Oldies, Oldies!

Revisando por mi maquina encontré unos archivos anteriores a "La Caja..", los cuales voy a empezar a subir, a fin de tener todo el material a mano. A saber:

30/07/03

El Tunel del Tiempo

Una situación peculiar del cine norteamericano de los últimos meses me lleva al siguiente planteo: está muerto el cyberpunk para ésta nación?


Es más que claro que cualquier forma de expresión, trascendiendo el eterno debate arte vs. producto comercial, depende del contexto en el cual es generado. En EEUU desde el incidente del 11 de Septiembre se ha dado un notable retroceso del cine descreído del sueño americano, quebrado en su estructura, que había comenzado a asomar la cabeza hace unos años con productos tan interesantes como "Fight Club", "The Matrix" y "The Royal Tenembaun" entre otras. A partir del 11/09 nos podemos considerar en el túnel del tiempo. Destino: los años 50.
Entre los síntomas de este malestar conformista que nada le sienta bien a la industria se pueden encontrar el regreso al genero musical (Chicago), a las comedias llenas de luz de sol y cenicientas adolescentes y más maduras (Maid in Manhattan; la tristemente inminente y trillada "What a girl wants" donde una adolescente viaja a Inglaterra a conocer a su padre que, por supuesto, termina siendo millonario, en fin..). Cabe destacar el triste retorno a la estructura del héroe encarnación del sueño americano, entendido como una clonación desmedida de Superman, lo que significó en su época y su regreso en detrimento de una historia más sólida. Superman representó el héroe en su faceta más idealizada, sin fallas, sin dudas, sin sustancia. Aquel héroe que tiene la posibilidad de caer, aquél que es tentado, es siempre más creíble, más humano y más cercano al público.
Los griegos sabían lo que hacían.
El regreso de Superman se puede ver particularmente en las últimas películas de acción y en "Matrix Reloaded" en especial. El héroe que no duda, es superpoderoso y siempre llega a tiempo para salvar a Lois Lane, Trinity o la chica de turno, normalmente disminuida a un manojo suspirante sin mayor papel que el de querer sacrificarse por el héroe aunque siempre tenga que ser salvada. Todos nosotros sabemos que el bien siempre triunfará, no es así?
El cyberpunk opina lo contrario. Este género rompe con el ideal y propone situaciones oscuras con pocas probabilidades de final feliz, el héroe tiende en realidad al antihéroe y el enemigo es un sistema corrupto que sólo busca reproducirse. Todas nociones que no se llevan muy bien con el American dream. En momentos de guerra e inseguridad hay que fortalecer los lazos tradicionales y las esperanzas. El futuro será nuestro.. el héroe defenderá nuestros intereses y el mensaje marcará el camino correcto. Porque el héroe no duda y sabe que es el poseedor de la verdad absoluta y revelada...


15/10/03

Sobre Matrix Reloaded

Matrix es una gran película. Yo no soy amante del cine iraní ni del francés ni le pego al cine yankee sólo por serlo. Cuando una película es buena, lo es independiente de su origen. Qué hizo de Matriz una película que cambió los canones del cine de acción tiene una respuesta por todos conocida, la ruptura en la estética de los efectos especiales. Pero por qué le rompió la cabeza en mil pedazos a mucha gente, ya tiene una respuesta que excede lo anterior. Esta película tiene una subtrama simbólica fácilmente legible por el público, y eso le da un valor agregado difícil de igualar. Esta película apela a la mitología cristiana de una manera muy clara, junto con íconos identificables con un nivel de cultura mínimo: referencias a "Alicia en el País de las Maravillas" y "A traves del espejo", mitología griega, y de hecho utiliza la estructura del mito del héroe común a casi todas las mitologías existentes. Esto de ninguna manera pasa desapercibido. Las películas que más han tocado al público utilizan ésta estructura. Por ejemplo, la vieja trilogía de Star Wars. (resumiendo brutalmente la estructura clásica es : La Partida: negación al llamado, ayuda sobrenatural, el cruce del primer umbral, el vientre de la ballena. La Iniciación: el camino de las pruebas, el encuentro con la diosa, la mujer como tentación, la reconciliación con el padre; El Regreso: negativa al regreso, huída mágica, rescate del mundo exterior, cruce del umbral de regreso, la posesión de los dos mundos, libertad para vivir. Fijense, está todo en la primera. Fuente "El héroe de las mil caras", Joseph Campbell)
Además Matrix tocó un ser sensible en el pequeño paranoíco escondido que todos llevamos adentro, una idea muy querible para una generación descreída y con la esperanza puesta en que no hay futuro. Terreno ideal para plantar una película que representa tan bien los ideales del género Cyberpunk. En pocas palabras, el futuro es mucho más malo de lo que te podrías imaginar, tu vida no existe, sos una batería para las maquinas y si te llegás a avivar de esto estás condenado a vivir escapando del antivirus (agentes) y recordar qué buena era tu vida de mentira (recuerden al traidor, un personaje muy entendible, quién no se shockeó al ver despertar a Neo?).
Ahora, por qué Matriz Reloaded desperdicia y destruye todo lo anterior?
No notaron que el mundo real no era tan malo como lo pintaban?
Ahora hay comida, ropa más prolija, mucha más gente y hasta fiestas rave.
Es creíble un héroe que dice dudar cuando sus actos demuestran todo lo contrario?
Es creíble que el personaje de Trinity haya pasado de chica con actitud a mera sombra jadeante de Neo?
Y Morpheus? De guía espiritual a revolucionario fanático..
Esto no es evolución de personajes, es simplificación en pos de una historia sin sentido.
Y lo que más duele es la pérdida total del espíritu central de la historia, el gen cyberpunk. El futuro ya no es tan malo, el heroe duda pero es certero en su acción, la chica siempre está dispuesta a ser damisela en peligro y el final feliz siempre llega
Ahora piensen por dos segundos
No hubiera estado muchísimo mejor que Trinity se hubiera muerto y Neo se viera obligado a salvar a un mundo en el que ya no quiere estar?
Es una opinión, él como Superman o todo buen powergamer que se precie, siempre puede jugar su carta especial para salvar el día.
Ni siquiera voy a hacer referencia a la estructura mitológica entre una y otra película. Es mi humilde opinión que los conceptos de Matriz Reloaded destruyen a su predecesora y convierten todo en esto:
Fantasía geek pajera:
Hola, me llamo Thomas H. Anderson.. soy un tipo común y corriente con un trabajo de programador común y corriente.
Gran parte de mi vida la he pasado delante de una pantalla, así que no tengo mucha idea de cómo relacionarme con la gente. Incluso como inadaptado soy un fracaso y ni siquiera he logrado mi grupito de inadaptados con los cuales jugar AD&D y sentirme un poquito menos fuera de lugar.
.. ni que hablar de una novia…
la realidad apesta…
así que voy a plantear una nueva realidad según los parámetros que conozco:
me pongo un nick cool que esconda mi baja autoestima y realce la novedad que propongo. Ahora me llamo Neo y propongo una nueva realidad.
La realidad como la conocen no es real, sino un programa generado por unas computadoras futurístas apocalípticas. Como en todo soy malo, menos programar, de repente la realidad se simplifica en parámetros más que legibles para mí, y mucho más simples que la relación diaria con el resto de la humanidad…
En éste mundo, como soy un hacker muy groso, puedo hackear el programa; es decir, puedo hacer con la realidad lo que se me cante. Nadie puede hackear la realidad como yo, así que el resto de la comunidad se arrodilla ante mí. Dicen que soy el elegido. Además tengo una novia que está re fuerte..
Pero eso no es todo, les dije que vuelo como Superman, tengo fuerza como Superman, salvo a Lois.. ehh a Trinity de la muerte.. como Superman.. tengo la profundidad, capacidad de autocrítica, reflexión y expresividad de .. ehm ..Superman…?
Ahora, como las reglas de la realidad las pongo yo, cualquier malo que venga sólo sirve para demostrar qué tan bueno soy con el tecla.. peleando.. cualquier excusa es buena. Que quede bien claro que soy el elegido.. por si no lo entendieron..
Pero lo mejor de lo mejor…
Quién no tuvo una fantasía con Lara Croft?
A quién no le gustaría que hubiera una mina así?
O que ella fuera de verdad y encima estuviera caliente conmigo.. un programa curvilíneo caliente conmigo.. mm, será posible?
Claro que sí, porque yo controlo la realidad y la realidad es como yo siempre quise que fuera..
..en fin..


09/12/03

Sobre Kill Bill

La Esponja Cinéfila

Tarantino desde los principios de su trabajo ha planteado una temática clara y común a toda su obra contando historias que se caracterizan por una violencia cruda, a la que suma a partir de su trabajo como director, el contraste de los diálogos con las situaciones. En "Reservoir Dogs" (1992) se analiza una canción de Madonna antes de un asalto, en la conocida "Pulp Fiction" (1994) unos asesinos a sueldo comentan las diferencias entre los McDonald´s del mundo antes de cometer un acto sangriento.
Otra característica de sus películas es haber demostrado ser uno de los mayores exponentes del llamado "homenaje cinéfilo", lugar ambiguo entre el robo descarado y la emulación admiradora. Empezando desde el principio con la teatral "Reservoir Dogs" donde varios criminales a punto de realizar un importante asalto buscan ante todo, incluso cuando la situación se sale de sus manos, mantener su anonimato escudándose en alias de colores: Mr. White, Mr. Brown, etc. Una gran película con una gran idea ... ya utilizada en el film "The taking of Pelham One, Two, Three" (1974), donde unos criminales secuestran un vagón de una formación del subte de Manhattan con el cual pretenden cobrar un muy buen rescate. Dichos criminales mantienen su anonimato llamándose entre ellos Mr. White, Mr. Brown, etc.
Su carácter de esponja cinéfila le ha permitido reciclar tanto ideas como actores, situación que se ha convertido en una especie de firma. En un principio Tarantino se encontraba en la muy difícil situación de superar una obra altamente ruidosa e influyente como lo fue "Pulp Fiction". La subsiguiente "Jackie Brown" (1997) con su repetición mecánica de los lugares comunes del autor, es decir, el reciclaje de actores olvidados, la importancia protagónica de la banda sonora, el homenaje a un género específico del cine, los diálogos en alto contraste con situaciones casi descabelladas y sobre todo altamente violentas, mostraron un importante estancamiento del director-actor-guionista.
Pasaron unos largos cinco años hasta la llegada de su cuarta película "Kill Bill: Vol. 1".
Muchas cosas cambian en cinco años.

Una novia de blanco, embarazada y aparentemente sin nombre, es brutalmente golpeada, habla con un hombre de cara invisible y recibe un balazo en la cabeza.
Más tarde, extrañamente recuperada, lucha fieramente con otra mujer que aparenta ser una simple ama de casa. Hasta que llega la nena del colegio y mira, desconcertada, el living destruido y a su mamá y a la extraña mujer, ensangrentadas de arriba abajo, que intentan esconder sus cuchillos.
Parece una película de Tarantino, no?

Los Ángeles de Bill

Qué pasaría si los emblemáticos Ángeles de Charlie trabajaran para un mafioso llamado Bill, pudieran pelear como el trío Diaz-Barrymore-Liu, pero a su vez fueran capaces de despeinarse…
Tarantino no es impermeable a los vientos que corren. Desde su última película el cine estadounidense ha cambiado más de lo que podría parecer desde los últimos cinco años.
La penetración creciente del anime a nivel mundial, especialmente en un mercado tan hermético como el del Tío Sam, no ha pasado sin dejar su huella. La aparición de "The Matrix" (1999) cambió radicalmente el cine de acción integrando una estética particular con el uso hipercoreográfico de las artes marciales. Un sucesor directo se encuentra en "Charlie´s Angels" (2000) donde las chicas pueden desafiar las leyes de la física sin que se les corra el rimel.
"Kill Bill: Vol. 1" comienza como una película estándar de Tarantino: está la música, está la sangre, está el actor reciclado (David Carradine), pero, felizmente, no se queda en solo eso.
Progresivamente la película se deshace de ciertos elementos fetiche del director, manteniendo otros en equilibrio con la trama. Los diálogos fuera de contexto son dejados de lado por filosofía barata supuestamente oriental al mejor estilo de la serie "Kung Fu" (1972). La música sigue siendo protagónica y, aunque no deja de lado el retro encarnado en la persecución con la música de "El avispón Verde", deja lugar al pop japonés y a silencios antes difíciles de encontrar en su filmografía.
Tarantino absorbe la nueva situación del cine, lo utiliza sin perder su estilo característico y a su vez lo renueva. Mantiene el retro pero incorpora las nuevas temáticas y el revaival oriental, mezclando exitosamente las peleas acrobáticas del cine de artes marciales clásico chino con un segmento de anime, agregándole su distintiva violencia.
Tarantino se sabe un autor fetichista, y lo demuestra una vez más aunque redirecciona su capacidad de absorción hacia un producto que destila fetiches televisivos, tanto en la cita a los terribles klingon de "Star Trek", como la notable influencia de "Los Ángeles de Charlie", "El Avispón Verde" con su música y los 88 Katos, la filosofía del pequeño saltamontes de "Kung Fu" y la perversa colegiala japonesa inevitable del anime.
Tarantino ha comenzado a salir del pozo producido por un éxito demasiado grande, manteniendo y renovando sus temas, logrando un producto auténtico y encaminado hacia su madurez creativa.

La caja en Mardel (aporte del columnista invitado)

Produciendo una devolución convincente del paseo por el último Festival de Cine de Mar de Plata, les presento al columnista:

Tokio Fist, de Shynia Tsukamoto

Una película japonesa que se apoya en un grotesco casi gore para expresar una crítica contra la vida en las grandes ciudades y nos trae un conflicto entre un pendenciero boxeador, un pelele vendedor de seguros antiguo amigo de este y su reprimida esposa.
La trama giraría en torno a los celos y ella termina yéndose con el boxeador pero no para vivir un tórrido romance sino para iniciar un camino de automutilación, mientras su marido se entrena para matar a su antiguo amigo. Mucha sangre, rostros deformados por los golpes, un martilleo constante y planos largos de gigantescas torres de departamentos conjuntamente con estaciones de trenes y subtes. Todo tiende a expresar el potencial de violencia y autodestrucción que generan las vida en las grandes ciudades y la idea siempre oriental de equilibrio.
Mientras el boxeador no tienen alma el vendedor no tiene cuerpo.
Es muy fácil decir que la distancia cultural nos llevaría a pensar que lo gore es exagerado. Bj no cree que sea así. La película abusa del espectacularismo. Pierde ritmo por momentos y no termina de convencer.

Conclusión: Reclamo al juez por golpe bajo



Tin Tin et moi, de Anders Hogsbro Ostergaard

Quizás el mayor desafío de hacer un documental sobre un comic tan mundialmente famoso como Tintin es evitar los extremos. Ni una obra críptica que sólo los fanáticos puedan entender, ni una descripción vaga para no iniciados. Es importante lograr un equilibrio máxime si se trata de Hergé, una leyenda del comic junto a nombres como los de Jack Kirby, Charles Schultz, u Osamu Tezuka.
Este equilibrio se logra en este film danes que combina las confesiones más profundas de su autor en relación a temas espinoso como su inclinación fascista y su misoginia, un análisis no demasiado técnico del estilo de dibujo llamado trazo fino e información general para el no iniciado sobre este tierno personaje naive de la historieta mundial.
Aún para aquel que no leyó mucho de Tintin ni leerá, (como su servidor), no deja de ser una extraordinaria muestra de los múltipes factores sociales y personales que influyen en la creación de una obra.
Si bien existen algunas películas animadas de nuestro héroe como Tintin and the Mystery of the Golden Fleece (1961); Tintin and the Blue Oranges (1964); Tintin and the Temple of the Sun (1969)y Tintin and the Lake of Sharks (1971), es destacable que el film no echa mano a ninguna de las imágenes limitándose sólo a presentar una animación en Flash del entrevistado Herge, y tridimensiones de capturas del comic. Y es que no hay porque mezclar ambos lenguajes innecesariamente.

Conclusión: Una sana excursión por el universo no tan inocente de Tintin



Angel on the right (Fararishtay kifti rost), de Dejamshed Usmonov

La perla de este festival de cine fue como en muchos casos el fetiche exótico que convoca al snobismo de los participantes. En este caso se trató del cine de Asia Central (región denominada genéricamente como Kazajstán por las autoridades de la antigua URSS, pero que en realidad se particionó bastante pacíficamente en varios estados todos ellos primos y de confesión religiosa islámica). Así Bj presenció la película Angel on my right hecha en Tajhstán.
Se dice que tenemos dos ángeles. Uno en nuestra derecha que anota las obras buenas y uno en nuestra izquierda que da cuenta de las malas. Hamro vuelve a su aldea natal escapando de deudas con la mafia rusa en Moscú. Encuentra a su madre moribunda que le pide que utilice sus restantes ahorros para mejorar su casa. Hamro lo hace sólo para descubrir que su madre fingía la enfermedad y ahora ha multiplicado sus deudas en su pueblo natal, sumadas a las que ya tenía, y además, tiene que aceptar una paternidad dudosa de un muy convincente niño. Sólo un milagro podrá salvarle.
Ágil comedia con tono costumbrista, a medio camino entre el realismo mágico de García Márquez y las operetas italianas. Un retrato soberbio de un mosaico cultural en donde el mundo religioso y la decadente administración de la transición comunista se entremezclan de forma eficaz. Atrapa al espectador tanto por sus situaciones como por lo convincente de sus actuaciones. El final, que no adelantaré, es una obra maestra de la composición.

Conclusión: Anoten esta película en el libro del ángel de la derecha.



Saludos

Butlerian Jihad

Amor Eterno (Un long dimanche de fiançailles, A very long engagement)

Poesía visual

La guerra es sangrienta. Es borrosa. Es confusa.
En la guerra muchas veces aquellos que viven están muertos, y aquellos que están muertos viven. Quien está convencida de esto es Mathilde, quien moverá cielo y tierra para conseguir la confirmación de que su prometido Manech está muerto.. o vivo.
Amor Eterno es la nueva película del director francés Jean-Pierre Jeunet, creador de la reconocida "Amelie" y las oscuras "Delicatessen" y "La ciudad de los niños perdidos". Su visión es muy particular. El crea mundos parecidos a los cuentos de hadas, pero los originales, los que podían tanto asombrar como espantar. En su nueva criatura, la Primera Guerra Mundial es retratada de forma cruda y altamente humana, con un realismo seco y gris, sin perder los personajes caricaturescos que son su marca. En contraste, el mundo de Mathilde es cálido.
Para Mathilde, Jeunet vuelve a utilizar a Audrey Tautou, una decisión peligrosa por el peso de "Amelié" y lo inevitable de las comparaciones. Mathilde se dibuja como un negativo de Amelie, pero con algunos puntos en común. Aquel punto en común es la fe ciega de Mathilde, más allá de su amargura, apoyada en una serie de simpáticas supersticiones.
La trama toma la forma de un rompecabezas, donde las piezas se distribuyen en una serie de testimonios que la protagonista va buscando para conocer la verdad acerca de su prometido. Puede ser un poco complicada de seguir, pero el viaje vale la pena.

Conclusión: Mágica

Entre copas (Sideways)

Crisis de la mediana edad regada con buen vino

Miles (Paul Giamatti) un pelado y amargado profesor de literatura de secundaria con frustradas aspiraciones a escritor, se escapa en un viaje de fin de semana con Jack (Thomas Haden Church) su amigo actor, mayormente en voces en off, con aspiraciones de tarde o temprano conseguir un buen papel. La consigna es disfrutar los úlitmos días de libertad antes del casamiento del último, pasarla bien y degustar vinos por los viñedos de California. O por lo menos eso es lo que planea Miles, porque Jack tiene otras ideas.
Egoísmos infantiles, borracheras legendarias y la creciente dificultad de relacionarse conforme pasan los años son algunos de los temas que toca esta comedia dramática donde las aventuras y desventuras de la dupla protagonista juega permanentemente con el "Sideways" de título original. Con ritmo muchas veces rozando la "sitcom", la película nos pasea por las simplicidades complejas del carácter de Miles y Jack y la única constante en la vida de los dos: su amistad.
Cuando dos señoritas ingresan en la historia, el conflicto se dispara junto con la posibilidad de tomar la decisión de seguír por el camino que ya se tiene adelante, o tomar por la tangente.
Esta es una película de diálogos, imágenes y musica. Para pasar un rato con las frustraciones y alegrías (mayormente alcohólicas) de Miles y Jack hay que estar listo tanto para la risa sincera como para la sonrisa incómoda.
La actuaciones son correctas y naturales, convencen en sus personajes y se llevan armónicamente con el guión que sabe cuándo cortar la historia para que no caiga en lo previsible.
Conclusión: Salud!

Million Dollar Baby (ídem)

Filosofia del Ring

Hace varios años ya un profesor de guión me dijo que desde la tragedia griega todo está contado, que la verdadera habilidad pasa por la forma en la que se cuenta: el cómo.
No me gusta el boxeo.
No me gustan las películas de deportes, en general son absolutamente predecibles.
Esta no es la excepción.
Sin embargo, a pesar de ello, logra convencer, entretener, incluso conmover profundamente.
Frankie Dunn (Clint Eastwood) es un "cierra heridas" profesional. Guarda el secreto para cerrar, o bien disimular, cualquier tipo de laceración física o emocional. Eddie "Scrup-Iron" Dupris (Morgan Freeman) es un gastado y tuerto ex-boxeador. Es el narrador y filósofo en off de la historia, cuyas reflexiones serán el contrapunto perfecto para las situaciones planteadas en la historia. Ambos conviven en un desmechado gimnasio rodeado de personajes arquetipicos, incluyendo el pesado que se lleva a todos puesto, y el insistente Danger Barch quien todos saben, no tiene la más minima oportunidad. A este mundillo masculino llega Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), mesera desde los trece por necesidad, y aspirante al boxeo femenino por vocación.
Hasta acá nada nuevo.
Maggie se abrirá camino a base de perseverancia poco a poco metiendose en la vida de Frankie y Dunn, y asombrosamente, llegando a ser parte de un trío de personajes memorables, no por su originalidad sino por la sorprendente química lograda a partir del guión y sostenida por una realización fabulosa.
La historia sigue el curso que debe seguir, y el trabajo impecable del trio atravieza las diversas situaciones, con un regustillo nostalgico que parece estar tomando fuerza desde los últimos trabajos de Eastwood como director, llegando a su madurez, creo yo, en ésta obra.
Los ritmos emocionales son manejados de forma excelente, así como el desarrollo de la trama y sus personajes en un producto final lúcido en sus objetivos y en su mensaje final.

En conclusión: Insuperable
(no olvidar las carilinas)

El secreto de Vera Drake (Vera Drake)

Lagrimas y té

El director Mike Leigh a basado su carrera en tirar a tierra los arquetipos ingleses, cayendo sin querer a veces en otro tipo de arquetipos al mismo tiempo. A pesar de ello "El secreto de Vera Drake" nos pasea por la historia de la mujer del titulo, una señora más buena que Lassie dormida que ha basado su vida en ayudar a los demás sin importar el costo propio. Vera es una mujercita que aparenta cincuenta y tantos, trabaja limpiando casas de familias acomodadas y en una fabrica de lamparitas, además cuida a su madre anciana, a un vecino mayor, a una mujer deprimida y a su vecino solterón al que de paso engancha con su hija solterona. Vera hace todo esto sin demostrar cansancio y silba alegremente entre trabajo y tazas de té. Entendimos, es una buena mujer.
Entre tanta ocupación y a espaldas de su marido e hijos, Vera practica abortos clandestinos, sin buscar remuneración alguna, a mujeres de bajos recursos y en variedad de situaciones desesperadas. Vera no juzga, ella ayuda.
Cuando un aborto se complica, Vera es descubierta y llevada a juicio.
La película muestra la postura del director en el contraste entre la situación de la protagonista y las mujeres que trata, y una historia paralela en que la hija de la familia para la que Vera trabaja se ve en situación similar a dichas mujeres, pero con otras posibilidades dada su situación económica.
Un detalle a criticar sería la forma casi caricaturesca en que se delimitan los personajes y en la que es llevada la trama en su punto más drámatico, resultando a veces en una alienación del público llegada cierta saturación de primeros planos de la protagonista y sus lágrimas.
Por el otro lado la muy aplaudida actuación de Imelda Staunton (Vera Drake) se encuentra a la altura de las expectativas, bien acompañada por un elenco que no desentona y al que no opaca.
Finalmente la película se deja ver muy bien, con el defecto de perder el ritmo inicial hacia el final.

Conclusión: Para los seguidores de Leigh