wai, el director de "Felices Juntos" y "2046" cuenta una historia de obsesiones y fetichismos con una sensibilidad exquisita. La relación entre la prostituta de alto nivel, la Señora Hua (Gong Li), y el sastre se irá desenvolviendo con un crescendo en la intensidad de su relación no recíproca. Las situaciones simétricas se suceden y destacan los aparentes cambios de poder que son sólamente apariencia: incluso tras su declinación la Señora Hua será todo para el sastre.
La dirección asombra desde su capacidad para el manejo de la corriente erótica tensa y el sentimiento descarnado que fluye entre los personajes principales y alrededor de los secundarios. Los personajes son muy sólidos y las actuaciones más que buenas. "La mano" es una joyita para no ser perdida.

Conclusión: Excelente.

Cerrando el BAFICI

2006-05-09T13:32:00.000-03:00

Masters of Horror: Homecoming

Fraude electoral

Un colega crítico describió el BAFICI como una especie de tenedor libre de películas. La propia experiencia de BJ en la cola de entradas viendo a una masa snobista elegir a diestra y siniestra películas para ver debe contribuir, sin duda, a que se perpetren ciertas estafas. Una de ellas es cobrar una entrada para ver un capítulo de una miniserie como si fuera un film de cine independiente. Ni corresponde anunciar una miniserie como film, ni tampoco este miniserie: Masters of Horror es precisamente de cine independiente... Pero esta avivada del BAFICI no debe influir en nuestra crítica de Homecoming específicamente.
En USA, en plena campaña electoral, un operador político y una periodista de derecha forman una extraña alianza. En pleno aire de TV piden a los soldados muertos en la invasión a Irak que vuelvan a enseñares a los norteamericanos cuan importante es esta lucha más allá de que las armas de destrucción masiva no aparecieron... Y los soldados zombies vuelven. Y son indestructibles, inmortales, imparables... Y vienen a votar contra el candidato republicano (que todos sabemos que es Bush pero no se dice)
Este capítulo de la miniserie Masters of Horror fue dirigido por Joe Dante (Gremlins, Army of Darkness) y cuenta con un muy buen guión, sólido y sin complicaciones. Capta el clima propio de film de zombies clase B con y tomas y guiños al espectador que recuerdan algunos clásicos del género como Night of The Living Dead y, a su vez, lo combina con diálogos clásicos de películas de guerra que son soberbiamente resignificados. La dirección de Dante es difícil de sopesar siendo este el capítulo de una miniserie. El casting no es tan afortunado, pero el capítulo es soberbio. He dicho.

Conclusión: Voto a favor.

Porno

Desnudos

Un film con este título, que ya fue presentado en Mar del Plata, suele atraer bajo el pretexto de ser un documental, a las hordas snobistas adictas al onanismo selectivo. La sala estaba llena, y el director y los actores también estaban. La pregunta de rigor era cuánto se iba a mostrar.
Porno es un documental en donde el director convivió dos días con los actores, actrices, director y ayudantes de un film porno local en una quinta del GBA. El tono intimista se vuelve tremendamente revelador en la mediada que estamos frente a un documental genial.
En primer lugar, si como sostiene la tesis de los postbarthesianos, el porno de-erotiza, este director des-erotiza aún más. Muestra las escenas de sexo duro desde una óptica totalmente naturalista. Hay hasta primeros planos de los genitales pero sin el efecto de excitación esperado. Es más, el director logra de manera muy brillante desaparecer, dejando que actores y directores sean los verdaderos protagonistas.
En segundo lugar, hay un metaleguaje referencial muy sutil. Se muestran insectos, vegetación, bichos, etc. Un interesante recurso para referenciar la famosa noción de “cosas naturales” que suele rodear al sexo y que tiende a anular sus efectos de liberación (u opresión ) subjetiva.
Finalmente, es un vivo y notable retrato del carácter fundamental artesanal de estos films. Director y actores inflando globos para la supuesta fiestita de la “nena”. (obviamente en el film “le hacen” la fiestita). Una cámara intimista que recorre un asado donde se pueden vislumbrar los soportes de ego de los participantes. Una visión cruda y desenvuelta de las complejidades anatómicas y espaciales de perpetrar cierto tipo de escenas y un clima de intimidad que cierra de forma especial. Hasta el último detalle ha sido cuidado por este notable documental. He dicho

Conclusión: Muestra todo.

BAFICI

2006-04-15T14:46:00.000-03:00

John Carpenter´s Cigarette Burns

Mi primer encuentro con el BAFICI no fue de lo más feliz en más de un sentido. Más allá de los previsibles quilombos de organización, el público en su postura culturosa decadente y el hecho de tener que ir al cine de un shopping, la posibilidad de ver algo nuevo de John Carpenter logró hacerme pasar por alto todo esto.
Casi.
Porque no tuve en cuenta la posibilidad de que en vez de una película me estuvieran vendiendo un capítulo de una serie de televisión que con un poco de suerte será posible ver en I-Sat de acá a unos meses, o conseguirla en dvd, o en su defecto también sería una buena opción pasar más de un episodio en vez de optar por la opción mercantilista de "si querés más, venite otro día".
Por ahora gana en todo esto la gente de Mar del Plata.
Más allá del primer mal sabor de boca, me senté para escuchar los acordes familiares de la música de Carpenter (hijo en este caso, todo en familia) y asomarme al mundo conocido de un director peculiar. El tipo se las ha ingeniado para filmar temáticas que le interesan, mayoritariamente terror/horror, bichos de toda calaña, monstruos varios, etc, y siempre lograr meter un poco de contenido detrás de la aparente temática pochoclera de bajo presupuesto. Eso hasta la desagradable "Fantasmas de Marte" de la que no voy a hablar ahora. Y por supuesto la desastrosa "Cigarette Burns".
Las quemaduras de cigarrillos son una marca circular que aparece en la pantalla una fracción de segundo arriba a la derecha, que servían de señal para el proyectorista para el cambio de rollo. Recuerdese "El club de la pelea" y las incisiones que el infame Tyler Durden hacía en los rollos valiendose de esa fracción.
A partír de ésta señal se desarrolla la historia de Kirby Sweetman (qué nombre por dios), a cargo de un cine donde proyecta clásicos, dueño de una actitud de film noir y con una capacidad particular para rastrear películas raras. Kirby es conectado por un millonario coleccionista llamado Ballinger (Udo Kier) quien le encarga encontrar la extraña "Le fin absolue du monde", o bien "El fin absoluto del mundo", film que posee la extraña cualidad de provocar violentos baños de sangre entre la gente que la ve.
Empezamos mal.
Kirby a pesar de encontrarse desde el principio con que el extraño Ballinger tiene una criatura encadenada, muy posiblemente un ángel, no duda en salir en la búsqueda del film maldito ya que se encuentra endeudado. Aún sabiendo que su empleador planea proyectar masivamente la película.
Al entrar en contacto con una entrevista del director del film, Kirby comienza a alucinar con círculos luminosos (las quemaduras de cigarrillo) y fantasmas del pasado.
Error número dos.
Así la historia prosigue con la búsqueda, la supuesta profundización de los personajes, las alucinaciones en aumento con ciertos momentos gore que no vienen muy al caso y finaliza con el encuentro del film, su proyección y un pequeño baño de sangre, redenciones con el pasado y la liberación del ángel torturado.
Lo que desde el principio no funciona con ésto es achacable a los poco éticos guionistas novatos Drew McWeeny y Scott Swan quienes demuestran claramente dónde está la línea que divide el homenaje del plagio descarado. Esta historia que prentende ser un tributo al cine de suspenso y de terror termina siendo nada más que un monstruo tipo Frankenstein donde gran parte de sus miembros son de la fantástica "En la boca del miedo" del mismo Carpenter (en la que se cuenta la búsqueda de un libro cuya lectura desata la violencia y la locura), el detective cinéfilo es un Dean Corso wannabe extraído de "La última puerta" de Roman Polanski (donde a un especialista en libros raros se le encarga la búsqueda de un libro que resulta escrito por el diablo) y el recurso de los círculos flameantes esta burdamente robado de "Ringu" (o si quieren su remake yanqui "La llamada", donde un video maldito produce la muerte de quien lo vea, pasando por varias alucinaciones espantosas de un círculo misterioso y un fantasma vengativo). Hasta el personaje hiper secundario del proyectorista del cine de Kirby está desagradablemente robado del Hurley de la serie "Lost".
Cómo Capenter accedió a filmar ésta porqueria mal actuada y peor escrita, escapa un poco mi imaginación.
Salvo por el hecho de que todos tenemos que comer.
Y de que algunos evidentemente no saben retener su dignidad.

Conclusión: Una porquería indignante

Festival de cine de Mardel

2006-04-01T13:36:00.000-03:00

Legión (Tribus Urbanas Motorizadas)

A toda

El director de este documental, Jósé C. Campusano se ha propuesto hacer cine bruto. O lo que se entiende un documental que está en algún lugar a medio camino entre el Dogma de Lars Von Triers y una mínima edición.
Legión es un documental sobre los motoqueros que pueblan la fauna del GBA. Cuenta las vicisitudes de la AMB (Asociación Motoquera de Berazategui) y de otras en su sociabilidad y organización interna. Destacan las figuras de "El Polaco" y "el Vikingo" que nos reconcilian con el adolescente que todos llevamos dentros.
Si cine bruto debe entenderse como edición desprolija, tiempos corridos y excesivo naturalismo, la muy buena musicalización con temas de AC/DC, Creedence Clearwater Revival y Pappo, entre otros, suma una nota discordante. Pero con todo el film se deja querer así como estos motoqueros exhuberantes y familieros que retrata.

Born to be...Naturalista

Hotel Gondolín

Laas Chicassss….

Hotel Gondolín es un refugio. Es un lugar dirigido por una travesti que busca dar techo a sus compañeras trabajadoras sexuales y organizarlas. Es un documental que recorre en plano intimista tanto el día a día de su dura profesión y su lucha contra el rechazo como el activismo político.
Este documental, en manos del experimentado López Escrivá es una impecable mirada sobre un mundo tan complejo como segregado. Los planos cortos de un hotel en pobres condiciones edilicias contrastan con primerísimos planos de los rostros de sus habitantes y secuencias de ellas "produciéndose". Un hábil recurso que combina intimidad, imagen y discurso. El film lo logra en muy buena medida disparando el debate sobre las mínimas condiciones de lo que llamamos normalidad y el problema del respeto a la diferencia. El mundo interno privado es planteado ni bien empieza el film con el relato de vida de sus ocupantes y va ganando en exterioridad hasta llegar al mundo público en el debate que tuvo lugar en el teatro Ateneo acerca de la modificación del Código de Convivencia en la Ciudad de Buenos Aires. Un trabajo impecable. He dicho.

Conclusión: Transeúnte de Bs. As. , visite este Hotel

Conductas y condicionantes del comportamiento grupal

La Masa ingente

Este pequeño y simpático documental busca indagar cuáles son los principales determinantes de la conducta de un individuo cuando está en masa, no sin antes tratar de explicar qué es una masa de gente. El documental se divide tanto en el repaso con una audaz edición de las principales teorías de la psicología social desde Le Bon como en una serie de experimentos científicos conducidos principalmente por un tal Juan Pérez.
Dinámico y llevadero, con una edición impecable y audaz y con un lenguaje claro y ameno, este documental es sumamente didáctico y entretenido. Una joya, pero de fantasía. Falta una profunda indagación de teorías más dinámicas y aspecto más profundos del tema que se plantea. Igual vale la pena. He dicho

Conclusión: las aventuras de Juan Pérez, o de nosotros en la masa.

TV Service

Pero que imagen, señora!!

Juan Palomino interpreta un técnico de TV que vive en una Villa de Lugano y que provoca un accidente eléctrico para que la gente lo llame y le pida reparar su TV. Pero hay más. Su plan es interrumpir la señal, justo durante un River -Boca, para declarar su amor a una chica que conoció cuando tomó su primera comunión.
Una trama sencilla, pero correcta. Un Palomino sobrio, pero eficaz. Y un muy buen corto con un recurso de edición notable. El resto de los actores que compone la trama fueron reclutados en la misma villa de Lugano. Antes de la aparición de cada uno se muestran los diferentes casting. Un recurso simple e ingenioso que da a este corto un gran valor y lo hace muy recomendable

Conclusión: Señoras y señores, tengan Uds. muy buena imagen.

Subamérica

Subdesarrollo cinematográfico

Un geógrafo (o docente de geografía, no se sabe muy bien) es abandonado por su novia (esposa, mina, ¿a quien le importa?) e inicia un viaje para buscarla y al ser rechazado de nuevo (que poco nos importa, no?) va con una prostituta (una actriz cuyos gemidos "profesionales" no convencen a nadie) e inician juntos un viaje (¿iniciático?, ¿una caída? ¿una excusa para torturar al espectador casi dos horas? "nota de Anita: la cosa duró con suerte una hora, pero se siente como tres") Siguen los interrogantes, pero el que más le llega al espectador es ¿qué demonios hago yo acá?.
Este film fue puesto en circulación en el Festival y para colmo seleccionado. Una de las peores impresiones sobre celuloide que puedan jamás hacerse. BJ puede masticar una lata de fílmico y escupir algo mejor. Pocas tomas que duran eternidades y cansan al espectador, cuando no robos descarados al último de film de Kiorastami y algún intento de evocar personajes al mejor estilo Vargas Llosa como el "loco" director del mundo. Es tan mala que el espectador no puede ni reírse de ello.
Ha llegado un punto en que en las escuelas de cine debe enseñarse que lento no es igual a profundo ni que el mensaje debe sustituir a la trama. BJ ha sido estafado y quiere que alguien le devuelva las casi dos horas de su vida que ha perdido ahí dentro.

Conclusión: Se informa a la población que este film ha sido clausurado por razones sanitarias.

Zulú love letter

Sudáfrica mía

Esta es la historia de una periodista que lucha por el castigo de los crímenes raciales durante el Apartheid en Sudáfrica. Y desde luego, su vida familiar y afectiva sufre por su constante dedicación así como recibe planteos en el ámbito profesional.
Hasta aquí, una trama que podría dar lugar a un típico film de "Cine sólo para mujeres" en alguna matinée de Cosmopolitan TV con esos típicos golpe de efecto como la música sensibilizadora cuando al fin se hace justicia. Nada de esto se encontrará aquí. Al contrario el film demuestra una enorme sutileza. Una voz oculta que susurra al espectador pero que no alcanza a decirle algo que pueda entender. Es la voz negada, la voz del otro Negro que tan bien retrata el ganador del premio Nobel de Literatura J.M. Coetzee en su novela "Foe". Y también puede citarse la Edad de Hierro, dado que es el mismo sentido de proceso abierto y sentidos negados los que recorren este film. Inclusive los diálogos de Shakespeare que rodean al supuesto villano contribuyen a ese sentido de extrañamiento de la protagonista de la Edad de Hierro.
Una obra de arte, una obra algo críptica pero recubierta de un lenguaje cinematográfico accesible a todos. Despierta las ganas de estudiar este complejo proceso de la Sudáfrica post Apartheid y la problemática del otro. He dicho.

Conclusión: la voz de Viernes

Orgullo y prejuicio (Pride and prejudice)

2006-02-21T12:15:00.000-03:00

Película de nenas

En la Inglaterra de finales del siglo 18 el casamiento era el eje en la vida de cualquier jovencita con un poco de aspiraciones, así lo demuestra la Señora Bennet, madre de cinco revoltosas hijas, quien es capaz de perderse en la falta de tacto con tal de posicionar a las señoritas. En una casa con tanta hormona femenina descontrolada, el impasible Señor Bennet (Donald Sutherland) trata de sacar adelante su situación de género desbordado por el opuesto. Entre las cinco hermanas se destaca Elizabeth (Keira Knightley) por ser la única quien no pierde el sueño por situaciones románticas y lo acompaña con una lengua mordaz lista para demostrar su habilidad. La vida de la familia se ve convulsionada por la aparición del acomodado Señor Bingley acompañado de su fría hermana y del perturbado Señor Darcy. La posibilidad de un matrimonio acomodado mueve a la Señora Bennet quien hará todo lo posible para que su hija mayor se case.. o bien cualquiera de las cinco. Las chispas corren entre Elizabeth y el señor Darcy inmediatamente quienes se declaran odio mutuo casi al instante.. o no.
La película corre así entre las idas y venidas de las chicas, con el eje puesto en Elizabeth y Darcy (Mathew Macfadyen) quien parece no poder aportar al rol más que ojos de cachorro mojado. La adaptación parece un poco desprolija pero se deja ver, entretiene más por su pequeña cuota de humor ácido que por lo previsible de la historia. En general el elenco se maneja cómodo y la dirección no molesta, si bien pretende momentos reflexivos con exceso de primer plano de la bonita Keira que no aportan nada al ritmo. Ideal para ver en con un grupo de amigas.

Conclusión: Histeria con corte princesa

El increíble castillo vagabundo (Hauru no ugoku shiro)

2006-02-13T13:18:00.000-03:00

Señores, de pie...

Hace ya unos años que vengo vislumbrando lo que he denominado "efecto Miyazaki", esto es en variadas ocasiones poder comprobar como públicos de la más variada edad se encuentran enganchados a más no poder viendo una película del señor en cuestión. Hace ya un par de años en el MALBA una nena de cuatro años decía a su mamá "se murió?" en relación al sacrificio de Nausicäa. Un tiempo después y gracias al tardío reconocimiento, ya en una sala comercial, un adolescente de trece miraba agarrado a la butaca de adelante el mundo que se desplegaba a partír de "El viaje de Chihiro". La última prueba de que una película de Miyazaki puede llegar a cualquier público lo tuve la noche en que fui a ver "El increíble castillo vagabundo". Función transnoche. Unos adolescentes de alrededor dieciocho llegaron a la sala en su modalidad más pava dado que no habían conseguido entradas para la película que querían ver originalmente. Eran de esos que molestan con los celulares, patean butacas y no tenían la menor idea de lo que se trataba y en cuanto aparecieron los caracteres japoneses, se rieron con un "uuuh, dibujos chinos". Pero a partír de la primera escena enmudecieron. Y no salieron de su mutismo hasta los títulos del final.
Basada en el libro inglés "Howl´s moving castle" la película toma lugar en algún país de tintes europeos, con aires a la primera y segunda guerra mundial a la vez, donde nos encontrarmos con Sophie Hatter, una jovencita muy seria que carga con el serio destino de llevar adelante la seria sombrerería de su padre. Sophie se sabe sobria, responsable y sobre todo fea, particularmente en comparación a una hermana despampante que llena la panadería donde trabaja de señores que vienen a cortejarla. En este mundo la magia es moneda común, las brujas abundan, los magos son reclutados para el ejercito del Rey y se rumorea la existencia de un tal mago Howl que se dedica a robar los corazones de las jovencitas, no en un sentido figurado. Claro que sólo se acerca a las lindas, así que Sophie se encuentra tranquila. Sin embargo ella es abordada por el mago en cuestión y se gana la represalía de la Bruja Calamidad quien la maldice convirtiendola en una anciana. Sin saber qué hacer o cómo manejarse con su cuerpo y sus achaques, Sophie huye al descampado donde se encuentra con un castillo móvil, un eufemismo ya que se trata de una serie de techos y ventanas con patas que parecen mantenerse juntas de milagro. El castillo es la casa de Howl y Sophie se las ingenia para convertirse en una especie de ama de llaves del lugar, conviviendo a su vez con una serie de compañeros del mago: un simpático aprendiz, un espantapájaros encantado y un demonio llamado Calcifer que, en palabras propias, es el único que trabaja en ese lugar. Ella llega a un acuerdo con el demonio por el cual, si ella logra romper el hechizo que lo ata a Howl, él romperá el de ella. Desde adentro Sophie comienza a ver que, por supuesto, no todo es lo que parece y que el atractivo y mujeriego Howl es simplemente un cobarde. Lo que no impide que se enamore de él.
Bien entrado en años ya, Miyazaki logra componer una fantasía cuyos personajes y situaciones asombrosas logran sorprender y entretener a público de cualquier edad, a la vez que relfexiona sobre la edad, la vejez de cuerpo diferenciada de la de mente, las responsabilidades y el crecimiento. Como siempre maravilla con los paisajes, nos regala de yapa un sentimiento antibélico y más que nunca demuestra que se puede hacer cine para todo público inteligente, en oposición en particular a Disney que sigue haciendo desastres con sus clásicos pero por suerte se avivó (mejor tarde que nunca) de la existencia de la obra de este excelente director que hay que disfrutar mientras siga filmando.
Para quien no esté al tanto Hayao Miyazaki es un director de animación con una muy larga trayectoria no tan ajena a Occidente. Para aquellos memoriosos, él estaba detras de la versión nipona de Heidi que se vio en la televisión local allá por los ochenta. Y más alla de eso es un gran conocedor del universo infantil, responsable de una serie de películas que pasan de lo entretenido a lo maravilloso sin escalas. Entre sus películas más conocidas se encuentran "Nausicäa del valle del viento", "Mi vecino totoro", "La princesa Mononoke", que fue la primera en ser distribuida por Disney si bien no llegó a verse en los cines locales, y la galardonada "El viaje de Chihiro".

Conclusión: La experiencia de ver un film de Miyazaki en el cine es imperdible. No se lo pierdan.

más info sobre Miyasaki
más info sobre el libro

(a mí me gusta más Howl morocho)

Los Productores (The Producers)

2006-02-06T15:23:00.000-03:00

En el negocio del espectáculo...

Allá por 1968 el guionista/director Mel Brooks concibió una comedia acerca de un productor fracasado de Broadway, quien junto a un tímido contador intenta llevar adelante una estafa millonaria produciendo la peor obra musical a fin de que cierre el mismo día del estreno y ellos se queden con el dinero de la "perdida". La película fue un éxito, ganando varios premios entre ellos "mejor guión" para Brooks. Eventualmente la película sobre una mala obra de teatro fue convertida en una exitosa obra musical. Y ahora en una de esas cintas de moebius hollywoodenses se nos presenta la película-basada-en-la-obra-basada-en-la-película-sobre-una-obra.
¿Mareados?
Max Bialystock (Nathan Lane) es el mayor productor de fracasos en Broadway. Tanto es así que le han diseñado un cartel que rota de noche de estreno a noche de cierre. Es un tipo sin escrupulos, tanto así que no duda de jugar al peón bien dotado y la campesina virgen con viejitas adineradas para conseguír los fondos para seguir adelante. En su vida entra el cándido y tímido contador Leo Bloom (Mathew Broderick en piloto automático) quien sueña secretamente con ser productor y salir con coristas. Casi por error le comenta a Bialystock que podría ganar mucha plata más si hiciera una obra concebida para ser un fracaso. Obviamente él le toma el gusto a la idea y recluta al contador para ser su compañero en la estafa. Los pasos a seguir son disparatados hasta como pueden ser en una historia de Mel Brooks, incluyendo un director coreando junto con su staff "keep it gay" en relación al teatro, una obra de corte puramente neo nazi escrita por un fanático ("Springtime for Hitler") y una sueca secretaria/recepcionista/corista llamada Ulla (Uma Thurman). Claro que las cosas no salen como fue planeado y los productores se ven en serios problemas cuando su obra en vez de ofender al público es recibida como una parodia y termina siendo un éxito. Hasta ahí canciones, parodias a los musicales de los ´40 y ´50 y una muy divertida obra musical que choca un poco con el lenguaje cinematográfico. Esto se debe a un problema de adapación, si es que hubo alguna. La obra es tomada bastante literalmente y la dirección de una tal Susan Stroman es completamente insípida. Se limita a mostrar la obra como si se tratara de una transmisión de algún premio por TV. Su dirección de actores es inexistente. Dada la cantidad de años que Nathan Lane y Mathew Broderick llevan haciendo la obra, evidentemente nada nuevo hay para ver. Salvo el pequeño detalle de que nos encontramos frente a una pantalla de cine y no un escenario con cierta distancia, de ahí que las muecas exageradas de casi todo el cast resulten un poco demasiado para un primer plano. Salvado el problema del salto de lenguajes, la película se deja ver, divierte y casi casi parece que se está viendo la obra directamente. Casi.

Conclusión: Divierte. Y punto.

Los Hermanos Grimm (The Brothers Grimm)

2006-01-30T14:09:00.000-03:00

Queriendo emular al Barón Munchausen (pero no)

Los hermanos Jacob y Wilhem Grimm son estafadores profesionales. Se dedican a aprovecharse de las supersticiones de diversos pueblitos alemanes para primero encarnarlos con una serie de "efectos especiales" medievales y finalmente cobrar por un cacería de brujas arreglada desde el principio. El conflicto principal se desata cuando son descubiertos por un general de la ocupación francesa llamado Delatombe (un poco interesante Jonathan Pryce que parece rogan por el regreso de los tiempos de "Brazil") quien les da dos opciones: averiguan y solucionan la desaparición de niñas en un pueblito o pueden ser sitematicamente torturados para deleite de su secundón, el italiano Cavaldi. Ya en el pueblo recibirán la ayuda de una cazadora con una extraña tendencia a lamer sapos mientras que la mente "científica" de Wilhem choca con la posibilidad de que las fantasías populares que tanto atraen a su hermano puedan ser reales. Y en el medio entran en una ensalada semi digerible cualquier cuento de hadas más o menos conocido, a saber: Rapunzel, Caperucita Roja, la Bella Durmiente, Cenicienta y Blancanieves entre otros, independiente de si sus autores son los hermanos originales o no. Pareciera que la importancia está en la referencia misma y no si tiene algun sentido en la trama. El resultado es una sumatoria de ideas cruzadas que no llegan necesariamente a buen puerto y en otros momentos simplemente no se entiende a dónde está yendo todo. El ritmo de la película es irregular y sus protagonistas también. El Wilhem de Matt Damon me recuerda en ciertos momentos al Obi-Wan de McGregor en Episodio I: no me creo este papel, lo hago por la plata y quiero que se note. Por el otro lado el Jacob imaginativo y neurótico del insulso Heath Ledger es exactamente eso, neurótico. El resto del elenco hace lo que puede con una serie de personajes que van desde lo estereotipado, como la Reina malvada de Bellucci, hasta lo nauseabundo en las supuestas parodias que representan el francés de Pryce y el italiano de Peter Stormare.
¿Había que reírse?.
Terry Gilliam parece querer repetir "Las aventuras del Barón Munchausen" pero no lo logra. La idea central de su obra, aquella ambigüedad entre realidad y ficción, tiempo y espacio, se diluye en un producto masticado y digerido para el servicio de un público poco afín al ejercicio de la neurona. Que no es el público que siguió la obra de Gilliam y mucho menos entiende qué fue de la tomas particulares del director que se despacha con una cámara insulsa, un montaje inocuo y un resultado perecedero. Si hay un sólo punto resacatable en el conjunto es el arte de la película con influencias notablemente prerafaelistas. Pero no alcanza.

En conclusión: Fantasias no muy bien animadas de ayer y hoy

El mercader de Venecia

2005-12-19T11:34:00.000-03:00

Por ser políticamente correcto….

W. Kandinsky en su libro acerca del arte sostenía que las obras de arte cobraban vida propia y se separan de su autor y sus intenciones originales. Esto quiere decir que las interpretaciones de las obras varían, pero no son infinitas. Este libro de Kandinsky no figura en la biblioteca del director Michael Radford y “El mercader de Venecia”, adaptación de la obra del mítico W. Shakespeare, es prueba de ello.
Antonio (Jeremy Irons) rico mercader de la ciudad de las góndolas, acepta financiar una loca expedición casamentera de su amigo Bassanio (Joseph Fiennes) y para eso pide una suma prestada a un prestamista judío llamado Shylok (Al Pacino). Este, cansado de los maltratos y discriminaciones que sufrían los judíos en esa época, accede a prestar el dinero bajo extrañas condiciones: no cobrará intereses, pero si Antonio no puede devolver el dinero pronto, tendrá una libra de su carne. Shakespeare ha sido muchas veces adaptado al cine, algunas versiones fueron más afortunadas que otras. Esta es probablemente una de las peores, cuanto error se puedan imaginar ha ocurrido aquí.
En primer lugar, Bradford parece que elige quedar bien con la colectividad judía y acentúa la discriminación y las persecuciones. Es un giro interesante pero imposible con el guión original de Shakespeare. Mutila al personaje de Shylock, no deja ver el conjunto de tramoyas que lo van a empujando a ser el personaje repelente y mezquino que es y el resultado es un injerto inicial que desvirtúa toda la trama. El giro de la adaptación es tan burdo que el guionista y director (para colmo es el mismo) no elimina las escenas que hacen incoherente la trama! ¿Era Shakespeare antisemita? Es una larga discusión, pera esta no era una obra que buscará redimir en algún sentido a los judíos. No todos los sentidos son posibles como decía Kandisnky
Bradford continúa con sus errores de adaptación. El teatro isabelino se sabe tiene un ritmo diferente y las adaptaciones tienden a recortar los diálogos. Hay extremos como transformar a Romeo en un pandillero latino o las hiperfieles adaptaciones de Kenneth Branagh que duermen al auditorio no preparado. Bradford inaugura un nuevo modelo: el recorte indiscriminado. Se recortan algunos diálogos, y luego inexplicablemente los personajes se sumergen en tremendos monólogos que siguen el ritmo shakespeareano. El resultado es tétrico. ¿Ritmo cinematográfico? ¿Y eso que és?
Bradford tampoco saca el jugo de sus actores y las performances son irregulares. Al Pacino y Irons están, a lo sumo, correctos (conocen mucho su oficio). Interesantes revelaciones en los personajes femeninos de Portia (Lynn Collins) y Jessica (Zuleihka Robinson) y el resto, con Fiennes a la cabeza, son bien olvidables.
Utilicemos un poco más al pobre William para cerrar, alentándolos a que partan pronto y relaten las tristes nuevas pues no ha habido adaptación más triste que es la de Michael Bradford y sus desdichado mercader de Venecia.

Conclusión: Algo huele podrido en Venecia

Virgen a los cuarenta

2005-12-01T21:30:00.000-03:00

La cosa esta dura.

Joven espectador, si Ud tuviera 40 años o simplemente hubiera pasado los 35 es probable que su despertar estuviera signado por una adolescencia en que pudo ver joyas cinematográficas como Porky o La Venganza de los Nerds, en las que no sólo descubre el cuerpo femenino sino que se hace familiar con ese tipo de comedia. El nuevo milenio le traerá American Pie y verá con condescendencia la situación del pobre Jim. Y si para esa altura aún no pinchó el globo es fácil adivinar como se sentirá: al palo.
Así se despierta el protagonista de nuestra historia, Andy Stitzer (Steve Carell) quien es un pobre empleado de un local de electrónica que sufre la burla de sus amigos (y las insinuaciones de su única y espantosa colega mujer, la cual tiene las compuertas bien abiertas) y que como el título del film lo indica a sus 40 años aún no logró enterrar el huesito.
El resto de la trama es previsible. Sus amigos tratarán de ayudarlo a superar su timidez y dar el gran debut pero terminarán por embarrar más las cosas. Nuestro protagonista conocerá a Trish (Catherine Keener), una mujer de muy pasados los treinta, con tres hijos y que vende cosas por internet. El deberá decidir si ordenar servicio completo con ella, de quien esta enamorado, o con Beth ( Elizabeth Banks) una ninfeta de cuidado. Pero por previsible no será menos divertido.
Una comedia al estilo American Pie con la virtud de conocer a su público. Tiene humor y muchos chistes escatológicos pero puede captar tanto adolescentes como jóvenes y adultos. El guión muestra un conocimiento fino y detallado de muchos mitos en torno a la virilidad masculina y la actividad sexual. Hay actuaciones más que satisfactorias y una dirección clásica pero eficaz, ideal para ir al cine con amigos y/o con novias y/o amigas de mente abierta. Recomendable para una noche de viernes tarde con amigotes, birras y pizzas.

Conclusión: Risas Vírgenes.

Harry Potter y el Cáliz de Fuego (Harry Potter and the Goblet of Fire)

2005-11-28T13:32:00.000-03:00

Cuartas partes nunca fueron buenas.

¿Qué tienen en común la última película de Harry Potter y "Las dos Torres", segunda parte de la trilogía de "El Señor de los Anillos" de Peter Jakson?. Las dos son terriblemente largas, las dos están basadas en libros con demasiada información para adaptar, y las dos incluyen escenas alargadas innecesariamente, escenas inventadas que no aportan nada y situaciones forzadas que no terminan de cerrar el conjunto.
"El Cáliz de Fuego" inicia con un misterioso asesinato y la llegada del trío protagonista, Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger al torneo mundial de Quidditch. Durante las celebraciones del campeonato, aparecen los seguidores de Lord Voldemort y su marca aparece en el cielo. Más tarde, ya en la escuela, se anuncia el torneo de los tres magos donde a pesar de un límite de edad estricto, Harry Potter termina participando. Y a partír de ahí hay dragones, sirenas, laberintos fantasmales, angustias amorosas adolescentes, coscorrones de profesores estrictos y una lucha cara a cara entre enemigos mortales.
La película sufre de varios errores que no la ayudan a llegar a buen puerto. En el intento por adaptar una obra difícil algunas decisiones resultan acertadas, pero la mayoría no logra sacar el producto adelante. La resolución del misterio central de la trama está bien resumido, quitando personajes que no agregan nada a los tiempos cinematográficos y logrando una línea argumental clara de seguir. Por el otro lado los personajes centrales están, en algunas situaciones, delimitados y se vuelven caricaturas de sus reacciones, como las muletillas de Ron (cuántas veces puede decir "bloody hell"?) y los arranques de angustia neurótica de Hermione, más las dos líneas que tienen en toda la película los personajes secundarios como Fleur o Krum, que casi no se entienden qué hacen ahí o por qué tienen tanta importancia en los productos promocionales si casi no hablan. La dirección de Mike Newell, conocido por "Cuatro bodas y un funeral" y la empalagosa "La sonrisa de Mona Lisa", es correcta en el mejor de los casos pero desastrosa en la dirección actoral, sin importar la larga trayectoria de algunos y la poca experiencia de otros, todos parecen estar perdidos. Al final resulta un casting extraño, una seguidilla de momentos de relativa tensión, toques de humor que vuelven todo un poco más llevadero y extrañas decisiones que resultan en pequeñas indigestiones. Yo recomendaría recuperar a Alfonso Cuaron (director de " Y tu mamá también" y "Harry Potter y el prisionero de Azkaban"), que sin ser inglés ni dedicado a comedias romanticas pasatistas logró hacer la versión más equilibrada de las cuatro adaptaciones.

Conclusión: Un buen ejemplo de cuando el "fanservice" sale mal.

Una historia violenta (A history of violence)

2005-11-22T13:06:00.000-03:00

Atacando estereotipos norteamericanos

En este tipo de obras es donde más se puede ver la tremenda distancia entre los promedios, es decir, entre el crítico promedio y el espectador promedio. Coonsiderada ya por la masa culturosa como una de las mejores películas de Cronenberg, nos acerca a la familia Stall, aparente y típica hasta el hartazgo familia norteamericana, reflejo de todo lo que es bueno y "debería ser". Papá es bueno, dueño de un "diner" y pacífico. Mamá también es buena y trabaja aparentemente de fiscal. El hijo mayor es un adolescente promedio con todas las inseguridades aparentes y cierta tendencia mágico-hollywoodense a que las cosas le salgan bien cuando todo indica lo contrario. Y está la nena rubia y buena, como el resto de la familia, quien se despierta en el medio de la noche porque sueña con monstruos. Pero "los monstruos no existen" dice papá.
Los monstruos por supuesto que existen, sino no habría película. Aparecen en principio en la piel de dos ladrones hiper violentos que en su camino de maldades deciden parar en el buen diner del buen Tom Stall.. y cuando las cosas se ponen agrias Tom se los despacha con una habilidad imposible. Sigue un pequeño circo mediatico que lo único que logra es poner la cara de Tom en todas las televisiones, y a partir de ahí, el viaje es cuesta abajo. Atraídos por la información, se presentan en el pueblo unos mafiosos con cara de malos y peores intenciones, convencidos de que Tom es otra persona. Y entonces los acontecimientos se precipitan, la violencia engendra violencia (por supuesto) y las crisis de identidad se suceden.
Las metáforas están, el juego de géneros también, pero ¿qué pasa con la audiencia quien en su mayoría es ajena a éstos?. A favor de Cronenberg, logra risas incómodas y que, mal que mal, la gente se vea obligada a identificarse con un héroe que no es lo que aparenta. Los climas de tensión están bien logrados, pero la falla primordial está ahí, asomando: nadie compró la historia. Si bien el juego de géneros es totalmente lícito, la sacarinada idealización inicial de la familia Stall los vuelve casi de cartón, la identificación necesaria para llevar al espectador a lo largo del viaje incómodo no se logra totalmente.. y el resultado es que el espectador promedio sale del cine con la sensación de que lo estafaron. Lamento ser repetitiva, pero insisto en que la verdadera genialidad es lograr un producto profundo y metafórico, sin dejar totalmente de lado al espectador promedio. Es fácil caer en un producto cerrado para un elite entendida, o simplemente un entretenimiento vacío y pochoclero. Los extremos no son buenos y el mundo está lleno de buenas intenciones.

Conclusión: Mucho ruido y nueces para unos pocos

Millones (Millions)

2005-11-13T11:35:00.000-03:00

Un cuento de Navidad.

Hace un tiempo, y pueden verlo en este blog, Anita llamaba la atención sobre la vuelta a los 50. Grandes directores y guionistas intentaron rescatar y hacer films con esa ternura. Esta vez fue el turno de Danny Boyle, el genial director rupturista que practicamente creo un nuevo lenguaje cinematográfico con films como Tumbas al Ras de la Tierra y la inolvidable Trainspotting.
Millions nos presenta a la clásica wretched family de los 50: Papá (James Nesbitt), sus dos hijos varones y su mamá trágicamente desaparecida. El mayor de los varones, Anthony (Lewsi Owen McGibbon) es uno de esos hiperpedantes chicos que asombran con su conocimiento inconexo de la realidad financiera internacional; el menor, Damian (Alexander Nathan Ethel) manifiesta una temprana fe religiosa, siendo capaz de recordar las fechas y circunstancias del nacimiento y muerte de diversos santos. Tras la muerte de su madre deciden mudarse y el pequeño Damian arma "su" casa junto a las vias con unas cajas. Allí recibe, como regalo del cielo, una valija con millones de libras, sólo comparte el secreto con su hermano, quien quiere usarlo para una serie de inversiones estratégicas en bienes raices y bonos. Damian por su parte quiere ayudar a los pobres. Así potencia el encuentro entre su padre y Dorothy (Daisy Donovan), una chica que junta dinero para ayudar a los niños africanos. Como era previsible el dinero era en realidad robado y el ladrón viene a reclamarlo.
La película debe ser sintetizada como un arriesgado experimento en donde Boyle busca rescatar y contar con un nuevo lenguaje todas las instancias clásicas: el conflicto entre el padre con derecho a rehacer su vida con una nueva mujer, los celos de sus hijos, la importancia de los valores morales y sociales por sobre el dinero (Damian diciendo que el dinero solo trae problemas) y varios niños adorables que nos asombran por su lucidez. Boyle, a su vez, muestra nuevamente su talento como musicalizador y su gran manejo de actores.
En cuanto al guión y el relato cinematográfico, destaca un notable conocimiento de la psicología infantil, capaz de rivalizar al mismo Hayao Miyazaki.
El film sin embargo sólo vale como primer experimento, se queda a mitad de camino. Se supone un film para toda la familia, pero para los niños es muy larga (¿que pasó con los films sólidos y acotados de 90 min?) y para los adultos es muy naive. Evidentemente el cine sufre un pequeño disloque entre el público y los recursos en materia de cine para toda la familia. Y Boyle también cayó en la redada. Aún así vale la pena. He dicho.

Conclusión: El dinero no hace a la felicidad.

Wallace & Gromit: La batalla de los vegetales (Wallace & Gromit in the Curse of the Were-Rabbit)

2005-11-10T19:24:00.000-03:00

Cuando el presupuesto no lo es todo

Hay dos enfoques posibles para abordar esta crítica. Comenzaré por el primero:
Como película para niños, la última entrega de Wallace y Gromit es entretenida, sorprendente y suficiente como para dejar a los menores satisfechos y a los mayores moderadamente felices. Punto
Segundo enfoque:
Como cuarta película de Wallace y Gromit pierde aquella simpleza fantástica que se podia ver en sus entregas anteriores, a saber "A grand day out" donde se nos presenta a un aparentemente standar señor inglés, pelado, que vive con su perro y le gusta tomar té con galletitas de agua y queso. Bastante queso. Tanto así que al quedarse sin provisiones decide buscar el lugar ideal para conseguirlo y decide ir de pic-nic a la Luna, que está hecha de queso como todo el mundo sabe. Wallace demuestra entonces que no es un señor inglés común y corriente con un perro común y corriente, ya que en su sotano guarda su último invento: una nave espacial. Ya en la Luna los protagonistas se encontrarán con una especie de cocina mecánica a monedas que sueña con viajar a la Tierra y esquiar. Segunda entrega "The Wrong Trousers", Wallace le regala a su compañero canino unos pantalones mecánicos para que lo saque a pasear, mientras que asediado por un presupuesto justo toma un inquilino: un pingüino. Su inquilino resulta ser un ladrón de joyas que ve la oportunidad en los pantalones mecánicos e incrimina a Wallace en sus fechorías. Queda entonces en el genial y mudo Gromit el trabajo de rescatar a su amigo, terminando todo en una increíble persecución en un tren de juguete donde Gromit arma el recorrido poniendo las vías mientras alcanza al pingüino. Finalmente en la tercera, "A Close Shave", metidos en el negocio de lavar ventanas, Wallace se enamora de la dueña de un local de lanas Wendolene Ramsbottom, sin saber que el perro de ella termina enredandolos en una conspiración para raptar todas las ovejas del pueblo con el objetivo de convertirlas en comida para perros. Esta última, las más graciosa de las cuatro, tiene también otra gloriosa persecución donde Wallace termina en una motito llevando encima varias ovejas.
Y qué pasa en la última?: Wallace ha encontrado la forma de explotar la obsesión del pueblo por un concurso anual de verduras gigantes armando una compañía dedicada al control de plagas, en este caso conejos. Muchos. Pero como es un hombre de buen corazón, no se deshace de las criaturitas sino que las esconde en su casa. Cuando la población conejil comienza a ser un problema, Wallace cree encontrar la solución en un aparato de control mental (bah, lavado de cerebros) en el que implantará en los conejitos su aversión a las verduras. Claro que esto sale mal y se encuentra con un conejo monstruoso (el Were-Rabbit del título) y otro mutante que agarra modismos de su personalidad. Su honor se encuentra en juego ya que la bestia arrasa con las cosechas de sus vecinos, a su vez que la organizadora del evento (y última conquista) Lady Tottington, al complicarse la situación del concurso, considera emplear las armas propuestas por el vividor Victor.
Lo que siempre sorprendió de los episodios de Wallace y Gromit más, allá de ser la animación con plastilina más sorprendente existente hasta ahora, era su capacidad de crear un mundo con un realismo mágico totalmente sencillo y creíble, credibilidad que se pierde en ésta última donde las situaciones son forzadas, la lógica mágica se disuelve y los recursos son reciclados. Es muy triste ver la repetición del recurso de la persecución en avión de "A close shave" donde Gromit con un botón transforma una parte de la moto en un avioncito para perseguír al perro enemigo, y en ésta simplemente hace volar un avión de juguete de una feria... para perseguír al perro enemigo. Las referencias a géneros como el cine B se encuentran un poco metidos con presión e innecesarios, incluso cae en clisés imperdonables en una película infantil a estas alturas: la supuesta muerte de Wallace con una extraña resurección a base de queso. Una lástima
Un tema aparte es la adaptación. Si bien no llegué a ver la copia en inglés, todas las películas anteriores las había visto en español, y en ésta última se destacan negativamente aquella idea estrafalaria de cambiar los nombres de los personajes por supuestos "equivalentes" en español, por ejemplo Victor de los Bosques por Victor Quartermaine (?) y una tal Señora Pajotes (que suena bastante mal). Otra cosa sumamente molesta es la incorporación de modismos mejicanos, ausentes en las traducciones anteriores, por ejemplo "compadre" en vez de "amigo". Resulta bastante chocante escuchar a Wallace diciendo "de pelos", lo mismo que le resultaría a la audiencia mejicana escucharlo decir "copado".
Dudo mucho que ésta película gane los premios que cosecharon las anteriores. Y con razón.

Conclusión: la película como producto infantil funciona, pero como película de Wallace y Gromit decepciona

más sobre Wallace & Gromit

El Aura

2005-10-29T18:40:00.000-03:00

Momentos borgianos.

Esteban Espinosa ( Ricardo Darín) un epiléptico taxidermista con la obsesión de cometer un robo y con su vida matrimonial hecha pedazos es invitado por otro taxidermista amigo a cazar ciervos al Sur. La esposa de un tal Dietrich (Dolores Fonzi) los recibe en sus cabañas. El inexperto Espinosa mata a Dietrich por accidente en el bosque. Su amigo golpeador de mujeres (Alejandro Awada) debe regresar con urgencia a Bs. As. Dos matones llegan buscando a Dietrich. Primer momento tenso. Espinosa decide hacerse pasar por amigo de Dietrich y junto con ellos y el hermano de la esposa de Dietrich planean el robo a un casino.
El aclamado director de Nueve Reinas , Fabián Bielinsky vuelve al ruedo con un policial escrito por él. Al igual que en su antecesores se apoya en la densidad de sus guiones, en las vueltas complejas y múltiples de sus tramas y en elementos simbólicos cada vez más fuertes. Dos ideas rectoras le dan consistencia a este film. Una de ellas es la idea de aura no sólo como un momento clave de todo ataque epiléptico sino como un instante de cambio en que puede vislumbrar el paso en silencio del universo. Con un sentido muy borgiano que también le da una visión laberíntica. El aura es circular. La película es circular. El instante es eterno. Tan eterno como la duración del film.
La otra idea es el aura como ese elemento invisible que nos acompaña y nos define. Como una sombra de perro-lobo que acompaña al protagonista. Como la sombra de cuchillero de Borges.
Notable trama simbólica que se apoya en recursos y lenguaje básicos pero efectivos. Vale la pena este Aleph cinematográfico. He dicho.

Conclusión: Un momento tenso e intrigante

The edukators (Die Fetten Jahre sind vorbei)

2005-10-16T19:45:00.000-03:00

¿Amor libre revolucionario?

¿Es posible plantear la profundidad de los clises? Este film se lo propone. Dos jóvenes Jan (Daniel Brühl ) y Peter (Stipe Erzeg) se dedican a entrar durante la noche a mansiones de millonarios y desordenarles los muebles sin robarse nada. El mensaje: Los edukadores los han visitado, ya no están seguros y no podrán seguir ignorando las graves desigualdades sociales de nuestro tiempo. Pero los muchachos también trabajan. Peter parte de vacaciones y le pide a Jan , muchacho hosco y problemático que ayude a su novia Jule a limpiar el dpto de donde ha sido desalojado.Y claro, ambos se enamoran. La chica esta hasta el cuello en deudas y convence a Jan de que ambos ejecuten la proxima misión de los Edukadores en la casa de su acreedor, un tal Hardemberg (Bhurghart Klaubert). Pero este los descubre y junto con Peter deciden secuestrarlo. La trama política se mezcla con los problemas amorosos.
El triángulo era previsible. La trama reedita y crítica la ingenua visón revolucionaria de los 60 y 70. El director realiza un notable trabajo en los primeros 40 minutos del film, incluyendo una muy lograda secuencia de títulos. Las intenciones eran buenas, pero ya se sabe que el Infierno esta tapizado de buenas intenciones. El film falla en su resolución y por momentos pierde ritmo. Los Edukadores es un film que trata de utilizar y resignifcar cliches desde un trama intimista y verosímil. Por momentos lo logra, pero al guión le falto algunas vueltas más. El director arranca con planos audaces y lenguaje rupturista y termina siendo el más clásico entre los clásicos. ¿Será como dice Hardemberg, que la revolución es sólo una etapa de la juventud y que cuando uno crece vienen las deudas, los créditos, las responsabilidades y el aburguesamiento? Así parece.
Con todo este film es recomendable. El lector podrá abandonar la sala reconciliándose con el extraño de pelo largo que todo llevamos dentro. He dicho.

Conclusión: Con las mejores intenciones

Guardianes de la Noche (Nochnoi Dozor)

2005-10-12T17:49:00.000-03:00

Fantasía y acción rusa

¿Qué pasaría si se cruzaran los conceptos de irrealidad de Matrix con un protagonista con características de John Constantine y un director con aspiraciones de Junet en " La Ciudad de los niños perdidos"?.
En principio un producto irregular, pero uno que vale la pena ver.
En "Guardianes de la noche" se nos presenta un pasado mítico en el cual se plantea una lucha sin fin entre el bien y el mal. El bien se encuentra liderado por el justo Boris Geser (Vladimir Menshov), capaz de llorar al ver una matanza desenfrenada. En el otro lado del ring el maquiavelico Zavulon (Victor Verzhbitski) quien se relame con el desastre. Cuando en una portentosa batalla las fuerzas contrarias lo único que losgran es anularse mutuamente, se llega a un armisticio: ninguno podrá desde entonces inclinar directamente hacia un bando o al otro a la humanidad. Para ver que ésto se cumpla las fuerzas de la luz cuentan con los "Otros", seres humanos con capacidades nada humanas que patrullarán las calles de Moscú. Así quedan conformados los Guardianes de la Noche.
Pero hay una profecía que anuncia la llegada de un "Otro" superior que será tentado por ambas partes y finalmente romperá el equilibrio con su decisión.
Nuestro protagonista, Anton Gorodetsky (Konstantin Khabensky) es un hombre común y corriente que descubre el mundo que se encuentra al filo de la realidad, y entonces se verá sumergido en un mundo de vampiros, maldiciones, conspiraciones y algún que otro subte abarrotado.
La película entonces si bien es entretenida tiene algunos problemas de ritmo irregular, junto con un director con demasiadas ganas de emular estilos ajenos sin lograr encontrar el propio. La trama es interesante, pero pareciera que algunos problemas de adaptación no fueron bien solucionados, llevando en ciertas ocasiones a confusiones innecesarias. Sin embargo es muy sólido el mundo fantástico planteado y su relación con el mundo real. Como película fantástica no se puede negar el toque novedoso que significa su origen, si bien la voz en off en inglés al principio es totalmente innecesaria.

Conclusión: Exótica
.. y hay secuela

sitio oficial

Tiempo de Valientes

2005-10-06T13:19:00.000-03:00

Resucitando la extraña pareja

La nueva película del creador de "Los Simuladores" y la regular "El fondo del Mar" nos acerca la historia del psicólogo Mariano Silverstein (Diego Peretti) quien se ve obligado a cumplir una condena con trabajo comunitario, esto es brindar sus servicios en una especie de terapia ambulatoria acompañando al detective Alfredo Díaz (Luis Luque) en sus tareas diarias. Díaz presenta un trauma por el abandono de su mujer, lo cual se refleja en su trabajo. Juntos se verán involucrados en la investigación de la desaparición de un misterioso cargamento. Hasta ahí nada nuevo, pero "Tiempo de Valientes" se atreve a incursionar en un género típico del cine estadounidense logrando adaptarlo y conectarlo a situaciones fácilmente reconocibles para el espectador argentino. A partir de ahí el producto se vuelve desopilante, con más de una referencia a las películas de las que toma partido, logrando asi una comedia policial con escenas de acción muy bien realizadas, malos muy malos y buenos con sus falencias pero queribles.
La segunda película de Szifrón muestra al director más cómodo en el medio, manejando mejor los ritmos, armando personajes sólidos y creíbles y logrando un resultado más que aceptable, esto es darle al público 110 minutos de diversión bien pensada. Esta es una muestra más del cine argentino pensado para entretener, pero sin ser necesariamente bobo. Bien demuestra que existen puntos medios entre la pretensión del cine arte argentino que no supera sus aspiraciones europeas (La niña Santa y un sinfín de bodrios) y la producción vacía de contenido a cargo de un par de caras conocidas que lo único que puede aspirar es a un montón de anónimos diciendo que la vieron, sólo para salir en la tele (Papá se volvió loco, Peligrosa Obsesión y otros desperdicios de fílmico).

Conclusión: Vale la pena

para más info y trailers

Iluminados por el fuego

2005-09-14T15:56:00.000-03:00

Interiorizando el desastre

Nací en Mayo de 1980, no tengo memoria alguna de la Guerra de las Malvinas y crecí en principio con la idea de que en algún momento, mientras era chica, hubo una guerra. En principio la primera idea asociada desde mi niñez es el feriado. Con los años también asocié la idea de muchos chicos jovenes mandados a las islas por un gobierno de facto encabezado en ese momento por un borracho. También hay monumentos a caídos, un himno, problemas diplomáticos y hombres pidiendo una colaboración en el tren.
"Iluminados por el fuego" es un film que finalmente deja dos niveles de lectura separados y en cierta forma contradictorios. Por una parte es una película bélica, que cumple con absolutamente todos los lugares comunes del género, no escatima los golpes bajos y tiene un reparto que saca adelante personajes no muy delineados lo mejor que puede. Por el otro lado es de una excelencia técnica jamás vista en el cine argentino. Más allá de sus falencias de todo tipo "Iluminados.." cumple un cometido muy loable, que se convierte en su punto fuerte, nos transporta a todos, a los que la recuerdan y principalmente a los que no, a lo que fue estar realmente en las Islas Malvinas en aquel momentos. Recrea el espanto de la guerra en el frente con una materialidad pasmosa. Lo que diferencia a ésta película bélica de otra, es que justamente es nuestra, no se trata de soldados entrenados para defender la libertad y el american way of life, sino chicos, chicos comunes muertos de frío, hambre y principalmente miedo. A través de los ojos de Esteban Leguizamón (Gastón Pauls), quien comienza a recordar su tiempo en el frente a partir del intento de suicidio de un compañero, vivimos la experiencia espantosa de una guerra marcada por la estupidez. Nuestra estupidez.
En si, como ya mencioné, esta es una película que como film presenta una factura técnica impecable en oposición a un guión inconexo y desperdiciado, cargado de bajadas de línea innecesarias y golpes bajos más que fuera de lugar, entre los que destacan la espantosa canción de Leon Gieco que se siente como una puñalada por la espalda y una falta de respeto a la audiencia. Pero como experiencia que refleja el error y horror de ésta guerra en particular, es impecable.

Conclusión: A pesar de sus errores, necesaria.

La suerte está echada

2005-09-08T14:02:00.000-03:00

Aquél impronunciable...

Hay un tipo de excluído social del cual los noticieros no se ocupan, los medios no suelen nombrar y mucho menos la gente común. Es un tipo de paria que carga con el peso de ser nunca bienvenido y siempre inombrable: el mufa. Aquel que carga con el peso de ser mufa se sabe rechazado en cualquier tipo de actividad social, y ni hablar si se trata de conseguir trabajo. El ambiente artístico es un ambiente supersticioso y a los mufa se los define rápido y se los aisla con aún mayor velocidad. Esto es lo que descubre Felipe (Marcelo Mazzarello), actor de teatro que por azar de la vida descubre que de un día para el otro tiene la capacidad de atraer la desgracia para aquellos que lo rodean. Si bien en principio todo parece ser simple mala suerte, pero al quedarse sin trabajo y correrse la voz, Felipe descubre que es posible que el destino esté en su contra. A menos que pueda encontrar una solución algo que parece no tenerla.
Guillermo (Gastón Pauls), el medio hermano de Felipe, tiene razones para sentirse desgraciado también. Un auto suena en la esquina de su departamento todas las noches y no lo deja dormír. Al llegar tarde al trabajo demasiadas veces es despedido. Y su novia lo deja. Y la empresa le paga un porcentaje importante de su indemnización en especies.
Entonces el padre de ambos, internado en un geriátrico, los junta con un último pedido estrafalario.
Rodeado de un tremendo humor negro y algunos toques dramáticos un poco intensos para el tipo de clima que se plantea, la ópera prima de Sebastián Borensztein (ya con una trayectoria marcada en la televisión), divierte y sorprende con el nivel de acidez y ciertas situaciones woodyallenescas en su absurdo que transforman a la película en un producto divertido y con momentos memorables. Si bien Marcelo Mazzarello es un poco rígido en su actuación la variedad de situaciones por las que su capacidad de imán para la mala suerte lo hacen pasar, hacen que ésto se pueda pasar por arriba sin mayores dificultades. El ritmo en general es bueno, salvo en aquellos puntos dramáticos , un poco anticlimáticos, donde la partitura de Alejandro Lerner empalaga. Por lo demás es una comedia muy divertida, con clásico cameo del director incluído, recomendable para ver entre amigos riendose un buen rato y recordando a aquél pobre mufa (todos hemos conocido alguno) tratando de no nombrarlo. Ni en el pensamiento.

Conclusión: Para reírse y tocar madera

La ciudad del pecado (Sin City)

2005-08-18T12:46:00.000-03:00

..Salpica

La industria cinemátografica estadounidense cuenta en su haber con varias adaptaciones de diferentes comics, algunas más certeras que otras. Hasta ahora todas se habían basado en el comic más clásico, basado en superhéroes con diferentes poderes / trajes / traumas, pero es recién ahora que se abren del mundo de los Marvel y DC más tradicionales y se asoman a ese otro comic, con un público adulto y con contenidos totalmente diferentes que ha sido llamado "novela gráfica" y que ha revolucionado y renovado el mundo de las historietas. Uno de los mejores representantes de esa renovación es el artista y guionista Frank Miller. Una de sus obras emblemáticas es la que el guionista y director Robert Rodriguez decidió adaptar, comenzando con una excelente decisión: respetar el lenguaje visual característico de la obra y "adaptarlo" al lenguaje del cine. Para ello codirigieron juntos la película a fin de lograr una armonía entre los dos lenguajes. Y quién mejor para traducir la mancha de Miller que el "loco por los efectos" (Lucas no es el único) Robert Rodriguez, basta recordar su trilogía infantil "Mini Espías" y su cierre del mariachi con "Erase una vez en México". Más alla de la calidad de los films en sí mismos, es indiscutible que Rodriguez tiene pasión por lo visual. Y por la sangre (cuando no filma aventuras infantiles por supuesto).
Esta fusión absoluta entre el dibujo de Miller y la cámara de Rodriguez desembocan en un producto sorprendente por donde se lo mire, con una fidelidad absoluta al guión (hasta donde la adaptación cinematográfica lo permite), y un ritmo que no decae.
Y a todo esto, de qué va la película?
"La ciudad del pecado" cuenta tres historias paralelas que toman lugar en una ciudad corrupta hasta la médula, donde la violencia y la sangre están a la orden del día. En este infierno cargado de matices del policial negro nos encontramos con la historia del policía bueno (Bruce Willis) que arriesga todo para evitar que un depravado abuse de otra niña más, con el matón deforme pero de buen corazón (un resucitado Mickey Rourke) que pondrá patas para arriba a la ciudad a fin de encontrar al asesino de la única mujer que le dio una noche de amor, y finalmente a un hombre metido en una situación desesperada (Clive Owen) cuando trata de defender a su pareja de un ex novio abusivo (Benicio del Toro) y desata un incidente que podría acabar en una guerra sangrienta entre las prostitutas, la policía y los mafiosos de siempre.
Lo interesante de esta película es que logra un equilibrio entre un poderoso lenguaje visual y un guión sólido, caracteristica en peligro de extinción cuando cada vez son más los productos que se apoyan en lo visual desmereciendo la columna vertebral para el conjunto que es el guión. Como adaptación de un comic, es la única que ha logrado trasladar el lenguaje característico de la historieta al cine, respetando el carácter de la obra y logrando un producto que finalmente deja completamente satisfechos tanto a los seguidores del comic original como al público que busca un entretenimiento interesante.

Conclusión: Para no perdersela

Charlie y la fábrica de chocolate (Charlie and the chocolate factory)

2005-08-12T13:21:00.000-03:00

Castigando pecados capitales infantiles

La nueva adaptación del clásico de Roald Dahl nos presenta la historia con tintes de cuento de hadas de Charlie Bucket, un chico más que pobre y más que bueno, a quien se le da la oportunidad junto con otros cuatro chicos (ya no tan buenos) de conocer la mítica y misteriosa fabrica de chocolate del extraño Willy Wonka. Cada chico representa en sí los defectos posibles en un niño. Se encuentran entonces: el goloso sin límites Augustus Gloop, Violet Beauregarde como la pequeña trepadora fruto del exitismo de su madre, el soberbio sabelotodo Mike Teavee, representante de una generación que da por sentado el conocimiento tecnológico, y finalmente la malcriada y consentida en extremo Veruca Salt, una auténtica caricatura de los extremos a los que puede llegar el egoísmo infantil. Todos ellos ingresan en la fábrica codiciando un misterioso premio final, todos menos Charlie por supuesto. Recibidos por un raro personaje quien resulta ser el dueño de la fábrica, recorrerán las instalaciones, donde cada uno sera tentado según la debilidad de su carácter. Un plus son los obreros idénticos, los clonados Oompa Loompas, cuyas coreografías son uno de los puntos más altos de la película.
La historia entretiene a chicos con su despliegue visual y la facilidad de identificación con los personajes infantiles, y a grandes con varios gags surtidos que distraen de la irrealidad un poco exesiva para el adulto promedio.
El Willy Wonka de Jhonny Depp es el mejor representante de la realización del director Tim Burton en éste film. Llama la atención, no se termina de entender y en el mejor de los casos, es correcta.
Burton se encuentra en un momento muy particular para un director. Está tratando de reinventarse a sí mismo luego de haber quemado todos sus cartuchos en "La leyenda del jinete sin cabeza". Buscando un equilibrio entre el cine comercial y su expresión indivudual, "Charlie.." comienza con un estilo típico del director, con más de una referencia a "El joven manos de tijeras", pero se pierde en la puesta visual y los efectos que varian de buenos a directamente malos. Se encuentran al principio las típicas obsesiones del director: las espirales en la puesta en escena, los personajes inadaptados, las perspectivas retorcidas que los representan, las figuras de autoridad conflictivas (y actuadas por algún pope del cine clásico de terror) y la aparición de su mujer en un papel secundario (desde Big Fish se trata de la muy británica Helena Bonham-Carter, dejando de lado a la extraña Lisa Marie), pero avanzando la historia pareciera licuarse y perder identidad. El retoque de color por algunos momentos es demasiado evidente, como en el caso de la tez tétrica de Willy Wonka que parece estar recortado todo el tiempo. Habrá que ver, en futuras películas, si encuentra el equilibrio finalmente o termina convirtiendose en una sombra de sí mismo.
Todo esto no necesariamente descalifica a la película.
Si bien se siente un poco larga, es ideal para niños (y golosos) de cualquier edad, si bien como obra del director es menor.

Conclusión: Empalagosa pero digerible
(quiero un oompa loompa)

Elsa & Fred (ídem)

2005-08-12T13:19:00.000-03:00

Soledades encontradas

Elsa es una señora mayor, vive sola entre las visitas al médico, la sobreprotección de un hijo y los saltos financieros de otro.
Alfredo, mayor también, acaba de enviudar y se muda a un departamento junto con su perro Bonaparte y la foto de su mujer. También vive sólo, a merced de una hija controladora y de los fantasmas de la viudez.
Elsa es activa, descarada y mentirosa.
Alfredo es solitario, hipocondríaco y está deprimido.
Elsa y Alfredo son vecinos.
El sueño de toda la vida de Elsa es entrar en la Fontana di Trevi, emulando "La dolce vita". Esto dará pié a algunas de las más divertidas situaciones a lo largo del film.
Nos situamos en Madrid, pero bien podría ser cualquier ciudad, como buena comedia romántica el lugar es sólo un marco para una historia con la suficiente carga de lugares comunes como para que el espectador se identifique facilmente y pase un buen momento.
Lo que destaca a ésta comedia de otras son sus protagonistas, si bien posee todas las características típicas del género, que ellos se encuentren en la tercera edad agrega un soplo refrescante y demuestra de forma entretenida y sin golpes bajos, por más trillado que sea, que no hay edad para el amor.
La historia nos lleva por la relación de estos personajes contradictorios con varias sonrisas y una buena porción de carcajadas. Las actuaciones de la siempre excelente China Zorrilla como la tremenda Elsa y de Manuel Alexandre como el parco Alfredo son más que convincentes y se adaptan perfectamente a las diferentes situaciones que marca el ritmo de la comedia y sus pequeños toques dramáticos. Cabe destacar la perfecta simbiosis entre la comedia romantica y la profundidad de los personajes que agregan a las situaciones marcadas por el género, las propias de la edad de los protagonistas.

Conclusión: Para disfrutar sin límite de edad

La Caida (Der Untergang)

2005-08-07T19:39:00.000-03:00

¿Humanizando al monstruo?

Toda buena película basada en hechos históricos debe presentar tres versiones: la real , la ficticia y la polémica. La Caída, con un genial Bruno Ganz en el papel de Hitler, narra los últimos días de la vida del Fuhrer en su bunker mientras Berlín es asediada por el ejército ruso. La historia es narrada desde el punto de vista de Traudt (su joven secretaria), y de dos generales de la Wehrmacht que intentan tener un final digno de resistencia frente al inevitable desenlace. El film, sin embargo, termina siendo muy largo y llega a caer en algunos golpes bajos innecesarios.
La visión real de los hechos es soberbia. A pesar de estar basada en la entrevista a la anciana secretaria realizada en el 2000 , evita tener un único punto de vista y se construye con la ayuda de datos sólidos sobre el interior del bunker y muestra un estudio minucioso y detallado no sólo de la personalidad de Hitler sino también de la naturaleza de los órdenes totalitarios. Impresiona el enfoque piscologista que golpea al espectador con un Hitler patético moviendo en un mapa unidades inexistentes y reclamando un contragolpe imposible contra el ejército de Zukhov. Batallas en las calles de Berlín e inclusive la última aparición pública de Hitler condecorando a los jóvenes defensores de Berlín que atacaban con bazookas a los tanques soviéticos fueron reconstruidas con notable precisión y gran realismo.
La ficticia no es tan acertada. Al relato del derrumbe , le sobrepone una trama paralela y esperanzadora de un joven que pelea en la Juventudes Hitlerianas y termina desertando y ayudando a otros a escapar. Pero esta es una innecesaria dosis de esperanza que arruina el soberbio clima descrito anteriormente. Hay también algunas imprecisiones históricas.
La versión polémica era, en cierto modo, previsible. El film se propone reflexionar acerca del clima de decadencia final y la naturaleza de las sociedades totalitarias, a través de tomar la figura de Hitler de un modo más exacto y humanizado. Pero, claro, "humanizar al monstruo" fue para algunos sectores de la crítica, el Sionismo y la opinión pública algo similar a simpatizar con el Nazismo. Cosa que la película jamás hace, pero tampoco cae en los clisés innecesarios y deformantes . Se nos muestra un Hitler humano, capaz de delirar paranoicamente de traiciones por cada lógico fracaso de un ejército falto de recursos, de gesticular maniáticamente y, lo más interesante y poco explorado por la literatura histórica y menos aún por la filmografía, el grado de alienación al que lo sometía su Estado Mayor y su círculo más íntimo, entre ellos Himmler y Goebbels. Pero también aparece un Hitler capaz de tratar con cariño y respeto a su secretaria y esposa, de ser cariñoso y juguetón con su mascota y de valorar a sus semejantes.
Theodor W. Adorno, figura central de la Escuela de Frankurt y uno de los más lúcidos críticos del III Reich (razón por la cual debió huir a Estados Unidos) , escribió allá por 1945 una tesis acerca del funcionamiento de la TV en EE.UU. (Televisión y Cultura de Masas ). Cabe volver a algunas de esas líneas en donde critica el uso de clisés ""El dictador no es más que un mal hombre, pomposo y cobarde. Parece proceder con suma estupidez; no sale a flote nada relativo a la dinámica objetiva de la dictadura. Se crea la impresión de que el totalitarismo surge de desórdenes caracterológicos en políticos ambiciosos y de que es derrocado por la honradez, el coraje y la calidez humana de aquellas figuras con que se supone que se identificará el auditorio. (..) Esto no sólo aleja toda cuestión social concreta sino que afianza la división del mundo , psicológicamente tan peligrosa, en negro (el grupo de afuera) y blanco (el grupo de adentro). (..) Más opaca y compleja se vuelve la vida moderna y más se siente tentada la gente a aferrarse desesperadamente a clisés que parecen poner algún orden en lo que de otro modo resulta incomprensible. De este modo los seres humanos no sólo pierden su auténtica capacidad de comprensión de la realidad, sino que también en última instancia, su misma capacidad para experimentar la vida puede embotarse mediante el uso constante de anteojos azules y rosados.( 2000:24-26, Ed Lunaria) Profético. Ya Adorno se manifestaba preocupado por convertir a los dictadores en figura de clisés, sin profundidad, pero, peor aún, sin ofrecer al público elementos de análisis o al menos de incomodidad para plantearse críticamente la naturaleza de los órdenes totalitarias para evitar que se repitan en el futuro. Y también para la realidad contemporánea, donde muchas veces, no se necesita una bandera con una esvástica para cometer atrocidades etnocentristas.
La Caída es , en líneas generales una película cuyos méritos cinematográficos no son tantos, pero lo audaz de su planteo los recursos que intenta movilizar, como la falta de un narrador fijo y el énfasis en el entorno por sobre las personas, hacen de ella una cita imprescindible. He dicho.

Conclusión: Adiós a los clisés, bienvenido al duro ejercicio de pensar.

Madagascar (ídem)

2005-07-25T18:34:00.000-03:00

I like to move it move it..

La última producción del estudio de animación de Dreamworks divierte. No tiene una trama complicada ni mucho menos existencialista, pero cumple en mantener a la gente en la butaca feliz y con más de alguna risotada de por medio. Y eso no es poco.
Alex el león egocéntrico, Gloria la hipopótamo despreocupada, Melman la jirafa hipocondriaca y Marty la cebra con problemas de identidad, son las estrellas mimadas del zoológico de Nueva York. Como animales criados en cautiverio, no tienen idea de lo que es el mundo afuera de las rejas. Cuando Marty cumple diez años y entra en una crisis de la mediana edad, se une en un escape pergueñado por unos pingüinos delincuentes. Tras el desastre del fallido escape los cuatro amigos junto con los pingüinos y un par de monos son deportados, es decir devueltos, hacia el Africa. El viaje se complica y terminan varados en una isla habitada por una comunidad de lemures parranderos, acosados por unos bicharrejos poco inteligentes, presumiblemente hienas, a los que llaman Foosas. Toda la situación está plagada de juegos de palabras, gags al mejor estilo cartoon, momentos desopilantes y cantidad de referencias a películas. El resultado es entretenimiento puro, del más volátil, e ideal para pasar un buen rato entre carcajadas y animación fantástica.
Para lograr óptimo resultado, por supuesto hay que ver la copia en inglés, con las excelentes voces de Ben Stiller como Alex (el pobre enfermero de "El padre de la novia"), Chris Rock como Marty (el detective Lee Butters en Arma Mortal 4), Jada Pinkett Smith como Gloria (y como Annie en Colateral y Niobe en Matrix Revolutions), y finalmente David Schwimmer como Melman (el lacónico Ross de Friends).

En conclusión: Material altamente hilarante

Batman Inicia (Batman Begins)

2005-07-25T17:36:00.000-03:00

Más de 600.000 fanáticos servidos

Bienvenido a Mc fanservice, podemos ofrecerte una historia concebida para que vos FAN lo disfrutes, con autenticos guiños y saltos argumentales para que VOS conocedor te encuentres en tu jugo, y por supuesto quieras volver, porque acá en Mc fanservice siempre queremos... una secuela.
En el menú tenemos un millonario traumado (con novia hot de la infancia incluída), un maestro/figura paterna que lo guiará por el buen? camino, un villano declarado que hace a la vez de intento de figura antagónica, y.. un batimovil cruzado con un tanque feo. Y por lo demás, conflictos de identidad, cruces de figuras paternas, ritos iniciáticos, luchas entre alumno y maestro (una más y van...), villanos escondidos, traiciones, amores depechados, un poco de acción y una banda de sonido desastrosa.
La película cuenta cómo Bruce Wayne (Christian Bale) abandona su vida acomodada y se retira en busca de esclarecer el objetivo de su vida. En un momento de su viaje intempestivo se encuentra con un señor que dice ser parte de una organización que combate la injusticia y que puede entrenarlo. Bruce se queda un tiempo con las huestes encapuchadas de Ra's Al Ghul, y finalmente vuelve a Ciudad Gótica donde asumirá su alter ego oscuro y alternará su vida de play boy con sus cacerías nocturnas.
Luego de la impronta que manejó Tim Burton en las primeras dos películas ("Batman" y "Batman Vuelve"), totalmente destruída por Schumacher en las nefastas "Batman Eternamente" y "Batman y Robin", no era tarea fácil levantar el muerto que significaron. En manos del hábil Christopher Nolan ("Memento"), vuelve la oscuridad y el trasfondo psicológico en oposición al glam y la cuerina al por mayor de las anteriores. Si bien el trabajo del director es correcto, el guión desperdicia completamente al complejo villano que es "el espantapájaros" y su tema central del miedo, que por mucho mencionarlo no lo hace más profundo. La película tiene un punto muy débil por el que simplemente sólo puede ser disfrutada y comprendida por aquellos conocedores del cómic. Para el resto de la plebe se trata de una cinta un poco larga y sin más significación. No llega a ser entretenida, las secuencias de acción son confusas y las reflexiones de los personajes intracendentes. Con un final más que abierto, la secuela lamentablemente es inevitable.

En conclusión: ¿Quiere su combo con un villano por 50 centavos?

Gente de Roma (Gente di Roma)

2005-07-11T19:55:00.000-03:00

Buscando al romano promedio

Esta obra que en principio aparece catalogada como documental, y que sin embargo pasea tranquilamente por el terreno ficcional, pareciera más una serie de pequeños cortos (muy cortos) que pretenden retratar la diversividad de la vida que se da en Roma. El hilo conductor es un colectivo que pasea por diferentes lugares en su trayecto diario y que, en cada parada, nos presenta alguna situación más o menos creíble de algún personaje. Están los viejos, está el calcio (fútbol), están los bares y en teoría está la gente. El problema principal de las pequeñas historias que se presentan es que muchas veces caen en los lugares comunes y en lo esperado, sin sentirse realmente representativas, es decir, situaciones de discriminación, vejez, enfermedad, riqueza y pobreza, bien se dan en todas las ciudades. Entonces, ¿dónde está Roma?. ¿Cuál es la intención de su director/guionista Ettore Scola?.
El problema es que el entorno de por sí no define a la gente, sino es la gente la que forma a la ciudad. Las situaciones siendo tan generales, atentan contra el concepto original, si bien es cierto que en algunos casos se ve el romano, la gran mayoría son situaciones forzadas para llenar el imaginario personal del director.
Otro caso aparte es la música que suena como el principio de una lección auditiva de idioma...

Conclusión: Paseo insulso

Melinda y Melinda (ídem)

2005-06-30T16:16:00.000-03:00

Dividiendo la neurosis

¿Cuál es el límite entre la comedia y la tragedia?. ¿Son sólo puntos de vista de una misma situación o acaso la vida misma no es el centro de diferentes situaciones donde la diferencia entre una y otra es borrosa?. Estas son las preguntas que se plantean cuatro de esos habitantes típicos de la Nueva York de Woody Allen una noche en un café, donde un escritor de dramas y uno dedicado a las comedias deciden mostrar su punto de vista acerca de una misma situación: una mujer que interrumpe de golpe una cena importante de unos conocidos.
La premisa no es mala y quizás si el responsable hubiese tenido algunos años menos podría no sólo haber llegado a buen puerto sino además haber dicho algo realmente importante sobre el tema.
La verdad sea dicha, el Woody Allen actual no funciona. La idea de crear una película anual no es mala, sin embargo bien sabido es que siempre es preferible la calidad sobre la cantidad, y llegando casi a las 40 películas en su haber, sería hora de seriamente plantearse el retiro.
Pocos saben retirarse en gloria, y este señor no es uno de ellos. Sus últimas películas, ésta por supuesto incluída, sólo han logrado ser una repitición pobre de ideas que antaño funcionaron, pero que la repetición han vuelto obsoletas. La triste intención de renovar simplemente desde las caras y no desde el guión, sea el caso de la aburrida "La vida y todo lo demás" y de la intrascendente "Melinda & Melinda", sólo logran resaltar la falta de creatividad e empuje que caracterizan la obra de éste director en los últimos años.
La película entretiene un poco y quizás arranque algunas sonrisas en algún gag desesperado, pero nada más.

Conclusión: Obsoleta

La casa de las dagas voladoras (Shi mian mai fu)

2005-06-20T13:45:00.000-03:00

En un bosque de la China.....

El año pasado muchos nos sorprendimos gratamente con "Heroe" de Zhang Yimou . Hasta entonces, la filmografía de Zhang Yimou en Occidente había sido distribuida bajo el hilo conductor de dramas intimistas (Judou, Esposas y Concubinas, La Reina de Shangai entre otras). Sorprendía la versatilidad de este joven director chino, a la vez que combinaba lo último en efectos especiales de lucha con un drama histórico. Pero aún faltaba ver La Casa de las Dagas Voladoras.
Leo (Andy Lau), un joven oficial del ejército imperial busca el paradero del jefe de la casa de la Dagas Voladoras que, cual Robin Hood, roba a los ricos para distribuir a los pobres. En una casa de placer da con uno de sus miembros, la ciega Mei (Zhang Ziyi) (que a pesar de ser no vidente danza y lucha como los dioses) y la captura. Luego urde un plan para seguirla, simulando un rescate a manos de uno de sus oficiales Jin (Takeshi Kaneshiro), quien tiene fama de hábil guerrero y conquistador de mujeres: debe sacarla de la prisión y que ella los lleve a la guarida de las Dagas. Una sola cosa: no debe enamorarse de ella.
La película combina acción con drama amoroso en el marco de un ágil relato que se sostiene y anima al espectador más allá del choque cultural. Yimou muestra su evolución como director. Mantiene la trama simbólica y las ideas rectoras de su filmografía con recursos renovados. Sigue con sus laberintos chinos de paredes estrechas y espejos, pero abandona los interiores y se las arregla para lograr el mismo efecto con bosques y hasta con planos largos en exteriores. Los protagonistas siguen encerrados en esos laberintos donde abundan los espejitos chinos de pacotilla que ocultan dramas de tensión angustiante. El personaje de Mei es una de las más lúcidas representaciones de la figura mítica de la zorra, tan cara a las leyendas populares chinas. Por momentos el film adquiere cierta espectacularidad visual que recuerda a los mejores momentos de Ridley Scott. Las coreografías de lucha son soberbias, rescatando lo mejor del espíritu tradicional de los movimientos Wu-Chu con la impronta de Crounching Tiger, Hidden Dragon. Todo eso en un espléndido manejo de escenarios, montados y naturales, que recuerda la parsimonia y estilo de Akira Kurosawa, de quien el mismo Yimou se reconoce "discípulo" .
Un notable film, muy recomendable. Tanto para quienes deseen aproximarse a algunas de las más importantes tradiciones de la mitología y el saber popular de China como para aquellos que deseen seguir la interesante evolución de la obra de magnífico director chino. He dicho.
(colaboración de Butlerian_Jihad)

Conclusión: ...Una gran película me encontré

Sr. y Sra. Smith (ídem)

2005-06-14T16:45:00.000-03:00

Porque te quiero, te aporreo

Lo que en un principio parece simplemente una película de sexo y balas, sorprende deviniendo en una comedia con más de una reflexión acerca de la convivencia matrimonia y los tires y aflojes que toda pareja transcurre para sobrevivir. La trama nos presenta a John Smith (Brad Pitt) y Jane Smith (Angelina Jolie) (una referencia al NN norteamericano John/Jane Doe) en plena sesión de terapia matrimonial con un psicólogo en off, quien nos lleva por la historia de esta pareja aparentemente aburrida en sus 5 o 6 años de matrimonio, con aires de los cincuenta en principio y poco para hablar. Tanto John, quien aparenta ser un empresario de la construcción, como Jane que pareciera ser una ingeniera en sistemas con reputación, esconden sus verdaderas identidades a su respectiva pareja: los asesinos a sueldo más peligrosos que ronden el suelo norteamericano. Como bien muestra el trailer, descubren que son contratados para matarse mutuamente. Y no hay más que eso, en principio, porque la película logra entretener de manera más que efectiva, con muy interesantes y originales entrecruzamiento de diálogos de la vida cotidiana en contextos más que hilarantes. Las referencias cinematográficas abundan, partiendo de "La guerra de los Roses", pasando por "Cuando Harry conoció a Sally", "Mentiras Verdaderas" y una brevísima referencia a "El club de la pelea".
El director Doug Liman ha traído un aire fresco al cine de acción, comenzando con la fabulosa "Identidad desconocida", donde incluye una persecución increíble en un mini destartalado. La capacidad de este director para mezclar situaciones cotidianas con impresionantes escenas de acción no decae en ésta película. Una de las mejores es, justamente, una persecución entre una "mini van" y tres bmw. El ritmo no flaquea, si bien la película podría ser un poco más corta.
En conjunto, la película entretiene y hace reír sin pretender ser más de lo que es: entretenimiento.

Conclusión: Una lección de tolerancia matrimonial

Episodio III, La venganza de los Sith (Episode III, Revenge of the Sith)

2005-05-23T14:55:00.000-03:00

Tratando de cerrar todo

Tras los desastrosos Episodios I y II, George Lucas se despacha con el cierre de su precuela, sin ahorrar esfuerzos en quedar bien con todo el mundo. A los fans les muestra finalmente la aparición del villano arquetípico tan esperado, Darth Vader, y a los críticos intenta entregarles un capítulo que intenta ser algo más que un manojo de espejitos de colores envueltos en una trama inexistente. Pero por momentos falla en lo más importante, entretener al público. Recurre una vez más en el error que se manifestó en las entregas anteriores. La antigua saga se definía basicamente como un producto de entretenimiento, desgraciadamente las precuelas prometen más de lo que entregan, y salvo por momentos de desmesurado despliegue, el resto es simplemente diálogo. Este caso no es la exepción, y tras las escenas de acción, incluso entre las mismas, aparecen otras que con un gran efecto anticlimatico nos muestra a dos o más personajes dialogando. Es notable como con los años Lucas olvidó que más allá de los efectos, sin ritmo (y obviando los serios problemas del guión) la película se cae.
La primera parte de la trama nos trae nuevamente a Anakin Skywalker, que de niño generado por una aparente concepción inmaculada (caramba), ha pasado a adolescente inseguro e inestable y de ahí a joven con pinta de bomba de tiempo sacudido por un entrenamiento Jedi que lo inclina a un autocontrol que no tiene y una amante que no puede reconocer como esposa ante el mundo (no, no es la telenovela de la tarde, es Star Wars). Cuando unos sueños de un futuro negro comienzan a perturbarlo, la caída del protagonista comienza, y por supuesto eso da pié a la parte más interesante de la película. Las largas intrigas palaciegas en la república comienzan a tomar forma y desembocan en la trampa mortal que lleva a la caída de los Jedis. Antes de todo, a favor de Lucas se encuentran un par de resoluciones para la caída del protagonista que son, si bien trilladas, agradablemente violentas entre tanto romanticismo. Otra cuestión es la capacidad de poner cara de malo muy malo de Hayden Christensen (Anakin), que casi logra que olvidemos lo mal que pronuncia sus líneas. Por otro lado, quien logra un excelente trabajo es Ewan McGregor (Obi-Wan Kenobi), en una gran imitación de la inflexión y modismos del Obi-Wan de Alec Guiness. Y eso es todo.
Episodio III entretiene, como las anteriores, en su despliegue de impresionantes escenarios y batallas generadas digitalmente, pero echa agua en la formación de los personajes, en la dinámica entre los mismos, y en la pobre dirección de Lucas, quien aparentemente entretenido con los juguetes que la tecnología le permite inventar, olvida el más simple uso del montaje cinematográfico. Si bien mi opinión puede parecer elitista, es completamente justificada ya que Lucas logró muy buenos climas de diversos tipos tanto en las viejas películas como en la famosa saga de Indiana Jones. A quien fue capaz de generar notables productos de entretenimiento bien se le puede exigir que minimamente mantenga la calidad.

Conclusión: Fan Service

Cruzada (Kingdom of Heaven)

2005-05-16T17:56:00.000-03:00

Snobismo hollywoodense

Hace ya un par de años, cuando vi Gladiador, me dije a mi misma que el director Ridley Scott estaba jugando con fuego, se zarandeaba temerariamente entre un mensaje metaforico a partir de la trama, y uno alegórico central que fuera vital para entender qué era lo que quería comunicar.
Más tarde vi "Hannibal", y como un adolescente en necesidad de probar sus límites, Ridley volvió a caminar por el abismo.
Predije entonces: en la proxima se cae.
Me equivoqué.
La proxima resultó ser la genial y refrescante "Matchstick Men" (conocida aca como "Los tramposos"), donde el director encontraba una armonía en su realización que hacia tiempo no se veia en su obra.
Sin embargo mi profecia erró por una pelicula.
Cruzada nos presenta al joven viudo herrero Balian, encarnado por el encasillado Orlando Bloom (sería hora de abandonar las espadas, no?), quien mientras sufre por su perdida mujer y es odiado por el pueblo, es abordado por un noble (en todo sentido, además del literal) caballero llamado Godfrey (Liam Neeson con su mejor cara de maestro Jedi). Lord Godfrey lo reconoce como único heredero y le ofrece llervarlo a un nuevo mundo, Jerusalem, donde cualquiera puede tener su tierra sin importar su origen.. aunque, obviamente él ahora tiene un título, así que las charlas de igualdad de clase son un poco innecesarias. En el camino Godfrey muere, el barco en el que viaja Balian se hunde en el medio de una tormenta, él y un caballo son los únicos sobrevivientes.. el caballo huye asustado.. pero aparece de vuelta en un oasis.. Balian aprende muy rapidamente cómo manejarse con las tramoyas políticas que lo esperan, llama notablemente la atención de la hermana del Rey de Jerusalem (casada con su enemigo automático Guy de Lusignan), se vuelve el favorito de dicho Rey, pero en su tierra es benévolo porque recuerda sus orígenes, más que suficientes con tantos años de herreria como para sacarle el jugo a sus kilómetros cuadrados de desierto y convertirlos en tierra fértil. ¿No será mucho?
Hasta acá falencias del guión, que más allá de ciertos aciertos históricos, cae en el mismo error que el director: olvidar el lenguaje en el que se está trabajando. Bien se sabe que la realidad supera a la ficción, y si bien muchos de los sucesos de la vida de Balian deben haber sucedido, cuando son bajados a nivel cinematográfico se vuelven un poco irreales. Así también la afición automática tanto de la princesa Sybilla (Eva Green y un montón de khol) y del Rey (Edward Norton y su máscara) se sustentan en el aire, la animadversión de Guy y Reynald (Brendan Gleeson) es digna de una película de Disney, donde los malos son muy malos y los buenos, más buenos aún.
Pero, aunque pareciera que sólo se encuentra un mensaje simple y directo entre tanto despliegue de producción: "la guerra es mala", Ridley Scott es un director con contenido, así que se decide a agregar profundidad al pastiche. Pero no funciona bien, porque lo hace utilizando mensajes alegóricos como pilar para el sentido de la película, mensajes que no son fáciles de decodificar y su carácter primordial para el conjunto hacen que su pérdida por el público desenboque en dos posibilidades. La primera es quedarse con el mensaje superficial y llegar a la conclusión de que el producto no es más que un simple y trillado mensaje antibélico, envuelto en varios millones de dolares. La segunda es simplemente no saber cuál era el objetivo de todo esto, porque si no entretiene y no comunica, para qué fue creado?.
Al caer finalmente al abismo Ridley Scott se hunde en la hipocresía al vender la película como un producto de acción y aventuras para atraer el público masivo y recuperar la brutal inversión, pero ofrece en realidad un producto que no es nada más que una aspiración elitista donde sólo aquel que equipare los conocimientos del director podrá entender a qué viene toda la incoherencia.
En otras épocas el director supo manejar el verdadero arte de contar un mensaje propio en la película sin que sea en detrimento de la trama, pero aparentemente la edad y el ego le están jugando en contra.

Conclusión: Caída libre

Conociendo a Julia (Being Julia)

2005-05-13T15:06:00.000-03:00

Las vicisitudes de la señora Lambert

Ser Julia no es facil. Ella misma no sabe quién es.
Como actriz, es la diva principal de la escena teatral de Londres, a fines de la década del ´30. Como esposa, es la otra mitad de una pareja autodefinida como "moderna" donde la compañía es más profesional que real y las infidelidades se admiten pero en el fondo no se toleran. Como madre, sufre del principio del nido vacío al darse cuenta de que su hijo ya no la necesita tanto como cuando era más pequeño. Como amante, es la típica mujer con crisis de mediana edad que se refugia en un ventiañero, aunque puede verse venir el desastre, y no le importa. O se convence a sí misma de que no importa porque Julia es, más que nada y en el fondo de todo, actriz. Así, en cada rol (en cada Julia) irá poniendose diferentes mascaras, de comedia o tragedia según la ocasión, y se perderá entre sus diversoso papeles. Lo que se encuentra detrás de una seguidilla de actuaciones muy buenas a cargo de Anette Bening (Julia Lambert) y Jeremy Irons (Michael Gosselyn), y de una impecable reconstrucción de época, es una reflección interesante acerca del oficio del actor, y el oficio de ser mujer en un mundo de hombre, no en el sentido trillado de la frase sino literalmente. Julia es y se define a partir de su relación con los hombres, siendo la más significativa, la que tiene con su difunto profesor de actuación Jimmie Langton (Michael Gambon), quien se le aparece en momentos claves, no como fantasma, sino como reflejo de su propia mente, un autentico superyo encargado de criticar sus reacciones y sus actuaciones.
Las metáforas sobre el teatro no faltan, sin embargo dado mi pobre conocimiento, no profundizaré sobre ello.
Por lo demás la pelicula posee un ritmo agradable, se deja ver y acompaña a Julia en su universo de multiples papeles, en las tablas y en la vida.

Conclusión: Edípica

Oldies, Oldies!

2005-04-20T12:10:00.000-03:00

Revisando por mi maquina encontré unos archivos anteriores a "La Caja..", los cuales voy a empezar a subir, a fin de tener todo el material a mano. A saber:

30/07/03

El Tunel del Tiempo

Una situación peculiar del cine norteamericano de los últimos meses me lleva al siguiente planteo: está muerto el cyberpunk para ésta nación?

Es más que claro que cualquier forma de expresión, trascendiendo el eterno debate arte vs. producto comercial, depende del contexto en el cual es generado. En EEUU desde el incidente del 11 de Septiembre se ha dado un notable retroceso del cine descreído del sueño americano, quebrado en su estructura, que había comenzado a asomar la cabeza hace unos años con productos tan interesantes como "Fight Club", "The Matrix" y "The Royal Tenembaun" entre otras. A partir del 11/09 nos podemos considerar en el túnel del tiempo. Destino: los años 50.
Entre los síntomas de este malestar conformista que nada le sienta bien a la industria se pueden encontrar el regreso al genero musical (Chicago), a las comedias llenas de luz de sol y cenicientas adolescentes y más maduras (Maid in Manhattan; la tristemente inminente y trillada "What a girl wants" donde una adolescente viaja a Inglaterra a conocer a su padre que, por supuesto, termina siendo millonario, en fin..). Cabe destacar el triste retorno a la estructura del héroe encarnación del sueño americano, entendido como una clonación desmedida de Superman, lo que significó en su época y su regreso en detrimento de una historia más sólida. Superman representó el héroe en su faceta más idealizada, sin fallas, sin dudas, sin sustancia. Aquel héroe que tiene la posibilidad de caer, aquél que es tentado, es siempre más creíble, más humano y más cercano al público.
Los griegos sabían lo que hacían.
El regreso de Superman se puede ver particularmente en las últimas películas de acción y en "Matrix Reloaded" en especial. El héroe que no duda, es superpoderoso y siempre llega a tiempo para salvar a Lois Lane, Trinity o la chica de turno, normalmente disminuida a un manojo suspirante sin mayor papel que el de querer sacrificarse por el héroe aunque siempre tenga que ser salvada. Todos nosotros sabemos que el bien siempre triunfará, no es así?
El cyberpunk opina lo contrario. Este género rompe con el ideal y propone situaciones oscuras con pocas probabilidades de final feliz, el héroe tiende en realidad al antihéroe y el enemigo es un sistema corrupto que sólo busca reproducirse. Todas nociones que no se llevan muy bien con el American dream. En momentos de guerra e inseguridad hay que fortalecer los lazos tradicionales y las esperanzas. El futuro será nuestro.. el héroe defenderá nuestros intereses y el mensaje marcará el camino correcto. Porque el héroe no duda y sabe que es el poseedor de la verdad absoluta y revelada...

15/10/03

Sobre Matrix Reloaded

Matrix es una gran película. Yo no soy amante del cine iraní ni del francés ni le pego al cine yankee sólo por serlo. Cuando una película es buena, lo es independiente de su origen. Qué hizo de Matriz una película que cambió los canones del cine de acción tiene una respuesta por todos conocida, la ruptura en la estética de los efectos especiales. Pero por qué le rompió la cabeza en mil pedazos a mucha gente, ya tiene una respuesta que excede lo anterior. Esta película tiene una subtrama simbólica fácilmente legible por el público, y eso le da un valor agregado difícil de igualar. Esta película apela a la mitología cristiana de una manera muy clara, junto con íconos identificables con un nivel de cultura mínimo: referencias a "Alicia en el País de las Maravillas" y "A traves del espejo", mitología griega, y de hecho utiliza la estructura del mito del héroe común a casi todas las mitologías existentes. Esto de ninguna manera pasa desapercibido. Las películas que más han tocado al público utilizan ésta estructura. Por ejemplo, la vieja trilogía de Star Wars. (resumiendo brutalmente la estructura clásica es : La Partida: negación al llamado, ayuda sobrenatural, el cruce del primer umbral, el vientre de la ballena. La Iniciación: el camino de las pruebas, el encuentro con la diosa, la mujer como tentación, la reconciliación con el padre; El Regreso: negativa al regreso, huída mágica, rescate del mundo exterior, cruce del umbral de regreso, la posesión de los dos mundos, libertad para vivir. Fijense, está todo en la primera. Fuente "El héroe de las mil caras", Joseph Campbell)
Además Matrix tocó un ser sensible en el pequeño paranoíco escondido que todos llevamos adentro, una idea muy querible para una generación descreída y con la esperanza puesta en que no hay futuro. Terreno ideal para plantar una película que representa tan bien los ideales del género Cyberpunk. En pocas palabras, el futuro es mucho más malo de lo que te podrías imaginar, tu vida no existe, sos una batería para las maquinas y si te llegás a avivar de esto estás condenado a vivir escapando del antivirus (agentes) y recordar qué buena era tu vida de mentira (recuerden al traidor, un personaje muy entendible, quién no se shockeó al ver despertar a Neo?).
Ahora, por qué Matriz Reloaded desperdicia y destruye todo lo anterior?
No notaron que el mundo real no era tan malo como lo pintaban?
Ahora hay comida, ropa más prolija, mucha más gente y hasta fiestas rave.
Es creíble un héroe que dice dudar cuando sus actos demuestran todo lo contrario?
Es creíble que el personaje de Trinity haya pasado de chica con actitud a mera sombra jadeante de Neo?
Y Morpheus? De guía espiritual a revolucionario fanático..
Esto no es evolución de personajes, es simplificación en pos de una historia sin sentido.
Y lo que más duele es la pérdida total del espíritu central de la historia, el gen cyberpunk. El futuro ya no es tan malo, el heroe duda pero es certero en su acción, la chica siempre está dispuesta a ser damisela en peligro y el final feliz siempre llega
Ahora piensen por dos segundos
No hubiera estado muchísimo mejor que Trinity se hubiera muerto y Neo se viera obligado a salvar a un mundo en el que ya no quiere estar?
Es una opinión, él como Superman o todo buen powergamer que se precie, siempre puede jugar su carta especial para salvar el día.
Ni siquiera voy a hacer referencia a la estructura mitológica entre una y otra película. Es mi humilde opinión que los conceptos de Matriz Reloaded destruyen a su predecesora y convierten todo en esto:
Fantasía geek pajera:
Hola, me llamo Thomas H. Anderson.. soy un tipo común y corriente con un trabajo de programador común y corriente.
Gran parte de mi vida la he pasado delante de una pantalla, así que no tengo mucha idea de cómo relacionarme con la gente. Incluso como inadaptado soy un fracaso y ni siquiera he logrado mi grupito de inadaptados con los cuales jugar AD&D y sentirme un poquito menos fuera de lugar.
.. ni que hablar de una novia…
la realidad apesta…
así que voy a plantear una nueva realidad según los parámetros que conozco:
me pongo un nick cool que esconda mi baja autoestima y realce la novedad que propongo. Ahora me llamo Neo y propongo una nueva realidad.
La realidad como la conocen no es real, sino un programa generado por unas computadoras futurístas apocalípticas. Como en todo soy malo, menos programar, de repente la realidad se simplifica en parámetros más que legibles para mí, y mucho más simples que la relación diaria con el resto de la humanidad…
En éste mundo, como soy un hacker muy groso, puedo hackear el programa; es decir, puedo hacer con la realidad lo que se me cante. Nadie puede hackear la realidad como yo, así que el resto de la comunidad se arrodilla ante mí. Dicen que soy el elegido. Además tengo una novia que está re fuerte..
Pero eso no es todo, les dije que vuelo como Superman, tengo fuerza como Superman, salvo a Lois.. ehh a Trinity de la muerte.. como Superman.. tengo la profundidad, capacidad de autocrítica, reflexión y expresividad de .. ehm ..Superman…?
Ahora, como las reglas de la realidad las pongo yo, cualquier malo que venga sólo sirve para demostrar qué tan bueno soy con el tecla.. peleando.. cualquier excusa es buena. Que quede bien claro que soy el elegido.. por si no lo entendieron..
Pero lo mejor de lo mejor…
Quién no tuvo una fantasía con Lara Croft?
A quién no le gustaría que hubiera una mina así?
O que ella fuera de verdad y encima estuviera caliente conmigo.. un programa curvilíneo caliente conmigo.. mm, será posible?
Claro que sí, porque yo controlo la realidad y la realidad es como yo siempre quise que fuera..
..en fin..

09/12/03

Sobre Kill Bill

La Esponja Cinéfila

Tarantino desde los principios de su trabajo ha planteado una temática clara y común a toda su obra contando historias que se caracterizan por una violencia cruda, a la que suma a partir de su trabajo como director, el contraste de los diálogos con las situaciones. En "Reservoir Dogs" (1992) se analiza una canción de Madonna antes de un asalto, en la conocida "Pulp Fiction" (1994) unos asesinos a sueldo comentan las diferencias entre los McDonald´s del mundo antes de cometer un acto sangriento.
Otra característica de sus películas es haber demostrado ser uno de los mayores exponentes del llamado "homenaje cinéfilo", lugar ambiguo entre el robo descarado y la emulación admiradora. Empezando desde el principio con la teatral "Reservoir Dogs" donde varios criminales a punto de realizar un importante asalto buscan ante todo, incluso cuando la situación se sale de sus manos, mantener su anonimato escudándose en alias de colores: Mr. White, Mr. Brown, etc. Una gran película con una gran idea ... ya utilizada en el film "The taking of Pelham One, Two, Three" (1974), donde unos criminales secuestran un vagón de una formación del subte de Manhattan con el cual pretenden cobrar un muy buen rescate. Dichos criminales mantienen su anonimato llamándose entre ellos Mr. White, Mr. Brown, etc.
Su carácter de esponja cinéfila le ha permitido reciclar tanto ideas como actores, situación que se ha convertido en una especie de firma. En un principio Tarantino se encontraba en la muy difícil situación de superar una obra altamente ruidosa e influyente como lo fue "Pulp Fiction". La subsiguiente "Jackie Brown" (1997) con su repetición mecánica de los lugares comunes del autor, es decir, el reciclaje de actores olvidados, la importancia protagónica de la banda sonora, el homenaje a un género específico del cine, los diálogos en alto contraste con situaciones casi descabelladas y sobre todo altamente violentas, mostraron un importante estancamiento del director-actor-guionista.
Pasaron unos largos cinco años hasta la llegada de su cuarta película "Kill Bill: Vol. 1".
Muchas cosas cambian en cinco años.

Una novia de blanco, embarazada y aparentemente sin nombre, es brutalmente golpeada, habla con un hombre de cara invisible y recibe un balazo en la cabeza.
Más tarde, extrañamente recuperada, lucha fieramente con otra mujer que aparenta ser una simple ama de casa. Hasta que llega la nena del colegio y mira, desconcertada, el living destruido y a su mamá y a la extraña mujer, ensangrentadas de arriba abajo, que intentan esconder sus cuchillos.
Parece una película de Tarantino, no?

Los Ángeles de Bill

Qué pasaría si los emblemáticos Ángeles de Charlie trabajaran para un mafioso llamado Bill, pudieran pelear como el trío Diaz-Barrymore-Liu, pero a su vez fueran capaces de despeinarse…
Tarantino no es impermeable a los vientos que corren. Desde su última película el cine estadounidense ha cambiado más de lo que podría parecer desde los últimos cinco años.
La penetración creciente del anime a nivel mundial, especialmente en un mercado tan hermético como el del Tío Sam, no ha pasado sin dejar su huella. La aparición de "The Matrix" (1999) cambió radicalmente el cine de acción integrando una estética particular con el uso hipercoreográfico de las artes marciales. Un sucesor directo se encuentra en "Charlie´s Angels" (2000) donde las chicas pueden desafiar las leyes de la física sin que se les corra el rimel.
"Kill Bill: Vol. 1" comienza como una película estándar de Tarantino: está la música, está la sangre, está el actor reciclado (David Carradine), pero, felizmente, no se queda en solo eso.
Progresivamente la película se deshace de ciertos elementos fetiche del director, manteniendo otros en equilibrio con la trama. Los diálogos fuera de contexto son dejados de lado por filosofía barata supuestamente oriental al mejor estilo de la serie "Kung Fu" (1972). La música sigue siendo protagónica y, aunque no deja de lado el retro encarnado en la persecución con la música de "El avispón Verde", deja lugar al pop japonés y a silencios antes difíciles de encontrar en su filmografía.
Tarantino absorbe la nueva situación del cine, lo utiliza sin perder su estilo característico y a su vez lo renueva. Mantiene el retro pero incorpora las nuevas temáticas y el revaival oriental, mezclando exitosamente las peleas acrobáticas del cine de artes marciales clásico chino con un segmento de anime, agregándole su distintiva violencia.
Tarantino se sabe un autor fetichista, y lo demuestra una vez más aunque redirecciona su capacidad de absorción hacia un producto que destila fetiches televisivos, tanto en la cita a los terribles klingon de "Star Trek", como la notable influencia de "Los Ángeles de Charlie", "El Avispón Verde" con su música y los 88 Katos, la filosofía del pequeño saltamontes de "Kung Fu" y la perversa colegiala japonesa inevitable del anime.
Tarantino ha comenzado a salir del pozo producido por un éxito demasiado grande, manteniendo y renovando sus temas, logrando un producto auténtico y encaminado hacia su madurez creativa.

La caja en Mardel (aporte del columnista invitado)

2005-04-16T16:07:00.000-03:00

Produciendo una devolución convincente del paseo por el último Festival de Cine de Mar de Plata, les presento al columnista:

Tokio Fist, de Shynia Tsukamoto

Una película japonesa que se apoya en un grotesco casi gore para expresar una crítica contra la vida en las grandes ciudades y nos trae un conflicto entre un pendenciero boxeador, un pelele vendedor de seguros antiguo amigo de este y su reprimida esposa.
La trama giraría en torno a los celos y ella termina yéndose con el boxeador pero no para vivir un tórrido romance sino para iniciar un camino de automutilación, mientras su marido se entrena para matar a su antiguo amigo. Mucha sangre, rostros deformados por los golpes, un martilleo constante y planos largos de gigantescas torres de departamentos conjuntamente con estaciones de trenes y subtes. Todo tiende a expresar el potencial de violencia y autodestrucción que generan las vida en las grandes ciudades y la idea siempre oriental de equilibrio.
Mientras el boxeador no tienen alma el vendedor no tiene cuerpo.
Es muy fácil decir que la distancia cultural nos llevaría a pensar que lo gore es exagerado. Bj no cree que sea así. La película abusa del espectacularismo. Pierde ritmo por momentos y no termina de convencer.

Conclusión: Reclamo al juez por golpe bajo

Tin Tin et moi, de Anders Hogsbro Ostergaard

Quizás el mayor desafío de hacer un documental sobre un comic tan mundialmente famoso como Tintin es evitar los extremos. Ni una obra críptica que sólo los fanáticos puedan entender, ni una descripción vaga para no iniciados. Es importante lograr un equilibrio máxime si se trata de Hergé, una leyenda del comic junto a nombres como los de Jack Kirby, Charles Schultz, u Osamu Tezuka.
Este equilibrio se logra en este film danes que combina las confesiones más profundas de su autor en relación a temas espinoso como su inclinación fascista y su misoginia, un análisis no demasiado técnico del estilo de dibujo llamado trazo fino e información general para el no iniciado sobre este tierno personaje naive de la historieta mundial.
Aún para aquel que no leyó mucho de Tintin ni leerá, (como su servidor), no deja de ser una extraordinaria muestra de los múltipes factores sociales y personales que influyen en la creación de una obra.
Si bien existen algunas películas animadas de nuestro héroe como Tintin and the Mystery of the Golden Fleece (1961); Tintin and the Blue Oranges (1964); Tintin and the Temple of the Sun (1969)y Tintin and the Lake of Sharks (1971), es destacable que el film no echa mano a ninguna de las imágenes limitándose sólo a presentar una animación en Flash del entrevistado Herge, y tridimensiones de capturas del comic. Y es que no hay porque mezclar ambos lenguajes innecesariamente.

Conclusión: Una sana excursión por el universo no tan inocente de Tintin

Angel on the right (Fararishtay kifti rost), de Dejamshed Usmonov

La perla de este festival de cine fue como en muchos casos el fetiche exótico que convoca al snobismo de los participantes. En este caso se trató del cine de Asia Central (región denominada genéricamente como Kazajstán por las autoridades de la antigua URSS, pero que en realidad se particionó bastante pacíficamente en varios estados todos ellos primos y de confesión religiosa islámica). Así Bj presenció la película Angel on my right hecha en Tajhstán.
Se dice que tenemos dos ángeles. Uno en nuestra derecha que anota las obras buenas y uno en nuestra izquierda que da cuenta de las malas. Hamro vuelve a su aldea natal escapando de deudas con la mafia rusa en Moscú. Encuentra a su madre moribunda que le pide que utilice sus restantes ahorros para mejorar su casa. Hamro lo hace sólo para descubrir que su madre fingía la enfermedad y ahora ha multiplicado sus deudas en su pueblo natal, sumadas a las que ya tenía, y además, tiene que aceptar una paternidad dudosa de un muy convincente niño. Sólo un milagro podrá salvarle.
Ágil comedia con tono costumbrista, a medio camino entre el realismo mágico de García Márquez y las operetas italianas. Un retrato soberbio de un mosaico cultural en donde el mundo religioso y la decadente administración de la transición comunista se entremezclan de forma eficaz. Atrapa al espectador tanto por sus situaciones como por lo convincente de sus actuaciones. El final, que no adelantaré, es una obra maestra de la composición.

Conclusión: Anoten esta película en el libro del ángel de la derecha.

Saludos

Butlerian Jihad

Amor Eterno (Un long dimanche de fiançailles, A very long engagement)

2005-04-11T16:30:00.000-03:00

Poesía visual

La guerra es sangrienta. Es borrosa. Es confusa.
En la guerra muchas veces aquellos que viven están muertos, y aquellos que están muertos viven. Quien está convencida de esto es Mathilde, quien moverá cielo y tierra para conseguir la confirmación de que su prometido Manech está muerto.. o vivo.
Amor Eterno es la nueva película del director francés Jean-Pierre Jeunet, creador de la reconocida "Amelie" y las oscuras "Delicatessen" y "La ciudad de los niños perdidos". Su visión es muy particular. El crea mundos parecidos a los cuentos de hadas, pero los originales, los que podían tanto asombrar como espantar. En su nueva criatura, la Primera Guerra Mundial es retratada de forma cruda y altamente humana, con un realismo seco y gris, sin perder los personajes caricaturescos que son su marca. En contraste, el mundo de Mathilde es cálido.
Para Mathilde, Jeunet vuelve a utilizar a Audrey Tautou, una decisión peligrosa por el peso de "Amelié" y lo inevitable de las comparaciones. Mathilde se dibuja como un negativo de Amelie, pero con algunos puntos en común. Aquel punto en común es la fe ciega de Mathilde, más allá de su amargura, apoyada en una serie de simpáticas supersticiones.
La trama toma la forma de un rompecabezas, donde las piezas se distribuyen en una serie de testimonios que la protagonista va buscando para conocer la verdad acerca de su prometido. Puede ser un poco complicada de seguir, pero el viaje vale la pena.

Conclusión: Mágica

Entre copas (Sideways)

2005-04-11T16:27:00.000-03:00

Crisis de la mediana edad regada con buen vino

Miles (Paul Giamatti) un pelado y amargado profesor de literatura de secundaria con frustradas aspiraciones a escritor, se escapa en un viaje de fin de semana con Jack (Thomas Haden Church) su amigo actor, mayormente en voces en off, con aspiraciones de tarde o temprano conseguir un buen papel. La consigna es disfrutar los úlitmos días de libertad antes del casamiento del último, pasarla bien y degustar vinos por los viñedos de California. O por lo menos eso es lo que planea Miles, porque Jack tiene otras ideas.
Egoísmos infantiles, borracheras legendarias y la creciente dificultad de relacionarse conforme pasan los años son algunos de los temas que toca esta comedia dramática donde las aventuras y desventuras de la dupla protagonista juega permanentemente con el "Sideways" de título original. Con ritmo muchas veces rozando la "sitcom", la película nos pasea por las simplicidades complejas del carácter de Miles y Jack y la única constante en la vida de los dos: su amistad.
Cuando dos señoritas ingresan en la historia, el conflicto se dispara junto con la posibilidad de tomar la decisión de seguír por el camino que ya se tiene adelante, o tomar por la tangente.
Esta es una película de diálogos, imágenes y musica. Para pasar un rato con las frustraciones y alegrías (mayormente alcohólicas) de Miles y Jack hay que estar listo tanto para la risa sincera como para la sonrisa incómoda.
La actuaciones son correctas y naturales, convencen en sus personajes y se llevan armónicamente con el guión que sabe cuándo cortar la historia para que no caiga en lo previsible.
Conclusión: Salud!

Million Dollar Baby (ídem)

2005-04-08T20:00:00.000-03:00

Filosofia del Ring

Hace varios años ya un profesor de guión me dijo que desde la tragedia griega todo está contado, que la verdadera habilidad pasa por la forma en la que se cuenta: el cómo.
No me gusta el boxeo.
No me gustan las películas de deportes, en general son absolutamente predecibles.
Esta no es la excepción.
Sin embargo, a pesar de ello, logra convencer, entretener, incluso conmover profundamente.
Frankie Dunn (Clint Eastwood) es un "cierra heridas" profesional. Guarda el secreto para cerrar, o bien disimular, cualquier tipo de laceración física o emocional. Eddie "Scrup-Iron" Dupris (Morgan Freeman) es un gastado y tuerto ex-boxeador. Es el narrador y filósofo en off de la historia, cuyas reflexiones serán el contrapunto perfecto para las situaciones planteadas en la historia. Ambos conviven en un desmechado gimnasio rodeado de personajes arquetipicos, incluyendo el pesado que se lleva a todos puesto, y el insistente Danger Barch quien todos saben, no tiene la más minima oportunidad. A este mundillo masculino llega Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), mesera desde los trece por necesidad, y aspirante al boxeo femenino por vocación.
Hasta acá nada nuevo.
Maggie se abrirá camino a base de perseverancia poco a poco metiendose en la vida de Frankie y Dunn, y asombrosamente, llegando a ser parte de un trío de personajes memorables, no por su originalidad sino por la sorprendente química lograda a partir del guión y sostenida por una realización fabulosa.
La historia sigue el curso que debe seguir, y el trabajo impecable del trio atravieza las diversas situaciones, con un regustillo nostalgico que parece estar tomando fuerza desde los últimos trabajos de Eastwood como director, llegando a su madurez, creo yo, en ésta obra.
Los ritmos emocionales son manejados de forma excelente, así como el desarrollo de la trama y sus personajes en un producto final lúcido en sus objetivos y en su mensaje final.

En conclusión: Insuperable
(no olvidar las carilinas)

El secreto de Vera Drake (Vera Drake)

2005-04-08T18:37:00.000-03:00

Lagrimas y té

El director Mike Leigh a basado su carrera en tirar a tierra los arquetipos ingleses, cayendo sin querer a veces en otro tipo de arquetipos al mismo tiempo. A pesar de ello "El secreto de Vera Drake" nos pasea por la historia de la mujer del titulo, una señora más buena que Lassie dormida que ha basado su vida en ayudar a los demás sin importar el costo propio. Vera es una mujercita que aparenta cincuenta y tantos, trabaja limpiando casas de familias acomodadas y en una fabrica de lamparitas, además cuida a su madre anciana, a un vecino mayor, a una mujer deprimida y a su vecino solterón al que de paso engancha con su hija solterona. Vera hace todo esto sin demostrar cansancio y silba alegremente entre trabajo y tazas de té. Entendimos, es una buena mujer.
Entre tanta ocupación y a espaldas de su marido e hijos, Vera practica abortos clandestinos, sin buscar remuneración alguna, a mujeres de bajos recursos y en variedad de situaciones desesperadas. Vera no juzga, ella ayuda.
Cuando un aborto se complica, Vera es descubierta y llevada a juicio.
La película muestra la postura del director en el contraste entre la situación de la protagonista y las mujeres que trata, y una historia paralela en que la hija de la familia para la que Vera trabaja se ve en situación similar a dichas mujeres, pero con otras posibilidades dada su situación económica.
Un detalle a criticar sería la forma casi caricaturesca en que se delimitan los personajes y en la que es llevada la trama en su punto más drámatico, resultando a veces en una alienación del público llegada cierta saturación de primeros planos de la protagonista y sus lágrimas.
Por el otro lado la muy aplaudida actuación de Imelda Staunton (Vera Drake) se encuentra a la altura de las expectativas, bien acompañada por un elenco que no desentona y al que no opaca.
Finalmente la película se deja ver muy bien, con el defecto de perder el ritmo inicial hacia el final.

Conclusión: Para los seguidores de Leigh

Constantine (ídem)

2005-03-24T21:35:00.000-03:00

Comercial antitabaquismo y revelaciones religiosas

Son muy pocas las películas basadas en comics que funcionan. Pareciera que los productores, guionistas y directores de hollywood no encuentran el equilibrio entre complacer a los fanaticos obteniendo un producto críptico y exclusivo, o bien, abrirse del original logrando ofender a los fanaticos y muchas veces ni siquiera conformar al público en general. Adivinen a cuál de las dos clasificaciones corresponde la versión filmica de "Hellblazer".
Partiendo de la figura principal de John Constantine, (investigador privado, exhorcista y fumador compulsivo todo en uno), la trama nos cuenta cómo un misterioso objeto es encontrado en algun lugar de Mejico, lo que desencadena el asesinato o suicido misterioso de una mujer en un hospital psiquiatrico y el movimiento de fuerzas aliadas con el Cielo o el Infierno. En el medio está John y la gemela policía de la difunta.
En un principio la historia podría funcionar, sin embargo se encarga de caer en una serie de lugares comunes aburridos dejando poco interés al espectador y menos ganas al conocedor del comic. En general todos los actores llevan adelante correctamente bien sus papeles con la grave salvedad del protagonista: Keanu Reeves, quien se despliega en una de sus peores personificaciones, logrando convertir a su John Constantine en una seguidilla de momentos torturosos y frases hechas que deberian causar gracia y ni lo logran. Quizás la extraña decisión de adaptación de perder el cabello y el acento original podría haberse salvado de conseguir un actor que lograra sacar adelante la verdadera actitud del personaje, y no llegar a una decisión de marketing basada en el color de la ropa y los éxitos anteriores.
A favor se encuentran la genial Tilda Swinton (Orlando) logrando un ángel Gabriel absolutamente asexuado y creíble, y por supuesto los efectos especiales, por momentos realmente tangibles por momentos más de lo mismo.

Conclusión: ni para alquilar

Mar Abierto (Open Water)

2005-03-13T14:06:00.000-03:00

A nadar

Mar Abierto se presentó en un momento en el que necesitaba oxígeno cinematográfico despues de los tragos amargos que fueron "Alexander" y "El fantasma de la ópera". En una situación particular, esta película logró devolverme las ganas de ir al cine con un producto simple y original. La historia trata acerca de una pareja en vacaciones, compuesta por Blanchard Ryan (Susan) y Daniel Travis (Daniel), al que un error en el conteo de los participantes en una excursión de buceo deja a la deriva en el mar. Es importante aclarar que esta película no es "Tiburón", hay muy poca sangre y menos sustos. No es una película pochoclera, si buscan entretenimiento con saltos, hay una buena cantidad de películas de terror por estrenarse. Esta en particular está filmada de una forma intimista, casi documental, haciendo incapié en el realismo de la situación. Este realismo es el que lleva al espectador desde la risa cómplice al reconocer las visicitudes cotidianas de una pareja en vacaciones, a la sonrisa incómoda en determinadas situaciones al pasar las horas en el mar.. hasta llegar directamente a la angustia. Es muy destacable cómo el guión logra evitar clisés de los más vistos, evitando gritos desaforados, lágrimas innecesarias y finales poco probables que atentarían contra la credibilidad de la situación. En contra tiene un abuso de tomas de la naturaleza de las islas y quizás un exceso de música local que a veces resulta anticlimática y atenta contra el ritmo de la película. En mi opinión personal, la situación de la pareja en el mar nocturno podría haberse aprovechado más.

Conclusión: Realismo crudo

El fantasma de la Opera (The phantom of the opera)

2005-03-13T14:04:00.000-03:00

Mucho ruido y ninguna nuez

La historia del Fantasma de la Opera es intensa, trata de obsesiones casi compulsivas, represiones victorianas y más de un contacto con la tragedia griega. Esta no es una historia que se pueda tomar a la ligera, y mucho menos filmarla como si se tratara de un documental de National Geographic. El señor Joel Schumacher es un director en el mejor de los casos irregular. Nunca lo tuve en alta estima y sin embargo en su variada filmografía, que incluye desde una película con Mister "T", pasando por las horrorosas "Batman & Robin" y "Batman Forever", se encuentran las excelentes "Flatliners" (Línea Mortal) y "Phone Booth" (Enlace Mortal) . Se diría que en principio el problema del hombre pasa por el presupuesto, Enlace Mortal fue filmada en poco tiempo y con menos plata, y tiene un ritmo vertiginoso que lleva al espectador sin dejarle un momento para respirar. En la otra punta "El fantasma.." carece de ritmo en el sentido estrictamente cinematográfico, Schumacher parece descansar totalmente en la musica para transmitir desde el tempo de la película hasta las emociones de los personajes. Olvidando la herramienta más simple y escencial del director, Shumacher utiliza cámaras fijas y planos largos en los momentos menos oportunos, llegando a pequeños planos secuencia con un logro anticlimático realmente sorprendente. De la peor manera posible, aliena al espectador de la historia en un desperdicio espectacular de recursos. Si se pudiera recatar algo, es el inicio en clave de cine mudo (pero hablado), sin embargo, abusa del recurso del flashback hasta llegar a sugerir descenlaces que no lo son.
El cast es un tema aparte.
La joven Emmy Rossum en el papel de Christine, agobia en exceso de ojos grandes y poca expresión, en correcta reproducción musical y una absoluta falta de interpretación, cosa que comparte con el Fantasma de Gerard Butler, al que le iría mejor un papel en una soap opera. Alguien se imagina el bruto escocés de Tomb Raider 2 haciendo de genio torturado???

Conclusión: Depresión cinematografica

Alejandro Magno (Alexander)

2005-02-21T14:30:00.000-03:00

Para curar el insomnio

Alejandro Magno fue un hombre que sigió su visión hasta las últimas consecuencias, en este sentido el señor Oliver Stone demuestra más de una similitud con el Rey de Macedonia en su versión de la vida de Alejandro. Desde el principio la espectacularidad que plantea, llama la atención. Su reconstrucción de época casi hace valer la pena el largo viaje filmico al que nos obliga recorrer.Oliver Stone no es un hombre de masas, el no hace cine, hace arte, pero se olvida en su tosudez que el cine es arte de masas, y si ben eso no significa que toda obra cinematográfica deba ser un producto vacío y pochoclero, tampoco se debe caer en un producto críptico y snobista. La película logra notablemente ofender a los dos tipos de publico posibles. Ofende al que conoce la vida de Alejandro porque no se logra entender la extraña edición que hace Stone, cayendo en poderosos anticlimax al, por ejemplo, profundizar el conflicto entre Alejandro y sus padres, y despreciar filmicamente el momento del asesinato de Filipo reduciéndolo a una anécdota en voz en off, saltando directamente a la campaña en Persia, y finalmente tras largas horas mostrar el asesinato en un flashback inentendible. Por otro lado a aquél público que buscaba en la película un entretenimiento ligero cargado de elaboradas escenas de acción, y por qué no, un acercamiento inicial a lo que fua la vida de Alejandro, Stone logra ofender al asumir groseramente que todo público conoce la vida del protagonista tan bien como él. La película no describe sino que saltea, edita y no explica. Perdidas en una sopa de dialogos grandilocuentes se encuentran dos y sólo dos escenas de batallas, excelentemente filmadas hay que reconocerlo, pero esto significa otra cachetada al público masivo, porque la película no se vendió como lo que era. El señor Stone hace una pelicula soberbia, en el sentido literal de la palabra, porque insulta al público con un producto que se cree mejor que a quien se vende.
Un punto que podría ir a favor, cae en abusos y golpes casi bajos: el guión trata la homosexualidad (practica social común de la época) en principio sutilmente, cayendo finalmente en reiteraciones y vueltas novelescas con lágrimas desmedidas. Stone está lleno de buenas intenciones que naufragan con espectacularidad similar al presupuesto. Llegado cierto punto, ni los actores logran mantener el bote a flote. Mucho se ha dicho acerca del extraño casting. Es cierto que Colin Farrel es muy viejo para ser hijo o Angelina Jolie es muy joven para ser madre, pero podría haberse salvado con un poco más de maquillaje para avejentarla, cosa que presumo no se hizo por una cuestión de marketing. La dinamica entre el trio Filipo (Val Kilmer), Olimpia (Jolie) y Alejandro (Farrel), funciona. Alejandro es reducido a un hombre tironeado entre los egos de sus padres, con las complejidades que de esto resulta. En el pastiche final esta humanización, en principio interesante, pasa desapercibida porque el director/guionista decidió hacer las cosas demasiado Hollywoodenses en una película con aspiraciones de cinearte. La intención de los paralelos con ciertos mitos es buena, pero se cae al querer abarcar forzadamente demasiados en una misma persona.
Así como su Alejandro llega a parecer un nene caprichoso insistiéndole a un ejército cansado, tras batallar por más de siete años, que lo siga a conquistar terrenos desconocidos, Stone se emperra en seguir su "expedición" filmica más allá de lo tolerable.

En conclusión: Desastre de proporciones épicas.

Llevados por el deseo (Closer)

2005-02-02T14:48:00.000-03:00

..amarga

Aparentemente superficial, aparentemente mala para la mayoría de la gente, Closer encierra una complejidad cargada de la crueldad que sólo se encuentra en la vida misma.
Bajo los encuentros en principio casi mágicos, incluso un poco forzados, de cuatro extraños se encuentra una reflexión descreída y amarga que desnuda la complejidad que existe entre las relaciones humanas.
Yo siempre fui de la idea de que los primeros minutos de una película encierran el mensaje principal. Apenas comienza asistimos al juego de miradas entre dos anónimos transeuntes, envuelto en la sacarinosa "Can´t take my eyes of you". Por una distracción la chica que luego conocemos como Alice (Natalie Portman) es atropellada. Su lesión no es grave y da el punto de partida para su relación con Dan (Jude Law). Así como el accidente baja a tierra brutalmente la ensoñación primeriza, la película en su transcurrír mostrará las ensoñaciones que se entrecruzan cada vez que una relación comienza (o se retoma), y el caer a tierra de la mismas. Pero así como la lesión de Alice no es mortal, las heridas mutuas de los protagonistas no lo son. Y siguen con sus vidas.
Los personajes son sutilmente complejos, se van revelando al espectador de a poco, pareciendo arquetipos vacíos en un principio, develando dos oposiciones: dos personajes adultos y dos infantiles, dos manipuladores y dos pasivos; las duplas se entrecruzan así como las parejas en sus idas y vueltas.
De ritmo teatral, que da cuenta de su origen, la historia elige mostrarnos capítulos en especial de las vidas de los protagonistas. Esta elección no es azaharosa. El mensaje depende de los encuentros y de las rupturas, obviando todo lo demás. La elección es muy inteligente, ya que los momentos más recordados en las relaciones suelen ser, justamente, los primeros encuentros y las separaciones. Esta "edición" de las vidas de Alice, Dan, Anna (Julia Roberts) y Larry (Clive Owen), gira entorno a los roces, engaños y manipulaciones que en conjunto, al estar tan concentrado, parece poco creíble, pero sólo toma reflexionar un poco para darse cuenta del realismo cruel de las situaciones. Al final sólo aquel que pudo dejar atrás sus expectativas, su ensoñación primeriza, y acepta a su pareja con sus errores y falencias es el que logrará su "final feliz".
No es una película mala, pero no es buena, es ácida y descreída, correcta en lo técnico y bien manejada en lo actoral. No es una película romantica o dramática, y mucho menos superficial. Es cruel. Es el lado que uno, quizás, elige no ver tanto en las relaciones propias como en las ajenas. Quizás por eso el "closer" del título, se requiere un ojo muy fino para armar esta historia. Y una cantidad notable descreimiento.
El mensaje final es que quizás estamos condenados a permanecer como extraños entre nosotros, incluso cuando estamos más cerca.

En conclusión: Manéjese con cuidado.

Cantando bajo la lluvia (Singin´ in the rain)

2005-01-29T14:27:00.000-03:00

Eramos tan inocentes...

Allá por los cincuenta las cosas eran diferentes. El american way of life convivía pacíficamente con el american dream, los hombres eran honestos trabajadores cuyo sueldo les permitía comprarse la casita en las afueras para su mujer, que siempre lo esperaba con la cena hecha y los niños que consumian sanamente programas de tv inocuos.
Fruto de ese momento idealizado es el cine igualmente idealista, y qué género no representa mejor ésto que aquel en el que es coherente comenzar a cantar y bailar, en vez de hablar.
Cuando el sonido revolucionó el cine fueron muy pocas las estrellas que sobrevivieron el cambio. Muchos actores, expresivos en su maquillaje recargado, descubrieron que sus voces no se llevaban con sus caras.
Un clásico de los clásicos se apoyó en esta premisa para contar la historia de una par de actores famosos del cine en los años '20 que se integra, como mejor puede, a la nueva ola del sonido.
Don Lockwood, encarnado por el legendario Gene Kelly, es un actor de cine mudo que ha llegado a la cima con mucho trabajo, y algún que otro golpe de por medio. Junto con su compañero Cosmo Brown (el hiperexpresivo Donald O´Connor) se iniciaron en bares de mala fama bailando, hasta que Don encuentra una salida a su capacidad en el trabajo de las películas empezando desde abajo: doble de riesgo. Finalmente es "descubierto" y comienza a trabajar como pareja de la famosa e interesada Lina Lamont (Jean Hagen). Juntos filman muchas películas hasta la llegada del cine sonoro, donde la chillona voz de Lina se vuelve un problema mayúsculo. Tras conocer a una corista llamada Kathy Selden (Debbie Reynolds), deciden que la mejor solución es doblar con su voz la de Lina. El problema es hacerlo sin que Lina se entere.
Es notable la capacidad de los grandes musicales, y mucho más de sus aun más grandes protagonistas, de lograr una naturalidad ejemplar en sus complicadas coreografías. Dan vueltas en el aires y se caminan cualquier objeto de la escenografía (desde sillones hasta las paredes), sin perder la sonrisa colgate y mucho menos el peinado.
La simplicidad de las tramas no escatimaban humor, y en el caso de ésta, una interesante ironía hacia el cine como era en los años ´20, y por qué no, una sutil reflexión acerca de los egos de los artistas.
Qué más se puede agregar acerca de la archiconocida, y no por ello menor agradable de ver, escena de Gene Kelly bailando y cantando bajo la lluvia. Esta resume la alegría de cualquier enamorado quien se encuantra lo suficientement feliz como para que no le importe empaparse (y por supuesto cantar su alegria a los cuatro vientos). Sin embargo, en un acto de rebeldia adolescente, no es mi escena favorita, sino la que ocurre poco despues, donde Don comenta al productor una idea para la nueva película sonora (que además va a ser un musical). La escena cuenta la historia de un campesino que llega a Broadway para convertirse en un famoso artista. Así, seguimos a Kelly haciendo de Don, haciendo a su vez de éste personaje, mientras busca agente y comienza a trabajar en diversos bares. En uno de ellos se enamora inutilmente de la mujer de un gangster que, tiempo después incluso cuando él se vuelve famoso, lo sigue ignorando. La pequeña historia termina con el hombre ahogando sus penas en la alegria del baile.
Es más que notable las coreografias que cruzan ésta escena y el uso del color, tanto en la ropa de la gente como en la escenografía. Son colores vibrantes que se adelantan a los chillones '60s, que se vuelven pasteles en la ensoñación que el personaje de Kelly tiene al volver a ver a la mujer serpiente. Hay una curiosa relación entre la historia del personaje y la historia personal de Kelly, con ciertos puntos de contacto que llevan a una intertextualidad más entre las que se encuentran en la película. En mi opinión es la mejor escena y tiene bastante que enseñar al pequeño revival hollywoodense por los musicales que se está dando estos últimos años.

En conclusión: Para nostálgicos reflexivos.

La ventana de enfrente (La finestra di fronte)

2005-01-27T17:42:00.000-03:00

Crisis de los treinta voyeurista

Fuí a ver esta película simplemente porque está filmada en Roma, afición mía que calculo me expondrá a cualquier aberración filmica que la ciudad llegue a albergar. La cosa no fue tan grave y llegupe a disfrutar de la película mientras transcurría.
Todo comienza en 1943 cuando un panadero asesina a otro y huye. Un fundido nos trae al presente donde la historia presenta a Giovanna de 29 años, casada hace nueve y con tres hijos (contando al marido que no es lo que se diga muy serio). El entorno familiar es de clase media ajustada, viven en un depto gracias a la madre de Fillipo (el marido) quien vive haciendose despedir y en el momento de la historia trabaja de noche, sin animarse a pedir el cambio de turno. Giovanna trabaja de contadora en una pollería industrial (lindo!) y suma a su vida familiar un anciano perdido al que Fillipo ofrece ayuda. Como está planteado como un personaje inmaduro, es Giovanna la que tiene que empezar de encargarse del viejo cuando Fillipo se queda mirando un partido de futbol en vez de llevarlo a la comisaría para hacer la denuncia. Ojo, él no es el tipico "marido horrible que habre la puerta a los cuernos" de este tipo de películas, Fillipo es uno de los personajes más armados y creíble, es simplemente inmaduro.
Asfixiada por su vida (más el anciano varado en su casa), Govanna escapa a la realidad espiando por la ventana al vecino de enfrente.
La historia a partir de ahí va a ir saltando del presente al pasado del anciano misterioso de una forma bastante fluída, intercalando en el presente imágenes de sus recuerdos lo que resulta en una puesta más fluída que el clásico flashback por corte o fundido.
Si hay algo que rescatar es que la protagonista de esta moderno "affaire" tiene una característica muy especial y sutil, (por lo que lo catalogo de moderno): es histérica. Se entretiene mirando al tipo de enfrente pero no intenta nada con él, incluso cuando ya más avanzada la trama lo conoce. Ella parece gradualmente ir despreciando su vida familiar hasta que finalmente se da la oportunidad de concretar algo con el muchacho de enfrente. Pero ella funciona por la mirada. (SPOILER): Cuando se encuentra finalmente con Lorenzo en su departamento, tirada en el suelo, mira hacia la ventana que da a su depto y ahí decide volver con su familia, solo cuando mira desde la ventana aprende a valorar lo que tiene.
Se dan en paralelo dos historias de amor trágico, la primera la de Simone es mucho más rica, creible, incluso interesante que la de Giovanna, que es en el mejor de los casos, forzada.

En general la película es agradable y se deja ver bien, a los amantes del género romantico los dejarán satisfechos, y hay que reconcer un interesante juego que propone la trama con las miradas, entre los personajes, entre las ventanas, entre el presente y el pasado y finalmente entre el espectador y la pantalla.

En conclusión: para voyeuristas romanticos

El juego del miedo (Saw)

2005-01-24T14:23:00.000-03:00

Quería ser Pecados Capitales..

Dos tipos se despiertan para descubrir que están encerrados en un baño en estado deplorable. Encadenados en opuestas esquinas, tienen entre ellos un cadaver que parece haberse volado la cabeza de un tiro hace poco.
No recuerdan cómo llegaron allí y no tienen idea de cómo escapar. Sin saberlo se encuentran en manos de un asesino serial que en vez de matar, pone a sus víctimas en la obligación de: o decir pasar por una situación traumática cuando no horrorosamente dolorosa, o morir.
En una esquina: el Doctor Gordon Lawrence, oncólogo soberbio y con cierta obsesión por el orden jugado por Cary Elwes (alguien se acuerda del tipo de "Robin Hood: Men in thights", la joda de Mel Brooks?: "because, in difference with other Robin Hoods, I speak with an english accent").
En la otra: un típico pendejo yanquee con tendencia a la histeria y con todas esas salidas que dan ganas de patearlo honestamente, en la piel de un tal Leigh Whannell, el que debo decir es tan convincente en su papel que me cuesta creer no sea un pelotudo de verdad.
La voz misteriosa (bah, el asesino?): les indica que tiene a la mujer e hijas del doctor, quien tiene hasta las seis de la tarde para matar a su compañero de baño o ellas van a pagar el pato. Que empieze el juego (wahahahaha)

La historia está relatada entremezclada con la situación del baño y pequeños flashbacks que revelan las identidades tanto de los habitantes del baño, como la historia del asesino y sus víctimas.
Las actuaciones en general estan buenas, salvo la de Cary Elwes, que por alguna razón no me convenció del todo. No creo que ese fuera el papel para él, sobreactúa un poco y casi parece por momentos no creerse su propio personaje.
El director maneja una cámara un poco nerviosa, teniendo unos arranques pseudo videoclip que no ayudan al clima de la pelicula, resultando en cierta desprolijidad.
El aire en general emula mucho al de "Pecados Capitales", con el asesino hiper retorcido y las vueltas (buenas y forzadas) de la trama; junto además con la paleta de color reinante y cierta morbosidad (excesiva a mi gusto) al mostrar los juegos del asesino. En mi opinión un poco más de fuera de campo podría haber ayudado.
La película queda a medio camino entre el thriller psicológico y la archi conocida película de terror. Del primero le falta sutileza, y del segundo, sustos, no es realmente una pelicula para saltar de la butaca.
A favor debo decir que los juegos del asesino son todo lo retorcido que se puede esperar y creo que la gente que escribió el guión tiene algo por el sadismo. Si sos de los que disfruta ver sufrir a la gente, adelante.
También, hay que decirlo, logra buenos momentos de tensión.

En conclusión: para sádicos

La Caja se abre..

2005-01-24T14:17:00.000-03:00

Bienvenido extraño, amigo, pariente; usted sabrá quién es. Acá en mi caja voy a escribir sobre las peliculas que vea. En este lugarcillo pequeño y perdido en la web mi palabra es ABSOLUTA (jejejeje). Bueno, admito que me discutan un poquito así, pero en general cuando recomiendo una película, casi siempre no le erro (casi, miren que avisé)
Así que pasen, recorran la Caja, y si encuentran algo se su gusto, vean en el cine.