Matar o morir (Shoot ´em up)

Una de tiros

Algo que desgraciadamente se ha vuelto una rareza en el cine de éste último año y pico es la honestidad. Ejemplo: si mi película entra en la borrosa y extensa categoría del "cine arte", será pretenciosa, cargada de alegorías, tendrá un ritmo particular y se espera que el público la siga pensando incluso cuando se volvieron a encender las luces del cine; si mi película es entretenimiento.. tiene que tener buen ritmo, una trama que lo sostenga con un mínimo de coerencia interna, pero principalmente tiene que ser divertida. Ya van varios tanques que disfrazados de sinfin de aventuras terminan siendo bodriazos de tres horas que ni los efectos logran sostener.

No es el caso de ésta película.

Con la duración justa y la insanía suficiente, "Matar o morír" es la mezcla justa de galería de tiros, estética de video game (pero sin saturar), trama mínima con frases ingeniosas tipo peli de acción de los ´80 y diversión pochoclera honesta y garantizada. Esto es lo que es y no pretende nada más.
Clive Owen personifica al misterioso y obsesionado con las zanahorias Smith, un tipo con una puntería infalible, cierta neurastenia simpática (la que lo hace perseguír y chocar a un tipo sólo porque no pone el guiño para cambiar de carril) y una capacidad de supervivencia superlativa. A los tres segundos de comenzada la película se cruza con una embarazada a punto de dar a luz y perseguida por unos matones. Las cosas se suceden rápidamente y el protagonista se ve con un bebé a cargo y perseguido por un malo bien malo personificado por Paul Giamatti quien entre tiro y tiro debe contestar los llamados de su esposa. Smith busca pronto a una amiga italiana prostituta (Monica Bellucci y el super acento) para que cuide al bebé mientras él encuentra la forma de averigüar qué pasa y descargarse con cualquier tipo que cargue una pistola.
A partír de ahí, tiros en cantidades industriales y en las situaciones más inverosímiles, pero es justamente ésto lo que hace que sea una película honesta, porque nunca se toma en serio a si misma. La trama está hecha para que las situaciones absurdas causen risa y finalmente uno salga del cine con la sonrisa de haber visto entretenimiento puro que no pide ni otorga nada más de lo que es: diversión.

Conclusión: Pochoclo balístico de primera calidad

BAFICI 07: Big Bang Love: Juvenile A

X Japan

Con halos de futurismo, esta historia plantea el encuentro entre dos jóvenes criminales. Uno, Sin, que ha matado a un cliente gay en un oscuro hotel; el otro, Kun, autor de una violación y homicidio. De esta tremenda oposición entre un personaje casi tierno y un violento sin remedio, surge un relato que intenta reconstruir el homicidio de Kun del cual Sin se confiesa culpable.
Takashi Miike, un director que ha mostrado ya su versatilidad en productos tan disímiles como la perturbadora Audition (1999) hasta la bizarra The Happiness of the Katakuris (2001), toma a su cargo un trabajo que pretende ser más un ejercicio de narración que un film en sí. El recurso alegórico excesivo y la superposición casi irreflexiva de metáforas comunes sobrecargan el relato ¿Puede el lenguaje ser profundo en sí más allá del contenido del relato? Así como lo resuelve Miike la respuesta es negativa. Termina siendo un pastiche listo para hacer aplaudir el público snobista que cree que un recurso alegórico basta a para hacer profunda una trama.

Conclusión: la prisión snobista

BAFICI 07: Going to Pieces: The Rise and Fall of the Slasher Films

Salpicando…

Una de las políticas de los organizadores del BAFICI fue no sólo traer películas de cine independiente nacionales y extranjeras, sino traer también películas que difícilmente se puedan ver en otros circuitos. Tal es el caso de una serie de documentales. En este caso toca a Going to Pieces: The rise and Fall of the Slasher Films.
Se trata de un documental escrito y dirigido por Adam Rockoff que trata sobre un tipo de subgénero de películas de terror llamado Slasher Movies en donde asesinos psicópatas de este u otro mundo persiguen a dulces colegialas y demás gente joven preferentemente con objetos filosos. Este sub-género, que incluye joyas como Nightmare on Elm Street, Friday 13th, Prom Night y Halloween entre otras, se hizo famosos por su escenas cuasi gore de sangre que chorrea hasta por fuera de la pantalla. Rockoff investiga su dudosa prehistoria con filmes como Psicosis (1960) hasta las nuevas producciones a cargo de Rob Zombie (House of 1,000 Corpses ; The Devil Reject) y se detiene con entrevistas a los sospechosos de siempre (Carpenter, Craven, Cunningham) y , en especial, a Tom Savini , nombre desconocido pero obligado del género ya que fue el responsable de make-up y efectos especiales de la gran mayoría de estas películas. La visión artística del grotesco de Savini es clave para entender este género.
Ahora bien, el documental es ameno. La música es genial y la edición es trepidante. Un buen cóctel, pero en pantalla chica. El ritmo con que se desarrolla parece surgido de una suerte de cruza entre E! True Hollywood Story y algún documental de VH1. Muy efectivo cuando hay un corte comercial para que uno vaya a buscar más pochoclos, pero que se pierde en la pantalla grande.

Conclusión: la sangre en el ojo…. equivocado

BAFICI 07: Marriage Stories

Primer ensayo de reality de Europa Oriental

La realizadora checa Helena Trestikova toma y fusiona dos documentales de la misma pareja de Praga. La primera, cuando recién se casan en la década de los 80 con el final del comunismo. La segunda parte es la misma pareja, 15 años después. Este ejercicio de panel produce un relato notable, la pareja aparece primero como dos enamorados que le ponen el pecho a los problemas de vivienda y abastecimiento de bienes, mientras luchan por finalizar sus estudios en la tambaleante Praga antes de la revolución del terciopelo. En esos primeros años tiene dos hijos pequeños. Más tarde la misma pareja aparece con ya cinco hijos, con un marido que lucha por ajustarse a los cánones de pequeño entrepeneur del neoliberalismo, una esposa sobrecargada de trabajo que se vuelve depresiva, un hijo que ha fracasado en sus ingreso a la universidad y que no dura en sus empleos (por lo que tiene que trabajar con el padre); otro rebelde y díscolo cuya conducta violenta (y probablemente adictiva a las drogas) sólo puede encontrar refugio en la milicia…
Un relato soberbio, con un dramatismo que va creciendo y que invita a la reflexión macro y micro. Macro al retratar de forma concisa el impacto de las reformas neoliberales sobre las sociedades de Europa del Este. Frente a tal desamparo al que se ven sometidos los protagonistas, el fracaso de las iniciativas cuenta propia de ambos, el peligro de las drogas para sus hijos y otros adversidades que hacen inconscientemente de este un film propagandístico de vuelta al comunismo. BJ no cree que esa sea la intención, pero al menos hay un fuerte contenido crítico del camino tomado.
A nivel micro, la crisis de la madurez, la mirada retrospectiva, el choque de valores entre diferentes generaciones es retrato de forma vívida y perturbadora. El auditorio es atrapado por la inmensa angustia del traspaso de la madurez a la vejez de esta pareja checa.

Conclusión: buena, pero deprimente

La Antena (ídem)

Fantástica fábula muda

El cine arte es una frase fácilmente utilizada y multiplemente bastardeada, achacada a cualquier bodrio con pretensiones de cine francés que asome la cabeza por ahí. Pero el concepto de arte se suele perder entre silencios matadores de ritmo y sinsentidos sostenidos en alegorías que sólo el director realmente entiende.
Muy pocas veces el término es bien utilizado.
Esta es una de ellas.
En la misteriosa Ciudad sin Voz, sumergida en eterna nieve y silencio, sólo una cantante sin rostro pero con voz propia rompe la única forma de comunicación de sus habitantes: la palabra escrita. Los diálogos flotan como subtítulos con protagonismo y llevan a un nivel mayor la situación muda de la población. El Señor TV, dueño y monopólico líder de los medios de comunicación y subsistencia, planea un maquiavélico complot para adueñarse definitivamente del poco libre albedrío que queda en su ciudad. Ello es descubierto por un técnico reparador de televisores, que entre otras cosas, busca reparar la relación con su ex-mujer y su hija, quienes al vivir al lado de la casa de la cantante y su pequeño hijo sin ojos (literalmente), se verán arrastrados por la situación.
Como buena película muda, la trama es simple, pero radica en la forma impresionante en que está contada. Esteban Sapir vio mucho cine mudo, mucho realmente, y logra sacar adelante el género con mano certera, mientras que construye una fábula fantástica con ingredientes de "Metrópolis", "El gabinete del Dr. Caligari", un poco de "Brasil", otro de "Ciudad en tinieblas" y algo del cine surrealista. La mezcla sale adelante en un auténtico ejemplar del mejor arte en el cine, una película que dentro de lo posible hay que ver cómo fue concebida, es decir, en la pantalla grande. Si bien se siente un poco lenta, incluso en eso es coerente, el ritmo es fiel al cine que homenajea, pero bien vale la pena lo que da a cambio.

Conclusión: Imperdible


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BAFICI 07: Upa!, una película argentina

El quehacer imposible del cine nacional

Muy justamente ganadora de los premios "Mejor película selección oficial argentina" y "Mejor película de la Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos", Upa! es una parodia ácida y honesta de las dificultades del cine nacional actual. Comienza con Santiago, quien recibe un premio por un corto en un festival de cine europeo y decide invertír el dinero ganado en la tan ansiada ópera prima. Junto con su amiga y productora Ailén, comenzará el largo y dificultoso camino de la filmación, donde lo propio del filmar independiente nacional (bajo presupuesto, aparente profesionalidad que se derrumba ante lo personal, una seguridad ficticia que cede ante los improvistos) comienza a tomar relevancia y a dificultar cada vez más la posibilidad de que el film llegue a existír. Como recordando "La noche americana" de Truffaut, en la filmación los egos chocan, los puteríos surgen y más de una escena graciosa y cruel se suceden en una película pequeña en su factura y grande en el concepto.
Si con el dinero de los premios logran que llegue a los cines, la recomiendo mucho.

Conclusión: Pequeño manual divertido de la realización a pulmón.

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(buenísimos los chupetines en la entrada a la función)

BAFICI 07: Princess Raccoon (Operetta tanuki goten)

Jugando con animales míticos

El Tanuki en Japón es tanto un tipo de mapache como un espíritu travieso con la capacidad de cambiar su forma, en ésta particular película nos encontramos en algún momento del Japón medieval donde se cuenta que un humano jamás debería enamorarse de un Tanuki, ni el Tanuki debería amarlo a él. En una montaña misteriosa habita el narcicista Rey Azuchi Momoyama en el Castillo Gracia. Al mejor modo de la reina del cuento "Blancanieves" se pregunta quién es el más bello, pero en vez de un espejo hechizado cuenta con una virgen y anciana bruja ironicamente católica. La anciana en cuestión dispara la trama cuando le avisa al Rey que pronto su hijo Amechiyo será más bello que él. El padre no encuentra mejor solución que encargar a un cazador para que lo mate. Amechiyo sin embargo logra escapar del cazador y es encontrado por una misteriosa joven que no es otra que la Princesa de los Tanuki en figura humana, interpretada por la muy vista Zhang Ziyi. Siendo una actriz china, tiene a lo largo de la película algunas lineas en japonés, hablando el resto en mandarín, lengua que Amechiyo por supuesto no entiende, lo que no impide que se enamoren mutuamente.
Lo que sigue es un descontrol de colores, canciones de múltiples géneros (tap, rap, melódico, ópera), animación, ambientación teatral y escenas que parecen sacadas por momentos del teatro Kabuki, por momentos de las series Super Sentai (tipo Power Rangers).
A pesar de que la mezcla así enumerada parece imposible, el octogenario director Seijun Suzuki se las ingenia para sostener y cohesionar una disparidad de elementos como sólo puede encontrarse en cierto cine oriental.

Conclusión: Colorido bizarro nipón

Si alguien recuerda el cuelgue total que es la escena final de Zatoichi, esta película se siente así en todo momento

BAFICI 07: The SCI Fi Boys

Cuando lo atábamos con alambre…

Al ver el programa, esta película pareciera aparecer como una historia de la ciencia ficción y el cine. En realidad, este documental retrata la historia de los efectos especiales en el cine fantástico. Esta dirigida por Paul Davids, uno de los guionistas de Transformers, una de las series de animación más grandes de todos los tiempos.
En los 80 minutos que dura este documental, Davids parte de revisar la influencia de la revista Famous Monster of Hollywood editada por Forrest Ackerman, quien revisaba el diseño de los primeros monstruos de las películas fantásticas desde Obrien y sus diseños para la primera King Kong (no confundir con la desastrosa versión de Peter Jackson) El documental prosigue destacando la influencia de esta revista y de los trabajos del gran icono de los diseños y efectos especiales de este tipo de películas: Ray Harryhausen. A su vez, interpela a grandes directores del género desde Roger Corman hasta Stephen Sommers y Peter Jackson, y especialistas en make–up, stop motion, maquetas y otras técnicas que promovían la imaginación del público. El documental despliega esta magia mostrando el origen amateur de este arte. Y culmina con el dramático surgimiento del CGI. Nada más adecuado para describirlo que la voz de George Lucas, uno de los peores asesinos del arte cinematográfico cada vez que el CGI cae en sus manos. Un repaso bien completo, aunque a juicio de BJ faltó uno de los monstruos que más inspiró en los `80: Alien.
Un cuidadoso trabajo de compilación, que incluye filmes amateurs de la infancia y adolescencia de los grandes realizadores del género. Un muy buen documental que nos deja pensando sobre como se podrá volver a lograr toda esa magia ahora que toda una nueva camada de directores, con Lucas a la cabeza, usa todo el potencial del CGI para ocupar el lugar del guión y el arte.

Conclusión: It conquered the World.

BAFICI 01: Retrospectiva de Piotr Duamala

Animador polaco que nos muestra doce años de trabajo en ochenta minutos, lo que habla de una obra muy artesanal y sufrida en ciertos aspectos, dado que por la técnica que utiliza, (animación en yeso, con la pintura húmeda), debe destruír su obra para continuar animando.
De esta retrospectiva pasamos de la línea simple del blanco y negro e incluso razgos infantiles (como en su personal versión de "La caperucita roja"), a una animación más lenta y fluida con temáticas densas (la vida de Kafka) acompañados de una estética acorde.
Para recordar las mejores épocas de "Caloi en su tinta".

BAFICI 07: Fimfarum 2

Película de animación checa que consta de cuatro cortos realizados por cuatro directores diferentes. Stop motion muy amigable y computadora para poyar tan sutilmente que ni se nota. Los primeros dos cortos son los que se sostienen mejor a nivel de ritmo cinetmatográfico, relantizándose por alguna razón en los últimos.

¿El mar, tío, por qué es salado? (MOŘE, STRÝČKU, PROČ JE SLANÉ?)

Un divertida fábula que toma lugar en una típica aldea checa, donde conviven dos hermanos: Marek adinerado con esposa e hija a las que no presta mucha atención, y Kouba no tan bien posicionado ya que tiene ocho bocas que alimentar (más una novena en camino), pero feliz de tenerlas. Este último, luego de un bizarro encuentro con un ex-demonio con un asunto personal que resolver con Lucifer, es enviado al infierno como parte de un plan para hacerlo rabiar. El mundilo infernal es burocratico y, por una extraña razón, jugador. Lucifer pierde y Kouba gana un molinillo mágico que le permite "moler" (o crear desde la nada) cualquier cosa que desee, la única cuestión a tener en cuenta es que el molinillo sólo deja de moler al pronunciarse una frase mágica. Siendo un tipo generoso, comparte su buena fortuna con todo el pueblo, y así la aldea entera prospera. Marek, envidioso, roba el molinillo a su hermano y huye al mar, con el plan de hacer riqueza en tierras lejanas, pero al querer vernder sal a la tripulación y no saber la frase mágica, el molinillo produce sal hasta hundír el barco (Marek con él) y sigue produciendo sal en el mar.

Tres hermanas y un anillo (TŘI SESTRY A JEDEN PRSTEN)

Tres hermanas, casadas con tres hermanos, se gastan el dinero ganado por la venta de huevos de pascua, en cerveza. Ya borrachas y desesperadas porque no saben qué excusa darles a sus maridos, encuentran en el camino un anillo muy valioso. Como no se animan a venderlo deciden jugarlo en una apuesta entre las tres para ver cuál se lo queda. Comienza un juego cruel (y altamente hilarante) en donde ganará quien logre hacer quedar más como estúpido a su esposo. De ahí un marido comunista es convencido de ser el próximo obispo, otro de sacarse dientes para curar un dolor inexistente en su mujer, y el tercero (en una escena de antología) simplemente de estar muerto, con funeral y todo.

Los jorobados de Damasco (HRBÁČI Z DAMAŠKU)

Seguimos en una historia lenta y un poco errática, la historia de tres hermanos herreros, jorobados, tuertos, feos e idénticos. Al ser expulsados de su ciudad natal se separan y buscan fortuna. Uno logrará riqueza y ahí comenzarán los problemas, envidias, celos, esposas asesinas y matones torpes. Desgraciadamente no es tan entretenido como mi resumen parece indicar. La historia es tediosa y los personajes son grotescos.

Pulgarcito (TOM THUMBS)

Seguimos la historia de Pulgarcito desde su nacimiento dentro de una familia que deseaba tener hijos, pero no lo conseguía, hasta su juventud, donde será comprado por un hombre adinderado, robado por ladornes inescrupulosos, se enfrentará a monstruos de las nieves y viajará con las conocidas botas de siete leguas. Pulgarcito logra salir adelante siempre usando ingenio contra fuerza, sin importar su tamaño o el de sus contrincantes. Es un poco más entretenida que la historia anterior, pero igual pierde ritmo por momentos, explayandose en escenas que deberían ser más breves, o contadas de otra manera.

Conquistadores (Pathfinders)

La picadora de carne hollywoodense

Allá en mi lejana infancia, alquile un VHS que se titulaba “Pathfinder, el guía del desfiladero de la muerte”. Resultó ser una joyita noruega de la que después especificare más. Cuando vi la gráfica de la remake hollywoodense del 2007, un frío me recorrió el espinazo. Y tenía razón. Harto de robar a diestra y siniestra a clásicos del cine japonés, italiano o de cualquier otra parte, este film noruego se vuelve una nueva víctima de Hollywood.
En el film original noruego, llamado Ofelas (1987), un muchacho lapón llamado Aigin presencia el asesinato de su familia por un grupo de vikingos llamados “Tjuders” y busca refugio entre otros lapones. Estos temiendo que él no haya cubierto bien sus huellas, lo abandonan y huyen hacia las costas. Aigin es atrapado y forzado a guiar a los tjuders hacia el resto de las poblaciones lapones. Aigin se prepara entonces para perpetrar la venganza de los suyos. El film noruego tiene ribetes épicos, un arte considerable y el mérito de, muchos años antes de Mel Gibson, estar hablado en dialecto vikingo antiguo y en Saami (antiguo lapón). La atmósfera del film es cautivante, y lo épico y dramático se funden muy bien.
Todo lo anterior no es válido para Pathfinders 2007, excepto que hay vikingos. Aquí la escena se traslada a Norteamérica. Una buena idea en principio. Un muchacho vikingo es rescatado de un naufragio por un grupo de aborígenes norteamericanos que lo crían como propio. Años después, vuelven los vikingos para conquistar sus tierras. El muchacho, ahora bautizado como Ghost (Karl Urban) comprende rápidamente que los vikingos no pueden ser derrotados abiertamente e intenta diezmar sus fuerzas mediante estratagemas. Estas fallan y él es capturado y obligado a servir de guía dado su carácter mestizo. Ah, y en el medio hay una historia de amor entre Ghost y una chica.
El guión estaba bien intencionado al principio. Luego se derrumba hasta ser una épica hollywoodense. O sea que el espíritu de sacrificio de la original se vuelve un clásico retrato del héroe y su grandiosidad torturada. El director Nigel supone que donde quiera que haya espadas hay que filmar como Gladiador de Riddley Scott. Cierto es que este film marcó época, pero los abusos conducen a esto. Una película que no se acaba de definir. Como épica y/o dramática es vacía. O peor, una mala copia de un muy buen original. Nada se plantea del choque entre culturas, o las nuevas interpretaciones de los pueblos originarios. Queda bien claro que los vikingos son superiores porque son europeos. Los indígenas son inocentes y primitivos, y la única esperanza es Ghost precisamente porque es un “europeo” criado en Norteamérica. Todo muy WASP. Como película de acción es lenta. Y como película sola es aburrida. Tiene serios problemas de ritmo.
Como en el film, director y guionista debieron escoger entre el sendero del oeste y el del este. Uno lleva a una película dramática y profunda, y el otro a un par de horas de golpes y sangre. O viceversa. En cualquier caso, no se opta por nada. Se sigue por el medio, sin escoger sendero alguno, y el film choca con piedras y arbustos y se tropieza. Y se llega a llevar por delante una montaña que no puede superar y que se llama: captar la atención del público.

Conclusión: Giro equivocado.

300 (ídem)

Arrrrr

En el 480 a.C. un grupo de sólo trescientos espartanos liderados por su rey Leónidas, puso resistencia al implacable avance del rey persa Jerjes y su voluminoso ejército. Frank Miller, creador de entre varias novelas gráficas la recientemente adaptada "Sin City", tomó ésta historia para contarla a su manera. Nueve años después y colgándose del tremendo éxito de la película "Sin City", nos encontramos con una nueva adaptación de una obra de Frank Miller, con la salvedad de que esta vez no se encuentran en conjunto el autor y un conocido director detrás, sino un grupete de escritores que hicieron lo que pudieron y un director (Zack Snyder), que hace sus primeros intentos de superproducción, preparándose para el próximo comic en cine: Watchmen.
Donde todo parece estar puesto para funcionar, comienza a girar en falso mucho antes de lo que se espera. La película usa y abusa de recursos ya vistos, particularmente en Matrix, sin tener en cuenta las consecuencias. El ya conocido y gastado efecto de cámara lenta hiperfluida metida dentro de cualquier escena sin mucho criterio lo único que logra es ralentizar escenas de acción que deberían tener otro ritmo completamente diferente. La muy cuidada calidad de imagen y tratamiento de color, cae en un vacío al ser el tratamiento por el tratamiento mismo, sin ningún sentido aparente. Y lo más grotesco es, entre tanto presupuesto y puesta cuidada, un malísimo rinoceronte en cgi cuya textura semiplástica y falta de articulaciones reconocibles hace que la platea comience a reír en la sala (hecho real), cuando debería estar preocupado por el personaje en peligro.
Mucho grito, mucha testosterona, no tanta acción y entretenimiento.
Los espartanos eran jodidos.. lo entendimos.
Tenían todo para perder.. lo entendimos también.
Jerjes es afeminado... a niveles un poco caricaturescos, ¿no?. ¿Es necesario llevar la caracterización a niveles tan ridículos que quien debería presentarse como contrafigura del protagonista termina pareciendo un malvado tipo muñequito sacado de "Power Rangers: lo que sea"?
Donde se espera acción y entretenimiento puramente pochoclero encontramos desgraciadamente una puesta con aires de algo que no es (ni "Sin City", ni "Gladiador", de la que roba descaradamente) y un ritmo que no se sostiene, aunque no llega aburrir del todo.

Conclusión: Machaca pretensiosa

Me pregunto si el acento forzado con el que hablan, particularmente el protagonista, los habrá hecho escupir mucho. Por momentos tuve recuerdos de un capítulo de Friends...

María Antonieta, la reina adolescente (Marie Antoinette)

La tercera es la vencida.

No me gusta Sofía Coppola.
La considero una directora menor, pretenciosa, inflada por su apellido y por la prensa.

A pesar de que me decepcionó con "Las vírgenes suicidas" y odié profundamente "Perdidos en Tokio", decidí darle una última oportunidad. Dado que las primeras dos habían sido amadas por la prensa especializada y no habían sido de mi agrado, admito que la curiosidad se me despertó ante la idea de una película de época con una banda sonora actual (nada que Baz Luhrmann no haya hecho antes, pero cierto, es Luhrmann no Coppola), el retrato de adolescentes en situaciones de poder y responsabilidad que no pueden terminar de manejar y un publicitado abucheo en Cannes.
Intentémoslo otra vez, me dije.
Quizás si a la prensa especializada no le gustó esta vez me guste a mí, pensé ante la posibilidad de una situación reversa.
Ah, pero aunque fue recibida con relativa frialdad, por alguna razón la prensa local la amó...

Yo no tanto.

A los catorce años María Antonieta es entregada por su madre María Teresa de Austria a la corte francesa a fin de casarla con Luís XVI y sellar una alianza. La joven delfina es dulce y cándida, parece no entender la complejidad de la corte de Versalles. Las intrigas parecen superarla, si bien logra encontrar aliados. Pero no todo es sufrimiento, ya que pronto encontrará aliento en el encargo de vestidos y las largas partidas de cartas donde las apuestas hacen tambalear el presupuesto del futuro Rey.
Luís XVI es cándido también, torpe y por alguna razón no parece tener ninguna curiosidad acerca de lo que puede llegar a hacer durante la noche con su joven esposa. El tiempo pasa, el matrimonio no se consuma y las presiones y rumores comienzan a hacer mella en nuestra dulce heroína. Las habladurías ponen en duda la posición de María Antonieta y una madre severa escribe iracundas cartas.

María Antonieta sufre y desahoga su angustia en fiestas, vestidos y juego.

Finalmente, con ayuda de su hermano que pasea con Luís y le explica cómo se hacen las cosas, el matrimonio da frutos y nace María Teresa.

Fin de la angustia.

María Antonieta ya no sufre y desahoga su felicidad en fiestas, vestidos y juego.

Un buen trecho de película falta, el conflicto principal se resolvió, no aparece ningún otro conflicto que mantenga el interés y todas las buenas intenciones volcadas en la película de disuelven junto con la voluntad del espectador de seguir sentado en la sala.
En principio es una idea interesante el retrato de adolescentes de antaño como adolescentes contemporáneos, acompañados de música de los ochenta, considerada la década de los excesos que bien va con el comportamiento de la corte. Sin embargo la idealización de María Antonieta como una criatura prácticamente con una inocencia digna de la Heidi de Miyasaki, envuelta en la complejidad de una corte mucho mas creíble termina produciendo un resultado maniqueísta y simplista. Lo que tampoco es un retrato justo de la sociedad francesa de esa época.
Sofía Coppola fuerza situaciones para ajustarlas a su propia visión del mundo, sin dejar de bajar línea de manera un poco alarmante y casi xenófoba. Dónde se cree ver crítica social y reflexión sobre la soledad, es en mi opinión, fobia hacia lo diferente e intolerancia a las costumbres ajenas. Es interesante, por ejemplo, como muestra que la ayuda financiera a la Revolución Americana es punto inicial de la debacle económica de Francia y responsable indirecta de la Revolución Francesa. O en otras palabras, la independencia norteamericana provocó la independencia francesa.. con razón los abucheos en Cannes.
Su cámara es insípida como el mensaje que supuestamente da. No es una reflexión sobre la futilidad en lo superficial, es superficial y ya.
Papi tendría que dejar de pagar por estas películas.

Conclusión: Junta elementos, mezcla, licua y trata de que salga algo bueno. Pero no.

Deja Vu (ídem)

Me suena conocido.

El término Dèjá vú proviene del francés y significa "ya visto", refiere a la sensación de algo ya vivido o repetido. En la nueva película del director Tony Scott (si, hermano de Ridley pero más taquillero) el título toma una nueva dimensión en cuanto que varios elementos de la misma disparan esa curiosa sensación. La historia comienza como una más de acción con un tufillo ochentoso en su simplicidad: en Nueva Orleans barco explota, mucha gente muere, por supuesto es un atentado terrorista (muy en boga) y aparece el investigador armado con la capacidad para ver ese detalle que a todo el mundo se le escapa y una sonrisa fácil, seguido de una lengua rápida. Nuestro héroe de turno, Doug Carlin, armado en un automático Denzel Washington (un emulador de McGregor más y van...) se encarga de rastrear el origen del atentado en busca del perpetrador. La intriga empieza cuando aparece en el río el cuerpo de una chica que parece haber muerto una hora antes de la explosión. Doug cree que la muerte de la chica puede estar conectada al terrorista y comienza a investigar, cuando es abordado por el agente Andrew Pryzwarra (un destruído Val Kilmer) que lo invita a participar de un grupo de elite que cuenta con una herramienta misteriosa para investigar el hecho: una máquina que permite ver cuatro días y seis horas en el pasado. Por qué esa determinada cantidad de tiempo es un misterio mal justificado y demasiado necesario para mantener una trama tambaleante. Acá es cuando la película pretende tocar la ciencia ficción y resbala de forma contundente. Doug comienza a espiar los pultimos días de la joven Claire y se obsesiona con ella a tal punto que por momentos pareciera que la vida de ella pesa más que los 500 muertos en el atentado.
Si es robo descarado, falta de originalidad endémica, o simplemente más de esa moda espantosa recurrente en las últimas producciones de hollywood de armar frankensteins con pedazos de otros vomitando un producto que toma por idiota al espectador, en Dèjá vú, y haciendo honor al título, la justificación del funcionamiento de la máquina, basada en la teoría de los agujeros de gusano, está calcada de la película "Event horizon"; cuando se deciden a jugar con el tiempo utilizan la explicación ya vista en "Volver al futuro 2", pero en versión light, nada de los peligros de encontrarse con uno mismo ni los problemas teoricos de causar particiones en la continuidad del tiempo-espacio.
La "maquina del tiempo" resulta una mezcla de pantallas gigantes y editora alla "Minority Report" y "A Scanner Darkly", cruzada con microondas y con una versión portatil de casquito ridículo y mochila tipo Cazafantasmas que da para una de las más absurdas, (no en el buen sentido), persecuciones que haya visto. La inclinación voyeurista de Doug parece una inspiración triste en "Vértigo" y "Vestida para matar". Juntese con mensajes en la heladera, ya visto y de forma mucho más interesante en "El Maquinista", revuélvase con un terrorista unidimensional, una historia de amor forzada, un guión endeble y una dirección espástica y tómese sólo a discresión, o acompañado en el caso de tener impulsos sádicos.

Conclusión: Repite como cena pesada de fin de año.

Nota: Si no veo una buena película o por lo menos una que no me tome por idiota pronto, me voy a deprimir. ¿Se acuerdan cuando habían buenas películas para ver?.